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 主题:★★★从卢浮宫到奥赛,欧洲绘画名作巡礼★★★  [ 主题管理员: 情枭的黎明 ]
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情枭的黎明
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本专辑为继伦敦大英博物馆、纽约大都会博物馆后的世界博物馆巡礼的第三集。

     4月末的巴黎之春,我花了短短一整天的时间快速探索了卢浮宫和奥赛美术馆这两座世界著名博物馆,因为时间有限,只集中看了两馆的绘画部分(多年前曾草草看过卢浮宫的两河流域、古埃及和希腊部分展品),即便如此,因卢浮宫北欧文艺复兴时期和早期法国的绘画展室维修关闭,扬凡艾克、范德韦登、博斯、勃鲁盖尔等大师的杰作均无缘目睹,而恰逢其会的汇聚众多珍品的维米尔卢浮宫特展因排队人太多也没有观看,奥赛方面库尔贝、米勒、布格罗等众多名家作品也失之交臂,仅粗略看了印象派和后印象派的部分精品。
     不过好在没有遗漏还是大多数,卢浮宫加上奥赛,一个15世纪到19世纪的欧洲绘画史基本架构和主要画家体系大致建立起来了。(蓬皮杜?我对现代派还不能完全接受,也就没有关注)
      当你欣喜地站在德农馆一字排开的达芬奇5幅名作陈列面前,那种感觉难以言传。
      因为最近越来越懒,不但拍的越来越少,单反相机也几乎尘封箱底,因此本次全程手机拍照,虽然画质不佳,但好歹可以看小图建立印象,高清大图来自网络资源,至于色彩之间的微妙差别,很难说孰优孰劣,唯有到现场亲眼目睹才是王道,
       这里陆续上部分绘画图片,供大家参考欣赏,去过的,可以温习美好回忆,没去的可以提前储备些资料,为现场参观打下基础。
      以下资料来自网络百科。帖子中示明ZT的,均为网络资料汇集,非敢掠美,因精力有限,就不一一列明出处了,再次抱歉。

ZT
      卢浮宫(法语:Musée du Louvre)位于法国巴黎市中心的塞纳河北岸,位居世界四大博物馆之首。
卢浮宫始建于1204年,原是法国的王宫,居住过50位法国国王和王后,是法国文艺复兴时期最珍贵的建筑物之一,以收藏丰富的古典绘画和雕刻而闻名于世。
      现为卢浮宫博物馆,历经800多年扩建重修达到今天的规模,占地约198公顷,分新老两部分,宫前的金字塔形玻璃入口,占地面积为24公顷,是华人建筑大师贝聿铭设计的。1793年8月10日,卢浮宫艺术馆正式对外开放,成为一个博物馆。
卢浮宫藏有被誉为世界三宝的断臂维纳斯雕像、《蒙娜丽莎》油画和胜利女神石雕,拥有的艺术收藏达40万件以上,从古代埃及、希腊、埃特鲁里亚、罗马的艺术品,到东方各国的艺术品,有从中世纪到现代的雕塑作品,还有数量惊人的王室珍玩以及绘画精品等等。
       卢浮宫已成为世界著名的艺术殿堂,最大的艺术宝库之一,是举世瞩目的万宝之宫。
据统计,卢浮宫宫殿共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。法国人将这些艺术珍品根据其来源地和种类分别在六大展馆中展出,即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多,占地面积最大。卢浮宫区有198个展览大厅,最大的大厅长205米。用一天两天的时间根本无法欣赏全部的稀世珍品。
     卢浮宫馆藏虽丰,但慕名而来的观众却难窥庐山真面目。因为它的6个展馆仅在星期一、三两天基本全部开放,其余4天轮流开放,星期日只开一半。而且展品仅占全部馆藏的1/3。如今它的藏画就有15000件,但平时用以出展的不过2000多幅,因此有幸目睹卢浮宫全部珍藏的人寥寥无几。置身于40万件艺术珍品的包围之中,无论是谁都会面对艺术本身或隐含其中的历史的情绪的沉积浮想联翩──卢浮宫的魅力也正在于此。

      奥塞美术馆,是巴黎的近代艺术博物馆,主要收藏从1848年到1914年之间的绘画、雕塑、家具和摄影作品。博物馆位于塞纳河左岸,和卢浮宫斜对。原来是建于1900年的火车站,是从巴黎到奥尔良铁路的终点奥尔赛车站。1939年进入巴黎的铁路取消,车站关闭。1978年被列为受保护的历史建筑,1986年改建成为博物馆,将原来存放在卢浮宫的、在茹德葆博物馆的以及在蓬皮杜艺术中心国家现代艺术博物馆内的有关藏品全部集中到这里展出。大厅中还保留着原来的车站大钟。
      在1986年12月9月,奥塞美术馆的落成开幕典礼上。法国总统密特朗特别致辞:"拥抱过往情怀,在自由的思想下尽情享受一切美好的事物。"这正体现了巴黎人的精神及生活态度。
      奥赛美术馆被誉为"欧洲最美的博物馆",以收藏19、20世纪印象派画作为主,而雷诺瓦的加雷特磨坊舞会,梵高自画像、莫内的蓝色睡莲等作品都是镇馆之宝。
       奥赛博物馆与卢浮宫、蓬皮杜中心一道被称为巴黎三大艺术博物馆,聚集了法国近代文化艺术的精华,填补了法国文化艺术发展史上从古代艺术到现代艺术之间的空白,以丰富的收藏展现了19世纪法国艺术的辉煌时代,而1848年以前的艺术作品都陈列在卢浮宫内,1914年以后的艺术作品收集在蓬皮杜中心的现代艺术博物馆里,因此,卢浮宫-奥赛博物馆-现代艺术博物馆为观众提供了完整的艺术发展过程。

本人其它文物专贴
伦敦大英博物馆珍藏文物之走马观花  深度拍摄纽约大都会艺术博物馆   中华博物馆探宝第一期    中华博物馆探宝第二期      拍不尽的故宫博物院 本帖最后由 情枭的黎明 于 2018-6-16 20:10 编辑

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2017-04-30 21:55
 浏览:12850  回帖:576   
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情枭的黎明
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      《木匠圣约瑟》是拉图尔艺术成熟期的杰作之一,称得上是17世纪的绘画杰作。
  从17世纪中叶起,反宗教改革的人特别崇拜约瑟,把这位耶稣的世俗养父的地位排在仅次于圣母玛丽亚之后,拉图尔把圣约瑟画成身材魁武伟岸,可说是非常确切。他弯着腰,大手紧握着工具,肌肉突起,汗珠在手臂和额头上闪着光,显示他正在努力地工作着。
   年幼的耶稣头上没有神所特有的光环或其他任何外表装饰物,他举着一支蜡烛,这支蜡烛是画面上惟一的光源,就像耶稣是世界上惟一的神灵之光的光源一样。耶 稣幼嫩细腻的肢体白里透红,就像一股从体内向外自然放射的光芒一样,拉图尔只有在画神的时候,才会使用这种技法。木匠正在加工的那块木头,在这里象征十字 架。
  拉图尔可能与圣方济会交往密切,因此这幅画的主题不仅反映出对表现日常生活情景的兴趣,也反映出圣方济会教徒对圣约瑟、童年的耶稣和十字架的特殊情感。
       拉图尔是一个非常神秘的画家,因为太过神秘,正确的生平和经历至今仍不明确。只知道他1593年3月19日生于吕内维尔附近,出生地隶属于洛林公国 (Lorraine),父亲是面包师傅。1652年1月30日卒于同地。1617年拉图尔娶了戴安娜为妻,妻子比他大两岁,是名门贵族的独生女,有丰厚的 嫁妆陪嫁。拉图尔跟妻子在岳父死后搬进岳父的豪宅里,生了10个小孩,但只有长子活到成年。 拉图尔在世期间可谓名利双收,在他的年代非常成功,但死后却 很快被人遗忘,开始默默无闻。直到二十世纪。现在他被认为是十七世纪最重要的法国画家之一,被人们尊称为“烛光画家”,他是极为特别的,极为个性的画家。 他坚守着自己的绘画理念,在烛光的方寸之间描绘着自己的天地。造型简洁、背景井然、用色素雅而明亮、极富表现力……他的大部分画作都在刻画夜晚的场景,采 用单独的蜡烛或火炬作光源产生阴影,营造出强烈的对比。从而形成了自己单纯简洁,一目了然的绘画风格。避免了许多作品中烦琐的背景描绘,融会,这其实也是 一种非凡的本领,更是画家于简单中见真知的卓越洞察力的体现。他不仅用独特的手法刻画夜间,而且在他刻画白天的绘画上,又可以看出使用了非常精湛的用色技 巧。但目前有一部分人认为他的一部分画作可能并非出自他的手笔。
   拉图尔生活在战乱的年代,故乡饱受战争摧残,因此生平鲜为人知。他的作品含蓄、静谧、无论是探讨生死或是宗教画的主题,都带着一股神秘感。然而在那个世 纪中叶,巴黎的艺术鉴赏品味发生了变化。凡尔赛式的宫廷风格开始吃香,拉图尔生动的古典含蓄风格不再时髦,因而逐渐被人们遗忘。一直到20世纪,才有人又 提起他。
   拉图尔的一些作品长期被认为出自勒南兄弟、D.委拉斯贵支、de苏瓦尔兰之手,20世纪30年代在尼科尔和H.沃斯的努力下才恢复历史本来面目。他画世 俗题材,也画宗教题材,都富有日常生活特色,即使圣经传说中的人物,描绘得也像当地农民,形象质朴,端庄自然,绝无宗教神秘气氛。拉图尔一生的作品都在描 绘神秘的明暗,画面出现烛光、油灯或者不可知的发光光源,对象的受光部位明亮,背景深褐,明暗对比强烈,流露出一股神秘动人的气氛。画面构图严谨,具有雕 刻般的充实感;他对画中人物的内心世界细腻表达,体现了他敏锐的观察力。在控制色彩明度上,他成熟运用燃烧着蜡烛的夜光表现,以极端写实手法描绘光与影的 变化;他风格独特,整个画面给人以深刻的感觉。令人想起15世纪的艺术(卡拉瓦乔对他在光的处理法有决定性影响)。
    虽然拉图尔创作的题材主要是宗教画和风俗画,但两者往往又彼此糅合,作品中无论是人物还是周围的环境都极其朴素、真实,富有日常生活的特色。他的宗教题材 也没有神秘气氛,笔下的圣母和圣经传说中的人物,有如形象质朴的农民,有一种端庄自然的美。他擅长描绘光线与阴影,画作特色在于利用烛光来创造独特的效果,人物在烛光下忽隐忽现,光线的变幻细微精致,气氛平和的情境,充分显示其艺术特色。

2018-06-18 08:00
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木匠圣约瑟  拉图尔 法国 1632年 画布油画 137×101厘米

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      从17世纪中叶起,反宗教改革的人特别崇拜约瑟,把这位耶稣的世俗养父的地位排在仅次于圣母玛丽亚之后,拉图尔把圣约瑟画成身材魁武伟岸,可说是非常确切。他弯着腰,大手紧握着工具,肌肉突起,汗珠在手臂和额头上闪着光,显示他正在努力地工作着。年幼的耶稣头上没有神所特有的光环或其他任何外表装饰物,他举着一支蜡烛,这支蜡烛是画面上惟一的光源,就像耶稣是世界上惟一的神灵之光的光源一样。耶稣幼嫩细腻的肢体白里透红,就像一股从体内向外自然放射的光芒一样,拉图尔只有在画神的时候,才会使用这种技法。木匠正在加工的那块木头,在这里象征十字架。

2018-06-17 18:58
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      17世纪的画家对光线似乎有特别的兴趣,从卡拉瓦乔开始,无论是委拉斯贵支还是伦勃朗,他们都在努力从光与影的对比中寻找某种打动人心的东西。不过,在他们的同代人当中,有一位法国画家的探索仍然显得卓尔不群,那就是善于运用烛光的乔治?德?拉?图尔(Georges De La Tour,1593年—1652年)。
       有关拉?图尔的记载,今天已经很少看到,了解他的生平甚至比鉴定哪些作品是他的真迹更为困难。1915年,美术史家和专业研究者已经将他的作品确定下来,至于他这种简洁而独特的画风究竟是怎样形成的,唯一有帮助的线索就是,他在年轻的时候曾经到过意大利游历,可能在那里受到了卡拉瓦乔及其追随者的影响。不过,换一个角度说,拉?图尔倒是与另一位画家有更多相似点,那就是荷兰画家维米尔。虽然拉?图尔比维米尔年长一辈,但他们都以沉着静谧的画风著称于世,而名声在画家去世后又被很快遗忘,他们流传下来的作品非常稀少,都不超过40张,并且归属混乱,掺杂着很多赝品。进入20世纪后,二人又几乎同时被现代艺术家从尘封的历史中发现,进入最杰出的大师之列。他们俩也都是潜心于光线研究的画家,只不过维米尔着迷的是弥散的日光,而拉图尔更钟情于颤动的烛光,因此也有人将他称为“烛光画家”。



     对于拉?图尔而言,忏悔的抹大拉似乎是一个非常重要的主题。在他一生为数不多的作品中,表现同一题材的至少有4张,处理方法也颇为相似,都是黑暗的背景,然后将抹大拉与骷髅头笼罩在烛光里。这一方面确实富于宗教内省的意味,但另一方面或许也与画家对绘画形式的探索有关。在微弱的光线下,正常的视觉只能注意到明与暗两大部分,一切不必要的表面细节都被隐去,只剩下剪影一样高度概括的形体和轮廓。拉?图尔可能是最早利用简化的几何形去塑造永恒感的画家,他的作品像纪念碑一样肃穆、沉静,正如他内心对神的信仰。也就是出于这个原因,才使得拉?图尔在他那个年代显得格外与众不同,尤其是比较一下鲁本斯那样惊心动魄的激情,或者委拉斯贵支那样惟妙惟肖的刻画,观众就会更深地体会到,拉?图尔的作品如此单纯而简洁,同时又如此切入主题。
     让我们再来欣赏几幅拉图尔烛光下的抹大拉作品。





本帖最后由 情枭的黎明 于 2018-6-17 17:00 编辑
2018-06-17 16:58
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油灯前的抹大拉  拉图尔 法国 布面油画 1640年 128x94cm

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      画面中,抹大拉身穿白色上衣和红裙子坐在油灯前,左手托腮,右手轻抚膝上的颅骨,陷入了沉思。油灯的光线映照着她凝思的面孔与丰满的胸部,也照亮了桌上摆放的厚厚的《圣经》、十字架和反省鞭挞自己使用的鞭子。她的双腿在光影下也隐约可见。画面凭着烛光的描绘,渲染出一种真实自然而又充满肃穆感的气氛,弥漫着淡淡的阴郁与寂寞。这种“夜间画”后来逐渐遭到了冷落,但拉图尔的这幅作品却一直视为佳作而广泛流传。
     乔治·德·拉图尔(La Tour,Georges de,1593—1652),17世纪美术史上一位擅长描绘光线与阴影的大师。他的绘画作品充满神秘,曾赢得法王路易十三钟爱。在他逝世后,曾被世界遗忘长达三个世纪之久,直到20世纪初才被发掘出来。拉图尔的作品构图严谨,以极端写实手法描绘光与影的变化,画风受到卡拉瓦乔的影响,但却又能有其个人的独特风格,拉图尔以年老乐师为题的一系列画作以及晚期杰作如《油灯前的马格达丽娜》、《伊琳为圣赛巴斯蒂安疗伤》等系列,更成熟掌握燃烧着蜡烛的夜光表现,流露出一股神秘动人的气氛,整个画面深具一种崇高的精神性。

2018-06-17 07:56
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夕阳照射在卢浮宫的名作上,这一幕很美.....

2018-06-16 20:10
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更正一下之前的自画像标识有误,抱歉!

《德·圣·农神父像》Jean - Honore Fragonard ,让 - 奥诺雷·弗拉贡纳尔 ,1732 - 1806年。

  弗拉贡纳尔的表现技巧具有多样性,既可精微细腻刻画对象,又可粗犷写意式的造型,能收亦能放。在这幅肖像中有一种不同于他在那些娇艳的风俗画上表现出的细腻造型手法,自由发挥了他的潇洒奔放的大笔触,响亮的色彩对比,在油画语言上构成了特有的充满流动激情的趣味。他的这种表现手法,被称之为传奇式的“法普雷斯托” (意即快速绘制的意思,与古典缓慢的绘画方法相对) ,这种快速画法与威尼斯画法是一致的。

2018-06-16 07:26
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自画像  弗拉戈纳尔

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        让·奥诺雷·弗拉戈纳尔(Jean Honore Fragonard,1732-1806),法国洛可可风格画家。出生在法国南部的格拉塞一个商人家庭,6岁时随父亲移居巴黎,15岁进一位律师家当学徒,但他无意于当律师而入夏尔丹画室学画,而这位浮躁青年对夏尔丹的平静与朴实绘画题材不感兴趣,夏尔丹也觉得这个学生整天在巴黎闹市厮混,没什么出息,是不可救药的浪子。既然这样他就离开了夏尔丹画室,这时只有16岁。他发现布歇那粉艳诱人的作品时就投到布歇门下,修业4年,20岁自立门户,所以弗拉贡纳尔是布歇的学生和继承人,他在24岁时获得皇家奖学金赴罗马法兰西学院深造两年,尔后游历考察意大利艺术史迹,仔细地研究过提埃波罗等大师的成就,29岁返回巴黎,不久即被选为皇家美术学院院士。在弗拉贡纳尔的艺术中不仅受到布歇和意大利的艺术影响,还有来自北方的鲁本斯的色彩和伦勃朗的明暗法,这使他能立足于广博的艺术精华基础之上,最后形成自己独特的艺术风格 。

2018-06-15 19:22
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《门闩》 (Le Verrou)布面油画 1777年 73x93cm

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      它描绘了男女在闺房中爱欲纠缠的情景。画家将人物放置在画布的有三分之一处,并打上强光。年轻的男子一手拦腰抱住头晕目眩的女子,一手拉上门上的插销,他为什么要将门闩上?画中的某些细节也代表了情色象征:被撞倒的椅子(空中的打开的双腿),花瓶和玫瑰(隐喻女性生殖器),螺栓(男性生殖器)。特别是床,细看两个枕头的形状,仿佛女性的乳房;蓬松的床褥在结合拖沓的红布,不经意间勾勒了一个裸体平躺,双腿叉开的女性曲线。
       在这幅画中,贞洁与放荡,圣洁与罪恶共存,导致人们无法断定:这究竟是一场情欲游戏,还是一次意想不到的强暴场景?18世纪中期,以小克里布扬(Crébillon Fils)为首的情色文学家们不止一次在作品中呈现情欲中的暴力美学。他们认为,暴力是感官情欲不可分的一部分,男性的强力和女性的柔弱为性爱增添了情趣和道德感。有研究人认为,《门闩》对应了小克里布扬的情色小说《夜晚与时刻》中的情节。在小说中,女主人公在就寝之时,却意外的发现身着睡衣的男子躲在卧室中企图引诱她,引诱不成便施以暴力,而受害者却无力防抗。
      让·奥诺雷·弗拉戈纳尔(Jean Honore Fragonard,1732—1806),法国洛可可风格画家,其代表作品有《秋千》《读书女孩》《闩》《狄德罗》等。出生在法国南部的格拉塞一个商人家庭,6岁时随父亲移居巴黎,15岁进一位律师家当学徒,但他无意于当律师而入夏尔丹画室学画,而这位浮躁青年对夏尔丹的平静与朴实绘画题材不感兴趣,夏尔丹也觉得这个学生整天在巴黎闹市厮混,没什么出息,是不可救药的浪子。既然这样他就离开了夏尔丹画室,这时只有16岁。他发现布歇那粉艳诱人的作品时就投到布歇门下,修业4年,20岁自立门户,所以弗拉贡纳尔是布歇的学生和继承人,他在24岁时获得皇家奖学金赴罗马法兰西学院深造两年,尔后游历考察意大利艺术史迹,仔细地研究过提埃波罗等大师的成就,29岁返回巴黎,不久即被选为皇家美术学院院士。在弗拉贡纳尔的艺术中不仅受到布歇和意大利的艺术影响,还有来自北方的鲁本斯的色彩和伦勃朗的明暗法,这使他能立足于广博的艺术精华基础之上,最后形成自己独特的艺术风格 。 本帖最后由 情枭的黎明 于 2018-6-15 07:51 编辑

2018-06-15 07:48
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蓬巴杜夫人  布歇 法国 1756年 布面油画 100x80cm  

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       这是布歇画过的最出彩的蓬巴杜夫人的肖像,画中人物高贵、典雅、妩媚,纤细优美的身体着瑰丽华贵服饰,娇嫩光泽的面部,双眼神情发着光芒,她侧身静坐于画面,在高贵华丽环境衬托下发出夺目光辉。布歇在这幅肖像中使用蓝绿色调,表现了贵族夫人的高雅,运用极细腻的笔法精微刻画衣着配饰的质量感,浮华的饰物被画得有触摸真实感。
      蓬巴杜夫人(Madame de Pompadour 1721-1764),又译蓬帕杜尔夫人,被称为路易王朝第一美人,路易十五的著名情妇、社交名媛,也是一个争议性的历史人物。蓬帕杜夫人的美貌和情感上的天分让她登上了历史舞台,她对当时艺术的影响力也在历史上留下了浓墨重彩一笔。蓬帕杜尔夫人1721年生于一个普通的中产阶级家庭,她九岁时,一个著名的女巫曾预言她会成为国王的情妇。蓬帕杜夫人长大后,嫁给了埃蒂奥斯,通过这次婚姻她获得了离皇家牧场很近的一处物业,并且得以进入上流社会的沙龙,在这里认识了伏尔泰,伏尔泰称赞她“有一个缜密细腻的大脑和一颗充满正义的心灵”。当时的路易十五二十岁左右,是一个风度翩翩的白马王子,是无数女子的梦中情人。但他在十五岁时就娶了比他大七岁的波兰公主玛丽·莱津斯卡,而且非常相爱。但蓬帕杜夫人的妈妈仍然鼓励她的宝贝女儿不要放弃灰姑娘的梦想。由于夺目的美貌,蓬帕杜尔夫人作为“巴黎最美丽的女人”的美誉在宫廷里渐渐传开了。在王室打猎的时候,她会在打猎会路过的森林里出现。在森林里,她穿着美丽的衣服坐在美丽的马车上,引起了路易十五的注意 。就这样,她顺利的成为了国王的情妇,受封为蓬帕杜尔侯爵夫人,她和自己的丈夫离婚。蓬帕杜尔夫人对美丽事物和色彩搭配的天然敏感使她成为时尚的引领者。在成为路易十五情妇—-实际上法国皇后的20年时间里,她成了洛可可风尚的主导者和推动者,将精致,柔美、浮华、浪漫的洛可可艺术风吹遍了欧洲。她结交了无数的艺术家,她资助的华托和布歇都是洛可可风格的代表性画家,她让这些艺术家给自己画肖像,把她画得年轻美好,充满魅力,以此不断维系国王对自己的兴趣。比如,洛可可的代表画家弗朗索瓦?布歇(Francois Boucher,1703—1770),他的审美情趣就很受蓬帕杜尔夫人的赏识,布歇后来成为她的绘画教师,为其画过多幅肖像作品。但布歇的这种甜腻的画风所代表的皇室贵族纨绔生活趣味也招致了不少人的批评。布歇同时代的启蒙思想家、文艺批评家狄德罗就曾极其尖锐地抨击布歇的艺术,他将布歇看成是腐朽的路易十五王朝的宠儿,并且认为他的艺术对社会产生了消极的影响。狄德罗说:“布歇所表现的优美雅致、风流倜傥、诱人的媚态和高雅的趣味,用浓妆艳抹的肉体,还有荒淫放荡的行为俘虏了那些纨绔子弟、风流女人、青少年、上层社会人士以及那伙对真正高雅的趣味、真实感、正确的思想和艺术的严肃性一窍不通的人。”蓬帕杜尔夫人本人和她所倡导的艺术一直都是有争议的,洛可可艺术风格在1860年后也开始走向衰落,一些批评家抨击它没有品味、轻浮,象征着一种腐朽的社会。蓬帕杜尔夫人虽然一生享尽繁华,但却体质虚弱,1764年4月15日她因肺结核病病逝,终年四十二岁。有人说是过度支取的生活方式耗尽了她的生命。

2018-06-14 19:18
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2018-06-13 18:49
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伏尔甘向维纳斯展示给埃涅阿斯的武器 布歇 法国 1757年 布面油画 320x320cm

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      这幅画是画家布歇作品中值得品味的一幅画。从画家布歇的知识角度看,此画应是有意而做。维纳斯在画家笔下是超时代的性解放人物,她不仅与众神明交暗勾,而且也到凡间撒播春情,她与特洛伊国王的儿子安喀塞斯相遇成双,生下了儿子埃涅阿斯。她知道这是违犯天条的就叮嘱安喀塞斯严守秘密,否则后果不堪设想,可是安喀塞斯实在忍不住这种虚荣,最终还是向人夸耀起来,主神宙斯震怒,一道闪电击瞎了他的双眼。维纳斯与安喀塞斯交欢,在伊得山生下埃涅阿斯,不能带走,只得交于山中女神扶养成人,特洛伊战争开始后,由于阿喀琉斯袭扰了埃涅阿斯的羊群,他便参加了抗击希腊人的战斗,作者在画中表现了维纳斯的丈夫火神伏尔甘为埃涅阿斯打制兵器后给维纳斯看。可以猜想伏尔甘知不知道这些事呢?那他还愿意打造兵器给维纳斯看。可能也在暗示他对于“偷情”和性解放的维纳斯的宽容。

2018-06-12 20:47
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2018-06-12 07:09
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劫掠欧罗巴 布歇 布面油画 1747年

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     希腊神话:欧罗巴(Europa)是美丽的腓尼基(Phoenicia)公主,宙斯化作一头白牛,把欧罗巴劫掠到克里特岛,后来欧洲的名字就以这位公主的名字命名。画里描绘的就是宙斯变成白色公牛,劫夺欧罗巴之后在大海里遨游的情景。照常理来看,画面的主角应该是宙斯与欧罗巴,但出自布歇笔下的这副欧罗巴被劫夺的情景,主角确很明显的只是欧罗巴一个人,伪装成公牛的宙斯确只被安排在画面的下方。这当然和此画作者布歇一个众所皆知的特点有着密切的关联,那就是布歇一直热衷于对优美雅致、光彩照人的女性的描绘。

2018-06-11 22:41
情枭的黎明
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xiaochao8174 发表于 2018-6-11 14:28
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        在布歇62岁时,他的声望日隆直至巅峰,当上了美术院院长、皇家首席画师。布歇在西方美术史上是位有争议的画家,他同时代的启蒙思想家、文艺批评家狄德罗曾极其尖锐地抨击布歇的艺术,他说:“对这个人我不知道说什么才好,他的作品中趣味、色彩、构图、人物性格、表现力和线描的堕落紧紧伴随着他人品的堕落。你要这位艺术家在画布上表现什么呢?表现他的想象?可是一个成天与最低等的妓女厮混的人又能想象出什么东西来呢? 他笔下的牧羊女的韵致是法瓦尔太太在《萝丝与科拉》中的韵致;他的女神的韵致是从黛桑(均是法国名妓、舞女)那里借来的。”
       狄德罗的批评十分尖刻,因为他是站在新兴资产阶级启蒙思想的高度,将布歇看成是腐朽的路易十五王朝的宠儿,并且认为他的艺术对社会产生了消极的影响。狄德罗说得很清楚:“布歇所表现的优美雅致、风流倜傥、诱人的媚态和高雅的趣味,它的才华,它的丰姿,照人的光彩,浓妆艳抹的肉体,还有荒淫放荡的行为俘虏了那些纨绔子弟、风流女人、青少年、上层社会人士以及那伙对真正高雅的趣味、真实感、正确的思想和艺术的严肃性一窍不通的人。”狄德罗的过激评论是基于对当时封建贵族的腐朽生活和艺术的深恶痛绝,但我们应公正地评价布歇的艺术。
       俄国普列汉诺夫说:“优雅的性感就是他的缪斯,它渗透了布歇的一切作品。”法国绘画史对他的评价是:“人们对布歇的作品不屑一顾,这可能是因为在他之前有华托,在他之后有弗拉戈纳尔,并且显然他没有前者的深刻,又没有后者的才智和强烈的欢乐气息。可是,他是这条链子上承上启下的、必不可少的一环。他作为色彩家和表现光的画家,位于最伟大的大师之列”。



同时也来对比欣赏布歇1752年创作的另一幅“奥莫尔菲小姐”,这幅画是布歇深入模特闺房绘制的,画中裸女丰润艳丽而富有弹性的肌肤被描绘如真,让人如痴如醉,被揉皱形成繁杂褶纹的环境与光滑细腻且单纯的人体形成对比衬托,人体的血肉色彩变化精妙,极富理想美和感官刺激。

2018-06-11 18:56
xiaochao8174
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情枭的黎明 发表于 2017-4-30 21:55
本专辑为继伦敦大英博物馆、纽约大都会博物馆后的世界博物馆巡礼的第三集。

     4月末的巴黎之春,我花了短短一整天的时间快速探索了卢浮宫和奥赛美术馆这两座世界著名博物馆,因为时间有限,只集中看了两馆的绘画部分(多年前曾草草看过卢浮宫的两河流域、古埃及和希腊部分展品),即便如此,因卢浮宫北欧文艺复兴时期和早期法国的绘画展室维修关闭,扬凡艾克、范德韦登、博斯、勃鲁盖尔等大师的杰作均无缘目睹,而恰逢其会的汇聚众多珍品的维米尔卢浮宫特展因排队人太多也没有观看,奥赛方面库尔贝、米勒、布格罗等众多名家作品也失之交臂,仅粗略看了印象派和后印象派的部分精品。
     不过好在没有遗漏还是大多数,卢浮宫加上奥赛,一个15世纪到19世纪的欧洲绘画史基本架构和主要画家体系大致建立起来了。(蓬皮杜?我对现代派还不能完全接受,也就没有关注)
      当你欣喜地站在德农馆一字排开的达芬奇5幅名作陈列面前,那种感觉难以言传。
      因为最近越来越懒,不但拍的越来越少,单反相机也几乎尘封箱底,因此本次全程手机拍照,虽然画质不佳,但好歹可以看小图建立印象,高清大图来自网络资源,至于色彩之间的微妙差别,很难说孰优孰劣,唯有到现场亲眼目睹才是王道,。
       这 ...

2018-06-11 14:28
情枭的黎明
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宫女奥莫尔菲 布歇 布面油画 1751年 53×64厘米

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       画家布歇画作挑逗诱惑,当然也事出有因。这位黑发的女仆名叫奥莫尔菲。画主就是法王路易十五。到底是路易十五众多的皮条客侍臣要作者画了莫菲,或者画家布歇本人就是一个皮条客,画了奥莫尔菲孝敬国王。年份久远已不可考究,反正国王果真看中了奥莫尔菲,让她做了“后宫”里的一个“妹斗”。描绘闺房隐秘环境里的裸女是布歇的天才,他以高超的造型技巧和色彩表现力塑造有血有肉的人体,极富理想美和感官刺激。画中裸女丰润艳丽而富有弹性的肌肤被描绘如真,被揉皱形成繁杂褶纹的环境与光滑细腻且单纯的人体形成对比衬托,人体的血肉色彩变化精妙,布歇不愧是位色彩大师。这裸体有种有肉无骨酥软感,而这恰恰是洛可可风格女人的特点,贵族欣赏的就是这类娇柔的女人,她那圆圆的小脸蛋,小鼻子,小嘴还有那小手,小脚再加上小耳环、小发绺,总之一切的一切都在突出一种小巧玲珑妩媚可爱的女性形象,“小的就是美的”可以说是布歇信奉的法则,在用曲线刻画人体时他也没忘这一点,他与乔尔乔内等古典大师流畅曲线不同,他时常有意借助衬布衣衫等来掩没阻断人体的曲线,使它们变成一条条细小的曲线,让绘画的格局留在他追求的理想中,他的画是动人的,但这是一种近似盆景的带有人工气息的动人。

2018-06-11 06:25
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      布歇之在法国宫廷的荣宠,完全得益于凡尔赛宫内一位显赫的侯爵夫人,她的原名叫让娜·安托瓦内特·普瓦松,后来成为可以左右法国沙龙的蓬巴杜夫人(1721~1764)。年轻的布歇当年随师傅进凡尔赛宫作天顶画时,是以其心灵手巧的年轻画师的身份出现的。自从意大利归来后,他变得目空一切了:"米开朗基罗奇形怪状,拉斐尔死死板板,卡拉瓦乔则漆黑一团。"进得宫后,他发现王公贵戚们不喜欢颂扬基督的宗教题材,专对希腊罗马神话中爱情故事有胃口。于是他竭力去迎合他们,不厌其烦地用他的画笔描绘色彩浓艳的"马尔斯与维纳斯调情"、"赫拉克勒斯与伊俄勒拥抱",以及女神出浴、化妆之类的题材。这种裸着身体,谈情说爱的生活形象,被画得非常细致, 结构匀称,造型正确。这一幅《浴后的狄安娜》就是此类题材中最具代表性的、也是他成熟期最早的杰作之一。说它是杰作,不可否认,画家的人体油画技法确是法国绘画的骄傲。
       狄安娜即是希腊神话中的阿耳忒弥斯,她是月神和狩猎女神,是宙斯与勒托的女儿,阿波罗的孪生姐妹。画上坐着的两个裸女形象中,右边一个即狄安娜,在她前额缀有月亮的饰物。由于她还掌管狩猎,画上绘有弓箭与一些猎获物。神话中说,狄安娜是以贞洁著称的,但很残忍,猎人阿克特翁因偷看她洗浴而被她罚变成一头鹿,被他自己的狗撕成碎块。为了点明她的美艳而又残忍的性格,在画的左角又添画了两头猎狗。不过,这一切在画面上只是个题材的借口,画家的目的在于描绘宫中美丽的裸体女性。据说这两个裸体模特儿是为布歇画室所专用的(即缪菲姐妹),画家经过理想化加工,但就造型与色彩表现来看,可称是上乘之作,只是画得过于娇艳了些。无怪有的评论家讽刺地指出,这种裸体女人不过是刚从缎子枕衾里爬出来的娇滴滴的贵族女性的化身,那只纤细的手上还拿着珍珠项链,哪里有充满诗意的神话味呢! 法国作家龚古尔对这位画家的艺术挖苦得更厉害,他说:"布歇是用猥亵的暗示与刺激,来减轻路易十五的伤感。"

2018-06-10 22:25
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浴后的狄安娜 布歇 法国 1742年 布面油画 56x73cm 1852年

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      狄安娜是希腊古神话中的月亮和狩猎女神。布歇以其娴熟的艺术技巧和善于描绘脂粉气很浓的审美趣味,使这幅画成为他最优秀的代表作,从而赢得了宫廷贵族的欢心。画上描绘着狄安娜刚刚狩猎归来,洗浴完毕做在山坡上,草地上放着箭壶和狩来的猎物,猎狗在饮水(左下),俯在地上的侍女和她的目光都集中在她翘起的右腿和足尖。似在查询什么,女性的肉体被明丽的色彩和精致的笔触作了细腻的描绘。从而把神话中的女神纳入了世俗的审美享受中。大百科全书派的思想家狄德罗指责布歇这类作品是对贵族低劣趣味的迎合,最多不过是“艳丽无比的木偶”。
      弗朗索瓦·布歇(Frangois Boucher 1703-1770年),洛可可绘画的代表者,十八世纪法国深得当时统治者赏识的画家,32岁就当选为皇家美术学院院士,以后又荣获法国皇帝路易十五首席画师的称号。晚年升为皇家美术学院院长。布歇的这种社会地位和他所处的上层社会,决定了他的艺术主要是迎合当时上流社会的需要。《浴后的狄安娜》就是这一类作品的代表。它假借罗马神话中狩猎女神狄安娜的名义,描绘了上层社会所喜欢的裸女。

2018-06-10 18:07
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华托的世界是一种极人为的世界,除了爱的场景,他就画那些来自戏剧的主题。在轻浮的底下往往默默流淌着一种忧郁的情感,似乎无时无刻都在提醒人们,一切感官的愉悦均是短暂的。这往往可以为他的作品增加一种特殊的诗的意味。

最后让我们来欣赏一组卢浮宫收藏的华托画作。

琴声中的思念


欲拒还迎


沐浴中的一瞥


这就是华托,这就是洛可可。
2018-06-10 15:49
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爱之园 华托 法国 布面油画 1716年 32×46厘米

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     在《爱之园》的作品里,可以看到在寻欢作乐的人群里,总有一两个孤独者。他们闷闷不乐地徘徊着,在欢乐的调子里加入了一丝淡淡的哀愁。华托在画中对这些贵族的没落命运感到不可挽救,于是他在一旁发出了叹息,为上流社会的必然崩溃唱出了挽歌。



    1709年,华托将一幅画送去参加评选罗马大奖(Prixde Rome),获得亚军,从此他逐渐走向事业的顶峰,开始接受艺术经纪人的订件。后来华托又因创造了节日享宴的画风(Fates  Galantes)而获准进入学院[《舟发苔西岛》(The Pilgrimage to the Island of Cythera,1717)就是华托送给学院作为人院资格的依据]。华托在1712年后,画艺趋于成熟,开始创作反映上流社会生活的作品,华托画自己想像中的那些摆脱了苦难和生活琐事的形象,画那些梦境般的美好生活——在从来不下雨的神话花园里快乐地野餐,那是淑女个个美丽、情郎个个优雅的音乐集会。在那样一个社会里,人人都穿着光彩闪烁的绫罗绸缎,然而却不显得浮华。这一时期华托的艺术已经开始反映18世纪初期法国贵族的趣味,一种喜欢优美色彩和精巧装饰的风尚代替了巴洛克时期较为刚健的趣味。

      华托作品中少不了女子的神秘背景,并带有一种淡淡的忧伤。
      也许,华托生命中有一位魂牵梦绕却又不可触碰的女神.....
      这是卢浮宫珍藏的另一幅华托此风格的画作。

2018-06-10 12:43
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帕里斯的裁判 华托 法国 布面油画 1720年 31x47cm

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     关于帕里斯的裁判这个题材在历史上曾经有很多著名的画家所画过,比如克拉纳赫,鲁本斯,克林格,华多等。这件作品是华托所绘,是华托晚年的作品,作品取材于古代希腊罗马神话传说,画面选取的是帕里斯将金苹果判给爱神阿芙洛蒂德时的情景。画面上阿芙洛蒂德好像刚沐浴完毕,正走向帕里斯,这个形象画得很真实,笔触绵密,色彩变化丰富。而帕里斯则处在较模糊的背景外,画家华托仅用粗放的笔调描绘他伸手递金苹果的动态,画面上还画有执盾牌的雅典娜和小爱神丘比特,这些人物好像都被阿芙洛蒂德的美所吸引,每个人的眼神明显地传达出不同的表情,这幅画以丰富的想象力、活泼地笔触和华丽的色彩,将这一神话传说处理成变化丰富的戏剧情节,是一幅非常优秀的作品。



     事实上,华托非常冷静地犯下了一宗滔天罪行。他画笔下那些无所事事、悠闲自得、毫无价值的女人是对宗教的一种侮辱。华托的渎神行为意义深远,触及到原罪本身。《帕里斯的裁判》这幅登峰造极的作品具有一种发人深省的作用,所有人都可以在其中找到自己的原初和终点,它蕴含着乱伦与挑战,是所有画作、文明、“学说”的象征,这幅画颠覆了原始的场景(故事里夏娃唆使亚当食用毒蛇引荐的果实)。怎样才能重返天堂?很简单。把苹果献给那位最美的女神,她会让您得到所有想要的东西,哪怕是通过掠取。帕里斯,或者说华托选择了阿弗洛狄忒。他知道这会引起赫拉和雅典娜的盛怒,但他依旧这么做了。阿弗洛狄忒,或是您心中任何一个女人,她背过身去,人们如饥似渴地欣赏着她的颈背、肩膀、腰身、臀部。华托就是厄洛斯。为了昭示一切,赤裸的阿弗洛狄忒举起一块纱布盖在头上,她的身子裸露在光天化日之下,“嘘”,上方的女人示意道。这只象征争执的著名苹果,在墨丘利的保护之下屈从于性欲的力量。在这幅画的右侧,盾牌后的雅典娜呈现出惊愕之情。接下来发生的事情众人皆知:帕里斯和海伦的私奔引发了特洛伊战争。这是所有战争的秘密,也是无休无止的谋杀、妒忌、毁灭、斗争的起因,一言以蔽之,死亡的史诗。原始的亚当之所以被投进身体的流放,这并非源于夏娃的一时糊涂,而是因为一个不愿否认原乐的男人已足以根据自己的意愿进行评判。这种审判是被禁止的。为了保持原状,只有选择自杀。但是华托不会这么做,因为自杀的代价太过昂贵。
2018-06-10 09:26
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        华托后期画的这幅《小丑吉尔》的作品,取材自他向来喜欢的即兴喜剧,但画面规模之大是这段时期才有的。这幅作品也有要人保持距离观看的意图,因此可能是为剧院或是商店画的招牌(画面中引人注目的人物只有一个,而从几乎是等身大的构图来看,可以这么推定)。画中人物是裴多洛利诺,称他小丑或是法国人说的“吉尔”(Gilles)较让人熟悉。他穿着全白的丝缎衣服,在华托的几幅作品中都出现过。华托把这个愚蠢的丑角逐渐改变成感受性强、甚至带点悲剧性的天真无邪人物。《意大利戏剧之爱》里弹吉他的小丑开朗泰然,完全融入周围的人群里,但在这幅画中,他却显得孤独而无所适从。华托的小丑是悲哀感受的另类表现方式,和伦敦的剧作家兼作曲家卡瓦德的歌曲《巴黎小丑》相合,获得19世纪浪漫派以降的作家支持,“悲哀的小丑”形象大为普及。
     《小丑吉尔》,现在更多地称它为《皮埃罗》,画里的他本是意大利即兴喜剧代表人物,用过长的袖子和过短的裤子使人捧腹。用仰角取景,刻画出他的疲惫和不堪重负。此时已是演出结束,我不必再用独特的表情惹人发笑,垂下的双手不知何处安放。场外的我,已经不是了小丑,却变成了谁呢?在舞台人生中是孤独小丑,在人生舞台上更比小丑孤独,孤独到连真正的自己都不知所如。 一身银白的服饰,一张精致的面孔,呼应着因被低低安排在下方的他的同伴而显出的孤独,更增添了画的韵味。画中藏在最下面的驴子的那只人性化的眼睛,则是画家自己的眼睛,这与乔治奥威尔的小说《动物庄园》一样,用看透一切的驴子自比。我的眼睛看尽了世间冷暖,世态炎凉,却没有一个人愿意听我多说一句话,只能看着舞台下面的人们为我上演的一出出戏,继续默不作声。
华托把自己的情感融在自己的画里面,就像对他的画下了诅咒一样,让看懂他心情的人也不得不中上爱情悲伤的生死符。 肖邦便是个中罹难者,他将《皮埃罗》悉心收藏,因为他也是情之切爱之深者。曾经对爱失去希望的肖邦,在遇见乔治桑之后开始了9年相恋,这段爱情是成熟的,开了花也结了果,也正是这9年因为有爱情的滋润,才有了瑰丽的作品层出不穷。也正是因为爱情的过于成熟,让他们彼此相爱,却又分开。因为思念,因为再不能相见,肖邦在此时也江郎才尽,尽的不只是才华,生命也苦苦支撑不过两年他便撒手人寰。
       正是《小丑吉尔》的这种魔力,让它的地位甚至撼动了《蒙娜丽莎》,被登在了卢浮宫旅游手册的首页上。

高清大图


同时对比欣赏华托的另一幅小丑题材的画作,人物形象更为众多

2018-06-10 06:57
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小丑 华托 法国 布面油画 1718年 185x150cm

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      这幅画是华托在他短暂的生命中的最光辉时期为后人留下的一幅令人难忘的作品。画中人物叫吉尔斯,他是哑剧中的一个丑角,在他身后的其他喜剧角色半藏在极低的位置,而丑角无论在心理上还是画面上都被孤立着。他头戴滑稽的帽子,面容稚嫩却努力保持着镇静,好像拼命压抑要哭出来的感觉,两只手臂无力的下垂着,身着松松垮垮不合体的衣服,显现出孩子般的纯真和无辜。这个为人带来无数笑声的丑角在画家笔下变成了带有悲剧色彩的人物,是真实而没经过艺术加工的。他站在那里无奈地接受着人们的注视,那若有若无的苦笑暗示出他曾经经历的苦难。

2018-06-09 23:03
情枭的黎明
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黑巧思 发表于 2018-6-9 19:02
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       《朝圣西苔岛》是华托的代表作之一。西苔岛,爱神维纳斯的诞生之岛,恋人之岛。最右侧的树荫掩映之中,是她的塑像。这座雕像的眼神慈悲而怜惜,她望着画面中的八对恋人,这些恋人在维纳斯雕像面前海誓山盟,决意再不分开,他们在唱歌、跳舞、调情,然而此刻他们只能依依不舍地离开恋人之岛。维纳斯看着他们,似乎他们的爱情也将像她身上的花一样,不久就会凋谢。
       爱情再未被表现得这样易于理解,这样一目了然:离开维纳斯和这片绿荫,他们的幸福就会陷入全然危险的境地。这一点无须华托赘述。恋人们正沉浸在心满意足之中,但同时也在悲伤地缓缓离去——爱情的快乐,转瞬即逝。
       在华托美丽的景象之中,有一丝伤感难以描述,难以说明,却把华托的艺术境界提高到了超出单纯技术和漂亮的范围。跟他所赞赏的鲁本斯一样,华托能够仅仅用一点白垩或色彩就传达出有生命的、颤动着的肌肤感。



       华托是个病人,37岁就因肺病在巴黎故去,可能就是因为他意识到美的稍纵即逝,才使他的艺术表现出那样强烈的感情,这一点他的爱好者和模仿者谁也不能与之匹敌。
        华托出生在比利时,但是定居在巴黎,他也为贵族的城堡设计内部装饰品,为上流社会的节庆和盛会设置合适的环境。但是实际生活中的喜庆活动仿佛没有使这位艺术家的想象力得到满足。他开始画自己想象中摆脱了苦难和琐事的生活景象,那是一种梦境般的美好生活,在那样一个社会里,人人都穿着光彩闪烁的绫罗绸缎,然而却不显得浮华,男女牧民的生活好像是一连串的小步舞。华托的画,被视为“游乐画”(fates galantes)的典范作品。
      许多人认为让·安东尼·华托的艺术已经开始反映18世纪初期法国贵族的趣味即洛可可(Rococo)风格:那是一种喜欢优美的色彩和精巧的装饰时尚,表现出一种快乐的轻浮。但是华托是个更为伟大的艺术家,不可能就是他那个时代的时尚代表而已。可以说,他以他的美梦和理想助长了我们所谓的洛可可时尚形成。

    让我们在对比欣赏一幅华托构图类似的画作:oil

2018-06-09 20:33
黑巧思
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2018-06-09 19:02
情枭的黎明
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     西苔岛,是希腊神话中爱情与诗神游乐的美丽岛屿,传说中爱神维纳斯居住之地。华多尽情描绘贵族男女准备出发去那里访问的情景。既然那是个行乐的天地,画家就以蔚蓝色大海为背景,远望烟波浩渺,使人展开渴求这种环境的幻想翅膀。
     画中描写三姐妹各自带着自己的恋人准备乘船向西苔岛,寻求天堂胜景和永恒之爱的情景。画家把人物分成几组,近景处是三姐妹及恋人,他们成双成对准备随已经动身的情侣们同行。画家精心构思这一情节由最前面坐着的男女开始把观众的视线逐渐引向正在起身,起步缓行而后到违规而去的一队情侣,整幅画面形成了一个流动的时间曲线,造成活动的人物与安谧寂静的风景之间的对比。
这里的构图是一个充满诱惑的幻景,所绘的大自然也充满诗意。金色的霞光普照大地,这些贵族情侣在等待依次登上缀满鲜花的彩船,他们是那样迫不及待,有的早在相互搂抱,有的忙着挤上去。灿烂的阳光清楚地显现出这些醉生梦死的贵族男女的调情动作,尽管这些人物在整幅画上的比例较小。远处待发的船帆,更点醒了这幅画的主题。
     有一假说指这幅画的创意来自法国戏剧家弗洛朗·当古(Florent Dancourt)的音乐喜剧《三表亲》(1700年)。该剧中有一幕场景就是乡村的年轻人穿扮成朝圣者,去西苔岛的爱情神庙参拜。这幅画是华托为加入巴黎绘画与雕塑皇家学会所创作的入会作品,最终提交于1717年。作品的品质在当时很受赞誉,但1789年法国大革命爆发之后,此类作品就不再受推崇。据说,新古典主义画家雅克·路易·达维特与其学生甚至向此画扔过面包块。
     画面中间的女子正留恋地回眸凝望。她看起来不愿离开这座富于爱情魔力的小岛,因此忧伤地回望,她很显然意识到了爱情短暂易逝的本质。学者们有争论这些情侣到底是正要乘船去西苔岛,还是即将离开,但大部分倾向于后者。年轻人正成对离去,画面的缤纷秋色和将临的黄昏都在提示他们的出行已近尾声。
     西苔岛是伯罗奔尼撒的希腊基西拉岛,与女神阿芙洛狄忒相关。根据传说,女神出生于海面上的水波浮沫之间,寄身于一只扇贝壳中,漂浮到这座岛屿边登陆。因此这幅画的标题等同于“朝圣爱之岛”。这座雕像无疑指向阿芙洛狄忒,雕像的装饰物也是这位爱与美女神的特色属性:玫瑰花环以及她儿子厄洛斯(罗马神话中的丘比特)装爱情之箭的箭鞘。
     这幅画是对爱情中各阶段的论述随笔。有些情侣显得还很羞涩,还有的则已对爱情满怀把握和信心。恋情最成熟的那对情侣离阿芙洛狄忒雕像最近。两人沉醉于爱河,都没有注意到同伴正在离开;画家甚至设计了一个戏服打扮的胖胖的小天使,他正拉扯着女子的裙边。
     华托将情侣们描绘为追寻爱情的朝圣者。画中很多男士持有拐杖、戴着简便的宽边帽,这两样道具都指向朝圣之旅。一对对情侣都陶醉于各自恋人的陪同,这些朝圣者搀扶着自己的女伴准备登船。
     华托这幅画创作完毕后,交皇家绘画雕刻学院,皇家学院授予他会员的荣誉。这幅真实地反映了当时宫廷贵族的生活趣味和心理要求,受到上流社会的赞誉,华托也因此博得"风流画家"的雅号。
     由于这一幅《舟发西苔岛》画得很成功,华托于1717年8月28日被法兰西艺术院接纳为院士,从此,声望日隆。求画的人使他应接不暇,生活也有了极大的改善,但他仍勤奋作画。大约在1716年初,他总算有了一幢西鲁瓦为他提供的单独小房,可以安心于自己的绘事了。
     华托的艺术年代,是法国从路易十四过渡到路易十五这一摄政时期的年代。这个时期由于法国对工商业与文化实行奖励政策,资本主义的经济发展较快;文学艺术也出现蓬勃与兴盛。名震欧洲的大剧作家如高乃依、拉辛、莫里哀、拉·封丹等,都是其时法国文坛的风云人物。他们崇尚古典主义,但不尚严格的理性规范。尤其在路易十五时代,艺术上有一种名为“洛可可风格”的时髦倾向,已渐渐取代了普桑时期流行的那种很讲究对称的巴洛克风格了。洛可可风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域,不论是绘画、雕塑,还是宫殿装饰,家具与服饰,无不以这种洛可可风格为好尚。这就是画家华多的时代背景。
      “洛可可”一词的涵义是“贝壳形”,它源于法语 rocaille,因属于路易十五时的艺术风格,故也称“路易十五式”。这种装饰风格的最大特征是:不论建筑内壁装饰,还是家具、画框以及用器等等上面的纹样花饰,都具有纤细、轻巧、华丽和繁缛的特性,弧线用C或S形,或者用漩涡形。在绘画上,力求色彩奢丽柔美,绘画的题材是爱情的追逐,为使形象尽可能浓艳、富有肉感,就采用人们最易接受的希腊罗马神话。这是18世纪法国宫廷封建贵族追求奢侈享乐生活的结果,是财富与权势结合的必然产物。就这种艺术倾向的渊源看,我们还必须以适当的笔墨来说明它与我国清代向欧洲出口瓷器与漆器工艺的直接关系。

2018-06-09 18:49
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舟发西苔岛 华托 法国 1717年 129×194厘米

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      西苔岛是希腊神话爱神维纳斯常住的爱情乐园,因此,这个岛就成为情侣的朝圣地。华托用其画笔将这个神圣的岛屿展现在观众面前:岛上树木繁茂,恋人们在树荫掩映的断臂维纳斯雕像前海誓山盟,之后他们就要登上彩船。大海上烟波浩渺,天空中云蒸霞蔚,小天使们在空中欢快地追逐翻飞。在这阳光灿烂、诗意般的画面上洋溢着醉生梦死、及时行乐的气氛。画面的左侧是停泊在岸边的精致的彩船,两位正准备开船的健壮男子与这艘彩船相呼应,他们等待着恋人们上船。在他们的右侧,长着翅膀的爱神丘比特快乐地在彩船旁嬉戏着,赋予画面装饰性与神话性。起伏的地势将右边的前景与左边的中景区分开来。在画面的右侧,一对恋人正沉浸在自己的世界中,年轻女子披着鲜亮的红色外衣,把玩着手中扇子,她的男伴亲昵地屈膝在她跟前,倾诉爱的私语。画面最高点上的一对年轻夫妻,就像流动的韵律中断的节奏,男子优雅地搂着妻子的纤腰,女子被身旁一对恋人的舞姿吸引,回首观看。坐着的、正欲起身的和走着的三对恋人暗示了时间的推移。这种理想情景变成了田园欢宴,而后逐渐成为西欧艺术中最受欢迎的主题之一。
      让·安东阿·华托(Jean Antoine Watteau,1684-1721) 法国杰出的洛可可画家。出身于一个烧瓦工人的家庭,早期曾受威尼斯画派和鲁本斯的艺术影响,作品多描绘富家男女的闲逸生活,画风抒情,画中人物带有忧郁之感,反映了贵族阶级精神上的空虚、无聊和彷徨。来到巴黎后,结交了一些上层社会的人士,逐渐把题材转向了描绘贵族男女寻欢作乐的生活中,这种转变是和当时法国的时代有关。

2018-06-09 07:20
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克劳德·洛兰(Claude Lorrain 1600-1682年)一生大部分时间也在意大利度过,克劳德·洛兰终生醉心于海景和意大利风景,克劳德·洛兰对罗马那些有古代遗迹的景色进行过大量的研究的描绘。普桑在风景画中追求哲理性,而洛兰却追求的是抒情的气氛。普桑作品中更多的是清晰、明朗和宁静,洛兰作品却常常显露出雾气迷蒙,光色炫目的效果。他的风景画是理想与梦幻的世界,是一种人为美化的景色,它唤起人们向往美好的情感。后来欧洲人常常以洛兰描绘的理想化风景为标准,寻找或布置洛兰式的风景园林。
    下面来集中欣赏一组卢浮宫所藏精彩绝伦的洛兰海景画!

Seaport at Sunset


Seaport, Effects of Fog


View of a harbor with the Capitol


Ulysses returns Chryseis to her father


    克劳德对于可信的现实丝毫不感兴趣;他的画就是一首田园诗,被构思如画般且令人心情愉快,远离一切建筑逻辑。在卢浮宫的克劳德绘画给人们展示了他著名的“金色光线”(golden glow)。作为西方绘画中一个技法上的奇迹,他是如何做到这一点的至今尚未被人所知。仔细观察画面可以发现画家苦心经营的一些小笔触。克劳德不是笔触的魔法师,从这种意义上说,他并不具备十七世纪三十年代的前五年许多他的意大利同代人或者甚至普桑所具有的那种随心所欲(freedom)。相反,克劳德将他的画面建立在精心绘制的涂层上面,钟爱于观察每一个细枝末节却又不失整体色调。
   克劳德·洛兰去世后,墓忠铭的记述形容他是:“小色描绘日出日落的杰出风景画家。”19 世纪英国。画家康斯太勃尔感叹道:“迄今洛兰仍被认为是目前最完美的风景画家,我想他当之无愧!”
2018-06-08 22:41
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克娄巴特拉女王登岸塔尔苏斯  1642年,克洛德·洛兰  119×148厘米,布面油画

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     这是洛兰极盛时期的作品。克娄巴特拉是埃及马其顿王朝末期著名的埃及女王。历史学家普卢塔克说她长得妩媚诱人,性格坚毅,说话的声音象'多弦的乐器'一样悦耳。关于她的政治生涯,是历史上常被戏剧与文学采用的题材。克娄巴特拉曾借罗马军队恢复了王位,利用其色相使凯撒为其重建马其顿王朝的领土,打败托勒密十三世的反对党,并与罗马联合掌政。凯撒被刺不久,罗马首领安东尼拟远征波斯,克娄巴特拉便使出浑身解数让安东尼就范。她听到安东尼要与她共商大事,便带着丰盛的礼物前往小亚细亚的塔尔苏斯(土耳其境)城。安东尼一见倾心,遂放弃进攻波斯的战争,跟她一起回到亚历山大里亚。这幅画上描绘的情景,即是克娄巴特拉登岸塔尔苏斯时的一刻。穿蓝衣的克娄巴特拉,在女官与侍臣们的护拥下走上安东尼的驻地,穿红色披风的安东尼急忙前来迎接。两人初次见面,目光急剧交递,显出惊喜的神情。不过,这些人物在风景画上的位置极小,画家是'项庄舞剑,意在沛公'。沐浴在落日余辉中的港湾,是那样富有诗意。晚霞照射在左角只现一个局部的帆船上,古罗马的建筑雄姿与海水的柔情又是那样合拍,令观者读后几乎陶醉了。这纯粹是一种理想化风景,它使欣赏者陷入一种怀旧的感情之中。
   克洛德·洛兰 Claude Lorrain(1600~1682)法国画家、古典主义风景画的奠基人。本名克洛德·热莱,由于出生在洛兰而被称为洛兰,1682年11月23日卒于意大利的罗马。他的家境贫寒,没有受过多少教育,从小放过羊,由于生活所迫还当过看马棚人,也作过洗碗工。约13岁时随一些厨师流浪到意大利,向一个名叫A.塔西的人学画。他在意大利悉心研究希腊罗马的艺术,对古典艺术产生了强烈的兴趣。1625年曾回故乡一次,1627年再次到意大利,此后,在罗马名声日振。他的风景画颇受上层社会的欢迎,向他订画的人包括教皇乌尔班八世、西班牙国王腓力四世等。
  克洛德·洛兰的风景画富有诗意,带有传统色彩,在风景中常常点缀一些神话或宗教人物。他把古典主义与浪漫主义结合起来,使作品既庄严,又具有柔和的抒情情调和音乐感,画面上光线十分微妙。他为了表现一天里不同时间的光线变幻,喜欢画早晨或黄昏的景色,尤其善于画逆光,在逆光里人物与建筑呈现出庄重的轮廓。创作前期多为金黄色的暖调子,晚年色调变冷,画面上常出现银灰色的调子,十分细致柔和。他的代表作有《乌尔苏拉登船远航》(1646)、《示巴女王登船》(1648)、《欧罗巴被劫》(约1655)、《中午》(1651)等。此外,他还创作了大量的素描与铜版画。

2018-06-08 22:25
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路易十四肖像 里戈 法国 1701年 布面油画 277x194cm

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    这幅画是在路易十四63岁生日那一年订制此画的,他原想送给他的孙子——西班牙国王菲利普五世,但由于自己太喜欢,
故而将原作留在凡尔赛宫的阿波罗厅内,看来卢浮宫的这幅也只能是复制品了。画面上,放在垫子上的王冠和“正义之手”、带有白鼬皮里子的双饰带花的礼服大衣、查里曼之剑和亨利四世的权杖,所有皇室权的象征物齐聚于此标准的官方肖像画中。有人说里戈是画者之王,也是王之画者。

2018-06-08 21:20
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