主题：★★★从卢浮宫到奥赛，欧洲绘画名作巡礼★★★(梵高) [主题管理员:情枭的黎明]
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卡美伊去世 Camille Monet on her deathbed 1879 莫奈
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卡美伊比莫奈小9岁，年轻的两人一见钟情。莫奈的家人不喜欢卡美伊的模特出身，极力反对他们的婚事。但莫奈不从，于是莫奈的父母便切断了他的经济来源。从此，莫奈与卡美伊过着清贫的生活，但却很幸福。
莫奈一生中画的所有的人物肖像，全部是以卡美伊为原型。
1879年三十七岁的卡美伊死于肺结核。莫奈在爱妻临死前，忍痛画下了她最后的样子。之后的42年里，莫奈都是隐居，结过一次婚，也给第二任妻子画过肖像，但人物的面庞总是非常模糊。莫奈死后，遵照他的遗愿，被安葬在卡美伊的身旁，和他心念的爱人永远在一起。
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卡美伊比莫奈小9岁，年轻的两人一见钟情。莫奈的家人不喜欢卡美伊的模特出身，极力反对他们的婚事。但莫奈不从，于是莫奈的父母便切断了他的经济来源。从此，莫奈与卡美伊过着清贫的生活，但却很幸福。
莫奈一生中画的所有的人物肖像，全部是以卡美伊为原型。
1879年三十七岁的卡美伊死于肺结核。莫奈在爱妻临死前，忍痛画下了她最后的样子。之后的42年里，莫奈都是隐居，结过一次婚，也给第二任妻子画过肖像，但人物的面庞总是非常模糊。莫奈死后，遵照他的遗愿，被安葬在卡美伊的身旁，和他心念的爱人永远在一起。
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Wind Effect (Series of The Poplars) 莫奈
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第
714 帖
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在巴黎圣拉查尔火车站候车室的走廊上，装饰着莫奈《圣拉查尔火车站》多幅油画的复制品。如果仔细观看画面的背景，令人吃惊的是：莫奈画的就是这座古老火车站，不同的是，漂亮的欧洲之星列车，静静地停在站台上，代替了笨重、怪兽般的蒸汽机车，迎接着世界各地的旅客的到来。
莫奈，于1877年，创作了这七幅油画《圣拉查尔火车站》。
在画面上，徐徐驶入车站的蒸汽机火车头喷出了浓浓烟雾，看上去如同猛兽可怕的鼻息。
火车站巨大的人字形屋顶出现在画作的近景部位，像一个由玻璃和钢铁打造的巨人一样，撑开了它冷冰冰的、笼罩一切的翅膀；
站台下，火车正在启动，蒸汽机喷出的浓浓的蒸气成团成卷地直冲钢骨支撑的“人”字型玻璃顶棚。光线穿过玻璃，将白色的蒸气在升腾之中变成一朵朵淡紫色的云团；云团在站台的上空由翻卷到飘移，又在飘移中变成一缕缕白烟弥散开去；
火车的机身、轨道边的检修工人、月台上穿行的旅客，都在这飘然不定的云雾下若隐若现。火车站上等待的人，对他们即将开始的旅行满怀揣测，正在窃窃私语……
莫奈，为了能画出火车进站的逼真场面，还使了一些小“手段”。他知道当时的火车站站长权力很大，就换上他最华丽的衣服，挽起他著名的花边袖子，不经意地露出他闪闪发光的金钮扣。他递给圣拉查尔火车站站长一张名片，像亚瑟王一样居高临下地声称：“我是画家克劳德·莫奈！”
站长被他的气派所震慑，竟然不敢提自己根本不认识他，于是莫奈恩赐般地宣布自己的决定：“我本来一直在犹豫，究竟要画你们车站呢，还是北车站。但我最后觉得，还是你们车站更有气质。”
站长受宠若惊，在他的权力范围内为莫奈创造了令人瞠目的便利：停下几列火车，清出场子，让成为主角的那辆火车塞满煤炭，以制造出巨兽喷鼻式的烟雾。
莫奈终于展开画布，肆意、快活地画了起来。
他描绘工业时代的蒸汽机火车头，逼真地写绘出玻璃穹顶下阳光与烟雾混合的迷离效果，既像梦幻，又是那么粗砺铁硬的现实。他至少画了7幅作品，来表现圣拉查尔火车站那粗犷与强悍。那喷涌的烟雾，机车的轰鸣，似乎有一头巨兽呼啸而过，吞噬了当时洋溢在法国画坛上的软绵绵、光洁无瑕的画风。
莫奈，他的《圣拉查尔火车站》油画作品，其表现的工业时代的磅礴气势，与距今140多年前的那时巴黎人孱弱、纤细的审美，有着巨大的反差。
莫奈，创作《圣拉查尔火车站》油画作品，是为了什么？
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的暗影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。
莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。
莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。
《圣拉查尔火车站》 是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。
莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
莫奈，他见识过风云变幻的海景，寂静忧伤的原野，如泣如诉的河流，地气氤氲的浴场，以及可以承载一整部莫泊桑小说意境的仕女游园会；
他研究过阳光、水塘、天空、雾气与睡莲所造就的光影变幻；但是，据此认为，莫奈只有一颗古典主义的心，他的笔触只会伸向与工业文明隔绝的过去，那就没有理解莫奈创作《圣拉查尔火车站》油画的理念。莫奈的天才眼睛，不仅可以看到过去，更可以洞悉未来。
莫奈完成《圣拉查尔火车站》画作后，对好友雷诺阿这样预言：将来，巴黎人的卓越见识，将由这些肮脏丑陋的火车头带动。
莫奈，以其洞悉未来的目光，看到了工业文明的泥沙俱下，对环境的污染，他要用《圣拉查尔火车站》画作，也就是这股工业文明中的“泥沙”的图像，激励巴黎大众，去创造工业文明的未来---- 保护环境。
也许，以新的技术创造工业新的文明的“欧洲之星”，代替笨重的蒸汽机车，就是莫奈用《圣拉查尔火车站》这幅画，告诉后人的，要保护环境。
事实证明，莫奈以《圣拉查尔火车站》画作，超越偏见，看到了工业文明的未来。
在巴黎圣拉查尔火车站候车室的走廊上，装饰着莫奈《圣拉查尔火车站》多幅油画的复制品。如果仔细观看画面的背景，令人吃惊的是：莫奈画的就是这座古老火车站，不同的是，漂亮的欧洲之星列车，静静地停在站台上，代替了笨重、怪兽般的蒸汽机车，迎接着世界各地的旅客的到来。
莫奈，于1877年，创作了这七幅油画《圣拉查尔火车站》。
在画面上，徐徐驶入车站的蒸汽机火车头喷出了浓浓烟雾，看上去如同猛兽可怕的鼻息。
火车站巨大的人字形屋顶出现在画作的近景部位，像一个由玻璃和钢铁打造的巨人一样，撑开了它冷冰冰的、笼罩一切的翅膀；
站台下，火车正在启动，蒸汽机喷出的浓浓的蒸气成团成卷地直冲钢骨支撑的“人”字型玻璃顶棚。光线穿过玻璃，将白色的蒸气在升腾之中变成一朵朵淡紫色的云团；云团在站台的上空由翻卷到飘移，又在飘移中变成一缕缕白烟弥散开去；
火车的机身、轨道边的检修工人、月台上穿行的旅客，都在这飘然不定的云雾下若隐若现。火车站上等待的人，对他们即将开始的旅行满怀揣测，正在窃窃私语……
莫奈，为了能画出火车进站的逼真场面，还使了一些小“手段”。他知道当时的火车站站长权力很大，就换上他最华丽的衣服，挽起他著名的花边袖子，不经意地露出他闪闪发光的金钮扣。他递给圣拉查尔火车站站长一张名片，像亚瑟王一样居高临下地声称：“我是画家克劳德·莫奈！”
站长被他的气派所震慑，竟然不敢提自己根本不认识他，于是莫奈恩赐般地宣布自己的决定：“我本来一直在犹豫，究竟要画你们车站呢，还是北车站。但我最后觉得，还是你们车站更有气质。”
站长受宠若惊，在他的权力范围内为莫奈创造了令人瞠目的便利：停下几列火车，清出场子，让成为主角的那辆火车塞满煤炭，以制造出巨兽喷鼻式的烟雾。
莫奈终于展开画布，肆意、快活地画了起来。
他描绘工业时代的蒸汽机火车头，逼真地写绘出玻璃穹顶下阳光与烟雾混合的迷离效果，既像梦幻，又是那么粗砺铁硬的现实。他至少画了7幅作品，来表现圣拉查尔火车站那粗犷与强悍。那喷涌的烟雾，机车的轰鸣，似乎有一头巨兽呼啸而过，吞噬了当时洋溢在法国画坛上的软绵绵、光洁无瑕的画风。
莫奈，他的《圣拉查尔火车站》油画作品，其表现的工业时代的磅礴气势，与距今140多年前的那时巴黎人孱弱、纤细的审美，有着巨大的反差。
莫奈，创作《圣拉查尔火车站》油画作品，是为了什么？
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的暗影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。
莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。
莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。
《圣拉查尔火车站》 是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。
莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
莫奈，他见识过风云变幻的海景，寂静忧伤的原野，如泣如诉的河流，地气氤氲的浴场，以及可以承载一整部莫泊桑小说意境的仕女游园会；
他研究过阳光、水塘、天空、雾气与睡莲所造就的光影变幻；但是，据此认为，莫奈只有一颗古典主义的心，他的笔触只会伸向与工业文明隔绝的过去，那就没有理解莫奈创作《圣拉查尔火车站》油画的理念。莫奈的天才眼睛，不仅可以看到过去，更可以洞悉未来。
莫奈完成《圣拉查尔火车站》画作后，对好友雷诺阿这样预言：将来，巴黎人的卓越见识，将由这些肮脏丑陋的火车头带动。
莫奈，以其洞悉未来的目光，看到了工业文明的泥沙俱下，对环境的污染，他要用《圣拉查尔火车站》画作，也就是这股工业文明中的“泥沙”的图像，激励巴黎大众，去创造工业文明的未来---- 保护环境。
也许，以新的技术创造工业新的文明的“欧洲之星”，代替笨重的蒸汽机车，就是莫奈用《圣拉查尔火车站》这幅画，告诉后人的，要保护环境。
事实证明，莫奈以《圣拉查尔火车站》画作，超越偏见，看到了工业文明的未来。
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713 帖
LHTZ 发表于 2018-8-19 07:35
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圣拉扎伊尔火车站La Gare Saint-Lazare 莫奈 1877
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这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
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711 帖
睡莲 莫奈
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20世纪法国最伟大的小说家普鲁斯特,关于睡莲有段段优美的描绘：
“稍远些的水面上，片片睡莲簇拥在一起，犹如一座浮动的花坛，仿佛花园里那些蝴蝶花搬到了这儿，蝴蝶那般把蓝得透亮的翅膀停歇在这座水上花坛的斜面上……
傍晚当它宛若某个遥远的海港，披着夕阳那玫瑰色的、梦幻般的霞光，不停地改变着色彩，以便始终跟色泽比较固定的花冠周围的那种在时光里隐匿得更深的、更奥妙的东西――那种存在于无限之中的东西――显得很和谐的时候，开在这片水面上的睡莲，就像是绽放在天际的花朵。”
睡莲开在水里，淡定从容的伸向天空，
没有纷扰，无忧无虑的仰望苍穹。
《睡莲》，可以说是莫奈一生对光与色表现的总结。
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20世纪法国最伟大的小说家普鲁斯特,关于睡莲有段段优美的描绘：
“稍远些的水面上，片片睡莲簇拥在一起，犹如一座浮动的花坛，仿佛花园里那些蝴蝶花搬到了这儿，蝴蝶那般把蓝得透亮的翅膀停歇在这座水上花坛的斜面上……
傍晚当它宛若某个遥远的海港，披着夕阳那玫瑰色的、梦幻般的霞光，不停地改变着色彩，以便始终跟色泽比较固定的花冠周围的那种在时光里隐匿得更深的、更奥妙的东西――那种存在于无限之中的东西――显得很和谐的时候，开在这片水面上的睡莲，就像是绽放在天际的花朵。”
睡莲开在水里，淡定从容的伸向天空，
没有纷扰，无忧无虑的仰望苍穹。
《睡莲》，可以说是莫奈一生对光与色表现的总结。
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第
710 帖
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(续前帖)莫奈在同一观察点同时展开数张画布，每块画布只在同一时间画上10～15分钟，每天同一时刻在相同的光线下工作，经过两个月最终完成了20多幅。这样一组画就像一个完整的乐章的一样构成了一个整体。这些作品完全成了色彩的交响曲。他也描绘了主教堂在晴天和阴天的不同色彩表现，以及从清晨到黄昏的不同景象。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。莫奈以对自然光色的视觉印象为依据,将瞬间即逝的色彩变化淋固在画面上,使它神奇而辉煌地呈现出色调表情来.那最精彩的画面,评论家称之为”大气的戏剧”.
当这套组画最终完成后，有大约一半的作品在保罗·杜朗的画廊展出，1895年丢朗-吕厄画廊展出了20幅卢昂教堂连作，成为当时印象主义作品中的壮举。每件定价大约在12，000法郎左右，甚至当时法国总理克理梦梭还买下了其中的一幅，装饰※※在巴黎的驻地－－卢森堡宫。克理梦梭对莫奈的大力支持，更是巩固了画家的名声。总理曾写道：“请专家不要见笑，但我无控制自己要做一天的艺术评论家的愿望。这得怪克劳得·莫奈。我走进保罗·杜朗画廊，想在此看看鲁昂大教堂的习作这些画我在吉※※画室就已喜欢上了。不知为什么，从此我念念不忘面貌多变的主教堂。我难以将之抛于脑后，我沉溺其中，必须谈谈鲁昂教堂。无论如何，我必须谈谈。”有位学者看了莫奈的这组画。其中有三张，画的都是同一个教堂的门口，一张画是早晨，一张画是中午，一张画是晚上，构图都相同。早上的画是蒙蒙的，中午是强烈的阳光，晚上是发红的黄昏的落日的反映。这位老先生曾经反对过他们，看了莫奈的画之后的一天早上经过教 堂的门口，发现门边的景色真像莫奈所画的一样，感到震惊。原来世界上还这么美，还可以这么画，美还可以这么去表现。莫奈把人对于美的概念开辟出了新天地，打开了他们的眼界，叫醒了他们。他的画友毕沙罗也被这些作品的独创特色所震撼，它在写给儿子的信中说：“这种不平凡的技巧使我失去了自制力，它是一幅深思熟虑的作品，在追求瞬间的细微差别上所表现出的效果，是从未有人达到过的。我很遗憾你不能在莫奈的画展结束之前赶到这里。他的《大教堂》组画将会散落在各处，而他们应该是作为一个整体来观赏的。”在《鲁昂大教堂》系列，莫奈对光色关系的准确捕捉令人惊叹。在某种程度上说，画家和音乐家的才能是相通的。蓝、粉、金等色彩在莫奈手中谱成了一部光与色的交响乐，震撼着人们的心灵。
(续前帖)莫奈在同一观察点同时展开数张画布，每块画布只在同一时间画上10～15分钟，每天同一时刻在相同的光线下工作，经过两个月最终完成了20多幅。这样一组画就像一个完整的乐章的一样构成了一个整体。这些作品完全成了色彩的交响曲。他也描绘了主教堂在晴天和阴天的不同色彩表现，以及从清晨到黄昏的不同景象。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。莫奈以对自然光色的视觉印象为依据,将瞬间即逝的色彩变化淋固在画面上,使它神奇而辉煌地呈现出色调表情来.那最精彩的画面,评论家称之为”大气的戏剧”.
当这套组画最终完成后，有大约一半的作品在保罗·杜朗的画廊展出，1895年丢朗-吕厄画廊展出了20幅卢昂教堂连作，成为当时印象主义作品中的壮举。每件定价大约在12，000法郎左右，甚至当时法国总理克理梦梭还买下了其中的一幅，装饰※※在巴黎的驻地－－卢森堡宫。克理梦梭对莫奈的大力支持，更是巩固了画家的名声。总理曾写道：“请专家不要见笑，但我无控制自己要做一天的艺术评论家的愿望。这得怪克劳得·莫奈。我走进保罗·杜朗画廊，想在此看看鲁昂大教堂的习作这些画我在吉※※画室就已喜欢上了。不知为什么，从此我念念不忘面貌多变的主教堂。我难以将之抛于脑后，我沉溺其中，必须谈谈鲁昂教堂。无论如何，我必须谈谈。”有位学者看了莫奈的这组画。其中有三张，画的都是同一个教堂的门口，一张画是早晨，一张画是中午，一张画是晚上，构图都相同。早上的画是蒙蒙的，中午是强烈的阳光，晚上是发红的黄昏的落日的反映。这位老先生曾经反对过他们，看了莫奈的画之后的一天早上经过教 堂的门口，发现门边的景色真像莫奈所画的一样，感到震惊。原来世界上还这么美，还可以这么画，美还可以这么去表现。莫奈把人对于美的概念开辟出了新天地，打开了他们的眼界，叫醒了他们。他的画友毕沙罗也被这些作品的独创特色所震撼，它在写给儿子的信中说：“这种不平凡的技巧使我失去了自制力，它是一幅深思熟虑的作品，在追求瞬间的细微差别上所表现出的效果，是从未有人达到过的。我很遗憾你不能在莫奈的画展结束之前赶到这里。他的《大教堂》组画将会散落在各处，而他们应该是作为一个整体来观赏的。”在《鲁昂大教堂》系列，莫奈对光色关系的准确捕捉令人惊叹。在某种程度上说，画家和音乐家的才能是相通的。蓝、粉、金等色彩在莫奈手中谱成了一部光与色的交响乐，震撼着人们的心灵。
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709 帖
鲁昂大教堂 - 大门和高塔在早晨白色光线下的效果 1893 莫奈 91X63cm
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莫奈毕生致力于光与色的研究，光是他画中永恒的主角。为了研究不同时间阳光下景物的色彩变化，莫奈共画了20幅这座教堂的连作 。
鲁昂大教堂是一座哥特式大教堂，它的正面有着丰富的起伏变化，在阳光的照耀下更显得变幻莫测，神秘感人。很多繁琐复杂的细部，一般画家都不愿接触这个画题。但是对莫奈来说，正好提供了光线反射而造成的光斑。真正激发莫奈兴趣的，并不是大教堂哥特式的建筑本身，而是投射到教堂正面上的光和影跳动。.在强烈的阳光照耀下，教堂的墙体泛出耀眼的白灰色反光，光线使教堂结构模糊迷朦，哥特式的券拱门窗像一只只深不可测又似飘忽不定的怪眼。他依据阳光不同时刻在教堂粗砺壁面上的投射效果,精微观察写生。莫奈为了把握光与色的无穷变幻,他追踪阳光,同时张起数块画布,每当光线偏移,就立即在另一幅相应的画面上作画。石壁的本身是灰色，但是在组画中却呈现的是色调丰富而又朦胧的金色、褐色、青灰色或类似于康斯太勃尔雪白的色点。他是在为了表现色彩本身而进行创作，题材对他来说只说一种载体，是次要的。他认为光与大气的奇幻效果比绘画的主题要重要得多，无论什么都可以入画，这和传统风景画要求要有情节或是可以入画的完整内容完全相悖。
在画面的处理上，他并不用细腻的笔触去详细刻画建筑的细部，而是捕捉住在阳光照耀下墙面在一瞬间给人带来的灿烂的印象。莫奈有着极好的艺术家素质：他有着敏锐的观察力（这也得益于少年时代勤于画讽刺漫画），丰富的想象力，对色彩的准确表现力和概括力。他善于从光与色的相互关系中发现前人未发现的现象，把全部的精力都花在光线与色彩效果的研究上。他能准确的捕捉视觉对色彩的瞬间感受，使作品充满生命力和激情。对于光和色的研究在这里成了莫奈唯一的目的，为了新鲜直观的视觉效果，他无暇去调配颜料或是慢条斯理地分析色彩，而是创造了一种新的绘画技法来适应瞬息万变的大自然：以迅速的笔触将颜料直接堆放到画布上，舍弃不必要的细节，而加强画面的色彩氛围感。运用这种方法的结果，对象的形和轮廓减弱了，有一种草图似的效果。只看见斑斓的色彩铺满整个画面，而没有结实清晰的形象。莫奈曾经说过：“当你画画时，要设法忘掉你眼前的形体，一棵树、一片田野……只是想：这是一块蓝色，这是一长条粉红色，这是一条黄色，然后准确的画下你所观察到的颜色和形状，直到它达到你最初的印象为止。”正是由于描画同一对象的色彩变化，所以画家把这座结构坚实的哥特式建筑，化成了一团又复杂反光，充满色彩旋律和光的结晶的软绵绵的物体。几乎没有哪位画家能够对这同一对象画出如此多变幻莫测的色彩风貌，莫奈对色彩的敏感和研究的深入，使他无愧于印象主义大师的美誉。由于他强调笔触的迅速和印象中的色彩堆置，已使得从此时的画面开始变成了色点之间的闪烁。这一点深深的影响了十多年后新印象主义的产生，他们把用色点来作画成为单独存在和合构成画面的唯一方法，将这种画法加以发展，推向了极端。
莫奈的这些认识和创造，是对感觉方式和观察方式的一次了不起的变革。过去的艺术家总是按照传统的、接近于棕褐色的调子去画对象。而莫奈在画画时抛弃了一切传统的色彩观念，去捕捉光在物体上造成的色彩变化所产生的视觉感受，这种感受纯粹是个人的因此画出的色彩也就非常鲜明、丰富而富有个性。虽然他在画画时仍然是经可能客观真实地再现客观对象，但是他完全把精力放在捕捉视觉印象和追求光色的变化上，忽视了对象的形和轮廓，把对象画得十分松散和随意，只追求色彩和光影的瞬间效果。从这幅作品中，人们可以体悟到光与自然的结构，他所散发的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统画风。他这样说道：“我近来埋头于一组追求不同光效应的图画，但这几个月来，太阳下山太快，让我应付不及……我做的越多，就越发感觉到，我还要做大量的工作才能得到我想要的东西，瞬间的、弥漫的，那种无处不在的光。”
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莫奈毕生致力于光与色的研究，光是他画中永恒的主角。为了研究不同时间阳光下景物的色彩变化，莫奈共画了20幅这座教堂的连作 。
鲁昂大教堂是一座哥特式大教堂，它的正面有着丰富的起伏变化，在阳光的照耀下更显得变幻莫测，神秘感人。很多繁琐复杂的细部，一般画家都不愿接触这个画题。但是对莫奈来说，正好提供了光线反射而造成的光斑。真正激发莫奈兴趣的，并不是大教堂哥特式的建筑本身，而是投射到教堂正面上的光和影跳动。.在强烈的阳光照耀下，教堂的墙体泛出耀眼的白灰色反光，光线使教堂结构模糊迷朦，哥特式的券拱门窗像一只只深不可测又似飘忽不定的怪眼。他依据阳光不同时刻在教堂粗砺壁面上的投射效果,精微观察写生。莫奈为了把握光与色的无穷变幻,他追踪阳光,同时张起数块画布,每当光线偏移,就立即在另一幅相应的画面上作画。石壁的本身是灰色，但是在组画中却呈现的是色调丰富而又朦胧的金色、褐色、青灰色或类似于康斯太勃尔雪白的色点。他是在为了表现色彩本身而进行创作，题材对他来说只说一种载体，是次要的。他认为光与大气的奇幻效果比绘画的主题要重要得多，无论什么都可以入画，这和传统风景画要求要有情节或是可以入画的完整内容完全相悖。
在画面的处理上，他并不用细腻的笔触去详细刻画建筑的细部，而是捕捉住在阳光照耀下墙面在一瞬间给人带来的灿烂的印象。莫奈有着极好的艺术家素质：他有着敏锐的观察力（这也得益于少年时代勤于画讽刺漫画），丰富的想象力，对色彩的准确表现力和概括力。他善于从光与色的相互关系中发现前人未发现的现象，把全部的精力都花在光线与色彩效果的研究上。他能准确的捕捉视觉对色彩的瞬间感受，使作品充满生命力和激情。对于光和色的研究在这里成了莫奈唯一的目的，为了新鲜直观的视觉效果，他无暇去调配颜料或是慢条斯理地分析色彩，而是创造了一种新的绘画技法来适应瞬息万变的大自然：以迅速的笔触将颜料直接堆放到画布上，舍弃不必要的细节，而加强画面的色彩氛围感。运用这种方法的结果，对象的形和轮廓减弱了，有一种草图似的效果。只看见斑斓的色彩铺满整个画面，而没有结实清晰的形象。莫奈曾经说过：“当你画画时，要设法忘掉你眼前的形体，一棵树、一片田野……只是想：这是一块蓝色，这是一长条粉红色，这是一条黄色，然后准确的画下你所观察到的颜色和形状，直到它达到你最初的印象为止。”正是由于描画同一对象的色彩变化，所以画家把这座结构坚实的哥特式建筑，化成了一团又复杂反光，充满色彩旋律和光的结晶的软绵绵的物体。几乎没有哪位画家能够对这同一对象画出如此多变幻莫测的色彩风貌，莫奈对色彩的敏感和研究的深入，使他无愧于印象主义大师的美誉。由于他强调笔触的迅速和印象中的色彩堆置，已使得从此时的画面开始变成了色点之间的闪烁。这一点深深的影响了十多年后新印象主义的产生，他们把用色点来作画成为单独存在和合构成画面的唯一方法，将这种画法加以发展，推向了极端。
莫奈的这些认识和创造，是对感觉方式和观察方式的一次了不起的变革。过去的艺术家总是按照传统的、接近于棕褐色的调子去画对象。而莫奈在画画时抛弃了一切传统的色彩观念，去捕捉光在物体上造成的色彩变化所产生的视觉感受，这种感受纯粹是个人的因此画出的色彩也就非常鲜明、丰富而富有个性。虽然他在画画时仍然是经可能客观真实地再现客观对象，但是他完全把精力放在捕捉视觉印象和追求光色的变化上，忽视了对象的形和轮廓，把对象画得十分松散和随意，只追求色彩和光影的瞬间效果。从这幅作品中，人们可以体悟到光与自然的结构，他所散发的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统画风。他这样说道：“我近来埋头于一组追求不同光效应的图画，但这几个月来，太阳下山太快，让我应付不及……我做的越多，就越发感觉到，我还要做大量的工作才能得到我想要的东西，瞬间的、弥漫的，那种无处不在的光。”
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莫奈《睡莲》作品系列的诞生，是世界艺术史上的一段佳话。1890年，莫奈经济状况丰足，让他得以购置其自1883年在吉※※租下的一所房子和大花园。凭着无比的魄力和决心，他毅然把花园改建，加入了一个大池塘。从此这个花园给予莫奈无尽灵感，也成为他创作生涯最后三十年的核心题材。莫奈曾向一位画室访客解释道：“我花了不少时间了解我的睡莲，当初栽种的时候只是纯粹为了乐趣，并没有打算以它们入画。风景映像往往需用上多于一天的时间才能过目不忘、铭刻于心。我在顷刻间发现到意想不到的惊喜——原来我的池塘是多么的美妙——随后我便开展绘画的历程。自那一刻，我几乎再没有其他绘画的题材了。”
海伦娜·纽曼称，莫奈的《睡莲》系列是现代艺术发展过程中最具标志性的画作系列之一。莫奈不再以清晰的透视画法绘图，而开始注意颜色、纹理及环境效应等元素，在此过程中形成了一个更为抽象的创作风格。
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莫奈《睡莲》作品系列的诞生，是世界艺术史上的一段佳话。1890年，莫奈经济状况丰足，让他得以购置其自1883年在吉※※租下的一所房子和大花园。凭着无比的魄力和决心，他毅然把花园改建，加入了一个大池塘。从此这个花园给予莫奈无尽灵感，也成为他创作生涯最后三十年的核心题材。莫奈曾向一位画室访客解释道：“我花了不少时间了解我的睡莲，当初栽种的时候只是纯粹为了乐趣，并没有打算以它们入画。风景映像往往需用上多于一天的时间才能过目不忘、铭刻于心。我在顷刻间发现到意想不到的惊喜——原来我的池塘是多么的美妙——随后我便开展绘画的历程。自那一刻，我几乎再没有其他绘画的题材了。”
海伦娜·纽曼称，莫奈的《睡莲》系列是现代艺术发展过程中最具标志性的画作系列之一。莫奈不再以清晰的透视画法绘图，而开始注意颜色、纹理及环境效应等元素，在此过程中形成了一个更为抽象的创作风格。
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第
707 帖
睡莲池 莫奈
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莫奈一生共留下500多幅素描和2000多幅油画。但其作品在国人中知晓度最高的要算《睡莲》系列。莫奈一生画的睡莲作品有数十幅之多，很多都属于组画，所谓“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下所作的多幅画作。区分它们的，仅仅只是大师对光与色的瞬间捕捉。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。《睡莲》系列作品，从1897到1926年，莫奈总共画过181幅。
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莫奈一生共留下500多幅素描和2000多幅油画。但其作品在国人中知晓度最高的要算《睡莲》系列。莫奈一生画的睡莲作品有数十幅之多，很多都属于组画，所谓“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下所作的多幅画作。区分它们的，仅仅只是大师对光与色的瞬间捕捉。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。《睡莲》系列作品，从1897到1926年，莫奈总共画过181幅。
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第
706 帖
花园里的女人们 莫奈 法国 1866年 布面油画 255x205cm
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1866年莫奈创作了一幅大型油画《花园里的女人们》，这是莫奈早期重要作品。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个大坑，把画布降了下去。画面上的四个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1865年与莫奈邂逅的卡米尔，后来的莫奈夫人。为了突出这几位浅色着装的女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。
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1866年莫奈创作了一幅大型油画《花园里的女人们》，这是莫奈早期重要作品。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个大坑，把画布降了下去。画面上的四个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1865年与莫奈邂逅的卡米尔，后来的莫奈夫人。为了突出这几位浅色着装的女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。
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704 帖
撑阳伞面向右的女人 莫奈 法国 1886年 布面油画 131x88cm
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莫奈的《撑阳伞的女人》共画了三幅。1875年，莫奈以妻子卡米尔和儿子为模特儿，画了第一幅《撑阳伞的女人》（现藏美国华盛顿特区国家画廊）。1886年，莫奈以资助人奥修德遗孀爱丽丝和她的女儿苏珊娜为模特儿创作了后续两幅，一幅是《撑阳伞面向左的女人》，一幅是《撑阳伞面向右的女人》，现均藏于巴黎奥赛美术馆。莫奈强调画家在创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上。这幅《打伞的女人》充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力，由此而产生了一种动态感和生动性。
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莫奈的《撑阳伞的女人》共画了三幅。1875年，莫奈以妻子卡米尔和儿子为模特儿，画了第一幅《撑阳伞的女人》（现藏美国华盛顿特区国家画廊）。1886年，莫奈以资助人奥修德遗孀爱丽丝和她的女儿苏珊娜为模特儿创作了后续两幅，一幅是《撑阳伞面向左的女人》，一幅是《撑阳伞面向右的女人》，现均藏于巴黎奥赛美术馆。莫奈强调画家在创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上。这幅《打伞的女人》充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力，由此而产生了一种动态感和生动性。
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702 帖
撑阳伞面向左的女人 莫奈 法国 1886年 布面油画 131x88cm
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这幅作品描绘了一个洁白的女人打伞站在花草丛中，长发和面纱在风中飘动，遮蔽了脸部，白衣白裙、芳草萋萋、阳伞和飘舞的丝巾，构划了一幅朦胧的画面，虽然人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光以及光线、烟雾、气流所产生的效果。这是莫奈画于1886年悼念亡妻卡米尔的作品。卡米尔因病死于1879年，时年37岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。
1878年3月17日，莫奈的第二个儿子迈克·莫奈出生。在这一年夏天的晚些时候，莫奈举家搬迁到了巴黎附近的韦特伊，一个靠近塞纳河的农村小镇。这一年，还发生了另外一件大事，莫奈的资助人之一奥修德彻底破产了，莫奈从一个受资助人摇身一变成为奥修德遗孀及其子女们的庇护人，生活十分艰难。1879年的9月，与莫奈患难与共13载的妻子走到了她生命的尽头。莫奈忍着极大的悲伤为她画了《临终的卡米尔》。他后来回忆说，在卡米尔的病床前，我十分本能地对那已无表情的年轻面孔仔细端详，观察搜索死亡在她面孔上引起褪色的迹象，看到的是蓝色、黄色和灰色的细微变化。于是，萌生出一个念头，要为这即将离开我的爱人画最后一幅画。1879年的9月5日，卡米尔终因盆腔癌不治身亡，时年仅32岁。这位一生无怨无悔支持莫奈的女子，生前不曾拥有一件首饰。入殓时，莫奈将一枚刚刚从典当行中赎回的奖章挂在她的脖颈上，作为最终的安慰。1886年，莫奈以资助人奥修德遗孀爱丽丝和其女儿苏珊娜为模特儿创作了两幅《撑阳伞的女人》，这是其中的一幅。
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这幅作品描绘了一个洁白的女人打伞站在花草丛中，长发和面纱在风中飘动，遮蔽了脸部，白衣白裙、芳草萋萋、阳伞和飘舞的丝巾，构划了一幅朦胧的画面，虽然人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光以及光线、烟雾、气流所产生的效果。这是莫奈画于1886年悼念亡妻卡米尔的作品。卡米尔因病死于1879年，时年37岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。
1878年3月17日，莫奈的第二个儿子迈克·莫奈出生。在这一年夏天的晚些时候，莫奈举家搬迁到了巴黎附近的韦特伊，一个靠近塞纳河的农村小镇。这一年，还发生了另外一件大事，莫奈的资助人之一奥修德彻底破产了，莫奈从一个受资助人摇身一变成为奥修德遗孀及其子女们的庇护人，生活十分艰难。1879年的9月，与莫奈患难与共13载的妻子走到了她生命的尽头。莫奈忍着极大的悲伤为她画了《临终的卡米尔》。他后来回忆说，在卡米尔的病床前，我十分本能地对那已无表情的年轻面孔仔细端详，观察搜索死亡在她面孔上引起褪色的迹象，看到的是蓝色、黄色和灰色的细微变化。于是，萌生出一个念头，要为这即将离开我的爱人画最后一幅画。1879年的9月5日，卡米尔终因盆腔癌不治身亡，时年仅32岁。这位一生无怨无悔支持莫奈的女子，生前不曾拥有一件首饰。入殓时，莫奈将一枚刚刚从典当行中赎回的奖章挂在她的脖颈上，作为最终的安慰。1886年，莫奈以资助人奥修德遗孀爱丽丝和其女儿苏珊娜为模特儿创作了两幅《撑阳伞的女人》，这是其中的一幅。
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700 帖
The Railroad bridge in Argenteui 莫奈
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699 帖
喜鹊 莫奈 法国 1868-1869年 布面油画 89x130cm
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从1869年的《鹊鸟》中可见，当时莫奈的绘画风格依然偏于传统，下笔走势还未发展到后来那种短促有力、冷暖色互相错落叠加的风格。尽管如此，这幅露天写生依然准确地记录了雪后篱笆墙投下的淡蓝阴影、雪地反光与阳光的彼此辉映及明暗交接处转瞬即逝的动感。关于《鹊鸟》的一个有趣之处是篱笆上那只喜鹊的投影左右颠倒了，这应该是室外写生后，作品再拿回画室进一步完善时发生的错误。虽然莫奈曾在采访中骄傲地宣称“我没有画室”，但先野外写生，再进画室收尾其实是印象派画家的一贯做法。
一个朋友对画中的雪地反光十分迷醉，他形容画“左前方的远处，是一道纯白和金黄的混合，那是雪地反射的最强烈的光。沿着那条光带向下，纯色逐渐被混合色替代，反光也越来越微弱，一直到篱笆的影子形成的近景，白色之中出现了更多线状的蓝色阴影。纯色的变化，从远到近，形成了一条光线的通路。”他认为画中“整个右半部的暗影，竟然只是为了那一道光亮而存在”。我跟他的着眼点有所不同，这幅画最吸引我的是篱笆墙投下的一道道平行支出的蓝影，这些参差不齐的影子在斑驳的雪地上形成了一排光阴走过的痕迹，如琴键般富有音乐的律动节奏；但与此同时，篱笆上那一只静止不动的鹊鸟又与光的韵律形成了对比，有“鸟鸣山更幽”之意。
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从1869年的《鹊鸟》中可见，当时莫奈的绘画风格依然偏于传统，下笔走势还未发展到后来那种短促有力、冷暖色互相错落叠加的风格。尽管如此，这幅露天写生依然准确地记录了雪后篱笆墙投下的淡蓝阴影、雪地反光与阳光的彼此辉映及明暗交接处转瞬即逝的动感。关于《鹊鸟》的一个有趣之处是篱笆上那只喜鹊的投影左右颠倒了，这应该是室外写生后，作品再拿回画室进一步完善时发生的错误。虽然莫奈曾在采访中骄傲地宣称“我没有画室”，但先野外写生，再进画室收尾其实是印象派画家的一贯做法。
一个朋友对画中的雪地反光十分迷醉，他形容画“左前方的远处，是一道纯白和金黄的混合，那是雪地反射的最强烈的光。沿着那条光带向下，纯色逐渐被混合色替代，反光也越来越微弱，一直到篱笆的影子形成的近景，白色之中出现了更多线状的蓝色阴影。纯色的变化，从远到近，形成了一条光线的通路。”他认为画中“整个右半部的暗影，竟然只是为了那一道光亮而存在”。我跟他的着眼点有所不同，这幅画最吸引我的是篱笆墙投下的一道道平行支出的蓝影，这些参差不齐的影子在斑驳的雪地上形成了一排光阴走过的痕迹，如琴键般富有音乐的律动节奏；但与此同时，篱笆上那一只静止不动的鹊鸟又与光的韵律形成了对比，有“鸟鸣山更幽”之意。
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698 帖
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作品《干草堆》（法语：Les Meules）完成于1890年夏末到次年春季。有时候《干草堆》系列也包含其他的同主题但不同标题的画作。这一系列作品以其对每天、每季不同时间的光线的敏锐观察而出名。绘制地点是法国吉※※莫奈居所附近。
《干草堆》系列约由有 25 幅作品，被视为莫奈 50 年生命中难度最高、最破格的作品。虽然他于 1880 年代末曾尝试创作在不同光线及天气下的风景画，但此前从未创作多幅只以颜色、笔触及气氛区分的作 品。
作品《干草堆》（法语：Les Meules）完成于1890年夏末到次年春季。有时候《干草堆》系列也包含其他的同主题但不同标题的画作。这一系列作品以其对每天、每季不同时间的光线的敏锐观察而出名。绘制地点是法国吉※※莫奈居所附近。
《干草堆》系列约由有 25 幅作品，被视为莫奈 50 年生命中难度最高、最破格的作品。虽然他于 1880 年代末曾尝试创作在不同光线及天气下的风景画，但此前从未创作多幅只以颜色、笔触及气氛区分的作 品。
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697 帖
夏末早晨时的干草堆 莫奈 法国 1891年 布面油画 60.5x100.5cm
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莫奈的作品以色彩和光线的精巧运用著称，长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。莫奈的这一组《干草堆》一共画了十五幅，就是为了赌气证明：同一样东西在不同光线下的不同效果。从这幅画中还可以看出印象派画家的另一个曾经倍受众人嘲笑的信念：影子也是有颜色的。
进入19世纪90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩。又一次表达了对光与影的完美诠释，创造了梦幻般的色彩传奇，为后人留下了珍贵的艺术财富。
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莫奈的作品以色彩和光线的精巧运用著称，长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。莫奈的这一组《干草堆》一共画了十五幅，就是为了赌气证明：同一样东西在不同光线下的不同效果。从这幅画中还可以看出印象派画家的另一个曾经倍受众人嘲笑的信念：影子也是有颜色的。
进入19世纪90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩。又一次表达了对光与影的完美诠释，创造了梦幻般的色彩传奇，为后人留下了珍贵的艺术财富。
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696 帖
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塞尚（Cézanne）曾对莫奈这样评价道：“他只有一双眼睛，可那是一双多么美妙的眼睛啊！”拥有这样一双美丽眼睛的艺术家在他的花园中创造了一种哲学的、科学的、诗意的、神秘的戏剧，莫奈用自己的诚实开启了无限想象的远景。云层与水面上的光影时而似浮于水面，时而又显得无限深远。莫奈的画作提醒我们，我们生活在一个比我们所知更加陌生的世界里。我们是自己的影子，是睡莲，是记忆。
塞尚（Cézanne）曾对莫奈这样评价道：“他只有一双眼睛，可那是一双多么美妙的眼睛啊！”拥有这样一双美丽眼睛的艺术家在他的花园中创造了一种哲学的、科学的、诗意的、神秘的戏剧，莫奈用自己的诚实开启了无限想象的远景。云层与水面上的光影时而似浮于水面，时而又显得无限深远。莫奈的画作提醒我们，我们生活在一个比我们所知更加陌生的世界里。我们是自己的影子，是睡莲，是记忆。
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绿色和谐的睡莲池 莫奈 法国 1899年 布面油画 89x93.3cm
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睡莲池是莫奈将他对东方艺术的体验转换到了花园营造上，日本桥、竹林都是日本园林的元素，但是，莫奈仍然坚持园林设计是来自视觉的需求，池边的花草依然严格按照四季时令和植株高低来种植；而睡莲池畔的植物，则可以透过水面的反射，产生倒影，以营造梦幻的气氛。诗人马拉美曾描述过他眼中的睡莲池：“它浓浓的白，包含着一个空无所及的梦，包含着一种永不存在的快乐。我们所能做的只有继续屏息，向那幻影致敬 ，在意外的脚步来临之前，在我走开的时候，这朵完美的花儿在升起的水泡中清晰可见”。
1883年，莫奈在朋友的资助下搬进了塞纳河畔的一栋农屋和庭院，他逐步把存粮的仓库改建为画室，把庭院变成了大花园。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空，这些都是他绘画的对象。庭院池中的睡莲，红的、白的、紫的，静静地躺在绿色的大“床”上，展示着它们的美丽。不管刮风下雨、阴雨绵绵，还是阳光灿烂、微风习习；无论是白天还是傍晚，莫奈总是坐在池塘边，观察自然，感受光线，用画笔记录下来。他以花园中的睡莲、百子莲、垂柳与日本桥为对象，画出了一系列为世人所景仰的传奇之作。他的这些画经常是无题的，他说：“重要的不是主题，而是画家自己的观察和感受。”
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睡莲池是莫奈将他对东方艺术的体验转换到了花园营造上，日本桥、竹林都是日本园林的元素，但是，莫奈仍然坚持园林设计是来自视觉的需求，池边的花草依然严格按照四季时令和植株高低来种植；而睡莲池畔的植物，则可以透过水面的反射，产生倒影，以营造梦幻的气氛。诗人马拉美曾描述过他眼中的睡莲池：“它浓浓的白，包含着一个空无所及的梦，包含着一种永不存在的快乐。我们所能做的只有继续屏息，向那幻影致敬 ，在意外的脚步来临之前，在我走开的时候，这朵完美的花儿在升起的水泡中清晰可见”。
1883年，莫奈在朋友的资助下搬进了塞纳河畔的一栋农屋和庭院，他逐步把存粮的仓库改建为画室，把庭院变成了大花园。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空，这些都是他绘画的对象。庭院池中的睡莲，红的、白的、紫的，静静地躺在绿色的大“床”上，展示着它们的美丽。不管刮风下雨、阴雨绵绵，还是阳光灿烂、微风习习；无论是白天还是傍晚，莫奈总是坐在池塘边，观察自然，感受光线，用画笔记录下来。他以花园中的睡莲、百子莲、垂柳与日本桥为对象，画出了一系列为世人所景仰的传奇之作。他的这些画经常是无题的，他说：“重要的不是主题，而是画家自己的观察和感受。”
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莫奈是一位色彩大师，对各种有着极为细微差别的色彩有着极强的感知力和分辨力，也许正是为了体会各种色彩色的差别和效果，他才花费如此巨大的心血布置着自己的花园。
莫奈是一位色彩大师，对各种有着极为细微差别的色彩有着极强的感知力和分辨力，也许正是为了体会各种色彩色的差别和效果，他才花费如此巨大的心血布置着自己的花园。
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梓厚吾爱 发表于 2018-8-10 16:58
奥赛现在可以随便拍吗？我之前去过两次，大厅无所谓，两边的陈列室内掏相机都被工作人员制止。
近几年奥赛博物馆展出的画作，已经对游客摄影开放，包括之前一直严格禁止拍照的伦敦的英国国籍画廊也放下身段，原因据说是大家都在用手机，管理员很难分清是观众是在检索，还是在拍照，索性就放开了............
吉※※花园的鸢尾花 莫奈 法国 1900年 布面油画 81x92cm
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吉※※（法语：Giverny）是法国厄尔省的一个市镇，大概就在法国北部，属于莱桑代利区（Les Andelys）埃科县（écos），位于距维农五公里处的塞纳河与艾普特河（Epte）的交汇口。这里也是维新诺曼底的门户所在。1883年43岁的莫奈在吉※※定居后，建起了吉※※花园，又称莫奈花园。莫奈花园分为水园和花园两部分，花园又名诺曼底园，位于房前，呈长方形，占地约一公顷，水园是一个人工湖。在这幅画中，可以看到盛开的鸢尾花和色彩斑斓的光与影。莫奈的色彩像音乐，他巧妙地运用色彩组合和色调搭配，造成视觉上的变化和转折，由此产生节奏感和韵律感，仿佛动人心弦的旋律，震荡着观者的心灵，给观者以强烈的音乐美的动感享受。
莫奈不仅是个画家，还是个出色的园艺家，他非常着迷于植物，最多时曾雇佣五个园丁和他一起打造花园。花园的格局都是他亲手设计打造。花园被一条小路分割成两处，从地下通道来到另一处。这里就是著名的莲池和日本桥了，这里的花园的风格和莫奈屋前花园的给人的感觉不一样，好像在杭州就能见到。在莫奈的精心构筑下，莫奈花园的花儿，几乎是四季不败：夏天，牵牛花紫、天竺葵红、向日葵黄、苹果花香，还有多情的玫瑰花等，把花园绘出斑斓的色彩，溢着醉人的芳香；秋季，绣球花、风铃草等竞相开放，紧接着银杏叶黄，枫树叶红，芦苇花摇曳着柔曼的舞姿；冬天，赏花场景从室外搬到室内，花园的温室内，兰花悦目；冬末初春，黄茉莉、圣诞玫瑰抢先登场；春天郁金香、水仙花纷纷冒头，莫奈花园重又活跃。莫奈的花园本身就是一幅印象派的画作。
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莫奈精品是《蒙特戈依街道，庆祝1878年6月30日巴黎世博会》。画面上彩旗飘扬、人声鼎沸的蒙特戈依大街世界博览会盛况离近了看，只是一个又一个的小点，人不成人形，旗也没有旗帜的样子；但这些本来抽象的点与块组合在一起，结果竟创造出来一条充满了蓬勃生命力的动感街景！令我最感神奇的当然是莫奈的作画方式：他的胳膊没有长达三米，我猜也不可能每画一个点就退后五步，审视一遍，再走到画布近前完成下一个色点。朋友说莫奈经过了二十年左右的研析练习，应早已分解了各种颜色组合的视觉效果，对制造这种颜色的动感矩阵已经手到擒来。这和我在芝加哥史密斯彩色镶嵌玻璃窗博物馆所看到的路易斯·康福特·蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）的彩色镶嵌玻璃风景画效果有异曲同工之妙。彩色镶嵌玻璃在没有光照的情况下所展现出的色泽与光照后完全不同，制作者也必须在头脑中预先形成最后成品的光感效果图，再向回推，安排画面每个局部必须的颜色及玻璃层次。
我很着迷于莫奈这幅画作的动感，街道上喧嚣的人潮，沸腾的空气，飘飞的彩旗，都是移动着的，变化的；但这明明是一副二维的平面画，为什么这种细碎的笔触，层叠交织的色点色块，这种看似毫无规律的涂抹方式会产生一种超越绘画视觉平面之上的触感、听觉及立体动态呢？
还是搞脑神经学研究的画家朋友给我解了惑。她说，在绘画将三维的物理世界转化为平面的二维世界时，画家已将很多本应由人眼感受的部分替视觉神经预先进行了加工。“古典方式绘画强调色彩变化的无痕，尽最大可能替代了人的眼睛完成视觉加工，容易一览无余。把半成品留给眼睛，人们要去 ‘理解’它，视觉神经就有着更多的意识参与和后期加工。这种不确定性和感受歧义，造成了画面动感。”
“视网膜上的感光色素的视锥细胞只有三类，产生红绿、黄蓝、黑白三对抗的神经反应。色觉是到大脑皮层才产生的。分解和跳跃的色彩变化为视觉神经制造了更多加工机会”，印象派画法将色彩分解，提供给人眼一种现实世界的半成品，“而用到极致的光色互补效应更是极大地增加了画面的闪烁感和美感。”
关于这幅画的笔触，朋友说人的视觉细胞分群，不同的细胞群对不同的特定方向感受性不同，对某些方向会特别兴奋。莫奈的《蒙特戈依街道》“关键之处就在于所有的笔触都向一个中心点聚集，碎而不乱，产生一种强烈的向心力。”原来莫奈真的看到了我们普通人所看不到的色彩与光谱间的密切关系，难怪塞尚要惊叹“老天，那是怎样的一只眼啊！”
莫奈精品是《蒙特戈依街道，庆祝1878年6月30日巴黎世博会》。画面上彩旗飘扬、人声鼎沸的蒙特戈依大街世界博览会盛况离近了看，只是一个又一个的小点，人不成人形，旗也没有旗帜的样子；但这些本来抽象的点与块组合在一起，结果竟创造出来一条充满了蓬勃生命力的动感街景！令我最感神奇的当然是莫奈的作画方式：他的胳膊没有长达三米，我猜也不可能每画一个点就退后五步，审视一遍，再走到画布近前完成下一个色点。朋友说莫奈经过了二十年左右的研析练习，应早已分解了各种颜色组合的视觉效果，对制造这种颜色的动感矩阵已经手到擒来。这和我在芝加哥史密斯彩色镶嵌玻璃窗博物馆所看到的路易斯·康福特·蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）的彩色镶嵌玻璃风景画效果有异曲同工之妙。彩色镶嵌玻璃在没有光照的情况下所展现出的色泽与光照后完全不同，制作者也必须在头脑中预先形成最后成品的光感效果图，再向回推，安排画面每个局部必须的颜色及玻璃层次。
我很着迷于莫奈这幅画作的动感，街道上喧嚣的人潮，沸腾的空气，飘飞的彩旗，都是移动着的，变化的；但这明明是一副二维的平面画，为什么这种细碎的笔触，层叠交织的色点色块，这种看似毫无规律的涂抹方式会产生一种超越绘画视觉平面之上的触感、听觉及立体动态呢？
还是搞脑神经学研究的画家朋友给我解了惑。她说，在绘画将三维的物理世界转化为平面的二维世界时，画家已将很多本应由人眼感受的部分替视觉神经预先进行了加工。“古典方式绘画强调色彩变化的无痕，尽最大可能替代了人的眼睛完成视觉加工，容易一览无余。把半成品留给眼睛，人们要去 ‘理解’它，视觉神经就有着更多的意识参与和后期加工。这种不确定性和感受歧义，造成了画面动感。”
“视网膜上的感光色素的视锥细胞只有三类，产生红绿、黄蓝、黑白三对抗的神经反应。色觉是到大脑皮层才产生的。分解和跳跃的色彩变化为视觉神经制造了更多加工机会”，印象派画法将色彩分解，提供给人眼一种现实世界的半成品，“而用到极致的光色互补效应更是极大地增加了画面的闪烁感和美感。”
关于这幅画的笔触，朋友说人的视觉细胞分群，不同的细胞群对不同的特定方向感受性不同，对某些方向会特别兴奋。莫奈的《蒙特戈依街道》“关键之处就在于所有的笔触都向一个中心点聚集，碎而不乱，产生一种强烈的向心力。”原来莫奈真的看到了我们普通人所看不到的色彩与光谱间的密切关系，难怪塞尚要惊叹“老天，那是怎样的一只眼啊！”
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蒙特戈依街道，庆祝1878年6月30日巴黎世博会 莫奈 法国 1878年 布面油画 81×50.5cm
ZT
莫奈的这幅画与巴黎世博会有些关系，却不是艾菲尔铁塔揭幕的1889年那届，而是对现代人生活方式产生重大影响的1878年的巴黎世博会。这届世博会上，隆重推出了贝尔的电话，以及爱迪生的留声机。莫奈见到蒙特戈依街上为庆祝世博会的举办，四处张灯结彩，红白蓝三色旗淹没视野，便用颤动的笔触留下了那一瞬的印象。真分不清，究竟是巴黎的街道在狂欢，还是红白蓝三色在画布上狂欢。画面上只是一个又一个的小点，人不成人形，旗也没有旗帜的样子；但这些本来抽象的点与块组合在一起，结果竟创造出来一条充满了蓬勃生命力的动感街景！
我们很着迷于莫奈这幅画作的动感，街道上喧嚣的人潮，沸腾的空气，飘飞的彩旗，都是移动着的，变化的；但这明明是一副二维的平面画，为什么这种细碎的笔触，层叠交织的色点色块，这种看似毫无规律的涂抹方式会产生一种超越绘画视觉平面之上的触感、听觉及立体动态呢？莫奈的《蒙特戈依街道》“关键之处就在于所有的笔触都向一个中心点聚集，碎而不乱，产生一种强烈的向心力。”原来莫奈真的看到了我们普通人所看不到的色彩与光谱间的密切关系，难怪塞尚要惊叹：“老天，那是怎样的一只眼啊”！
ZT
莫奈的这幅画与巴黎世博会有些关系，却不是艾菲尔铁塔揭幕的1889年那届，而是对现代人生活方式产生重大影响的1878年的巴黎世博会。这届世博会上，隆重推出了贝尔的电话，以及爱迪生的留声机。莫奈见到蒙特戈依街上为庆祝世博会的举办，四处张灯结彩，红白蓝三色旗淹没视野，便用颤动的笔触留下了那一瞬的印象。真分不清，究竟是巴黎的街道在狂欢，还是红白蓝三色在画布上狂欢。画面上只是一个又一个的小点，人不成人形，旗也没有旗帜的样子；但这些本来抽象的点与块组合在一起，结果竟创造出来一条充满了蓬勃生命力的动感街景！
我们很着迷于莫奈这幅画作的动感，街道上喧嚣的人潮，沸腾的空气，飘飞的彩旗，都是移动着的，变化的；但这明明是一副二维的平面画，为什么这种细碎的笔触，层叠交织的色点色块，这种看似毫无规律的涂抹方式会产生一种超越绘画视觉平面之上的触感、听觉及立体动态呢？莫奈的《蒙特戈依街道》“关键之处就在于所有的笔触都向一个中心点聚集，碎而不乱，产生一种强烈的向心力。”原来莫奈真的看到了我们普通人所看不到的色彩与光谱间的密切关系，难怪塞尚要惊叹：“老天，那是怎样的一只眼啊”！
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ZT
《国会大厦》是法国印象主义画家克洛德·莫奈的一系列绘画作品，这些作品都以英国国会大厦“威斯敏斯特宫”为主题。这一系列作品完成于莫奈旅居伦敦的1900至1905年，共19幅（威尔顿斯坦索引编号：1597-1613）。所有作品都是从圣托马斯医院的同一个窗口来画作的，它们的尺寸也全都一样。
《国会大厦》是法国印象主义画家克洛德·莫奈的一系列绘画作品，这些作品都以英国国会大厦“威斯敏斯特宫”为主题。这一系列作品完成于莫奈旅居伦敦的1900至1905年，共19幅（威尔顿斯坦索引编号：1597-1613）。所有作品都是从圣托马斯医院的同一个窗口来画作的，它们的尺寸也全都一样。
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穿过薄雾的阳光下的伦敦国会大厦 莫奈 法国 1904年 布面油画 220x200cm
ZT
克劳德·莫奈（Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。
穿过薄雾的阳光下的伦敦国会大厦这幅画参加1904年伦敦举办的莫奈画展。画面表现出伦敦在大自然的光照中呈现出的各种复杂色彩，画面上紫色,就是人们常说的“伦敦上空紫色的雾”,光彩变幻莫测给人们一种朦胧梦幻的感觉,这就是莫奈心中的伦敦。据说，曾经的伦敦人为了生计谁也不知道雾是紫色的，但看到莫奈在“国会大厦”系列作品中把伦敦的雾画成紫红色，伦敦人异常愤怒。不过，后来他们发现莫奈是对的，继而莫奈被称为“伦敦雾”的创始者。
当年莫奈在巴比松画家户外作画的影响下，开始注意画天空、大气和人物在大自然的光照中的复杂色彩。这些以自然界的光色变化为目标的绘画技巧并非轻而易举。1866年，在完成了《花园中的女人》以后，莫奈的“印象派”风格已初步形成了。正在这时，色当战役爆发，莫奈逃离法国，为避战乱住在阿姆斯特丹，后又到英国。英国的雾都伦敦刺激了他的画瘾，他渐渐学会表现藏在烟雾中的景物。他在海德公园、泰晤士河上画了许多写生作品。散漫的光线极易发挥画家的小笔触功力。比较著名的“国会大厦”系列，有十几幅作品。“国会大厦”系列作品展现的是阳光透过雾气时的效果以及阳光反射到河面上的效果。
ZT
克劳德·莫奈（Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。
穿过薄雾的阳光下的伦敦国会大厦这幅画参加1904年伦敦举办的莫奈画展。画面表现出伦敦在大自然的光照中呈现出的各种复杂色彩，画面上紫色,就是人们常说的“伦敦上空紫色的雾”,光彩变幻莫测给人们一种朦胧梦幻的感觉,这就是莫奈心中的伦敦。据说，曾经的伦敦人为了生计谁也不知道雾是紫色的，但看到莫奈在“国会大厦”系列作品中把伦敦的雾画成紫红色，伦敦人异常愤怒。不过，后来他们发现莫奈是对的，继而莫奈被称为“伦敦雾”的创始者。
当年莫奈在巴比松画家户外作画的影响下，开始注意画天空、大气和人物在大自然的光照中的复杂色彩。这些以自然界的光色变化为目标的绘画技巧并非轻而易举。1866年，在完成了《花园中的女人》以后，莫奈的“印象派”风格已初步形成了。正在这时，色当战役爆发，莫奈逃离法国，为避战乱住在阿姆斯特丹，后又到英国。英国的雾都伦敦刺激了他的画瘾，他渐渐学会表现藏在烟雾中的景物。他在海德公园、泰晤士河上画了许多写生作品。散漫的光线极易发挥画家的小笔触功力。比较著名的“国会大厦”系列，有十几幅作品。“国会大厦”系列作品展现的是阳光透过雾气时的效果以及阳光反射到河面上的效果。
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奥赛博物馆内景
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回复主题： ★★★从卢浮宫到奥赛，欧洲绘画名作巡礼★★★(梵高)
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