继续荷兰三杰之弗美尔：
扬·弗美尔（1632年10月31日－1675年12月15日），是一位17世纪的荷兰画家。他一生都在荷兰陶都代尔夫特（Delft）。
与伦勃朗一样，弗美尔被称为荷兰黄金时代最伟大的画家，他们的作品中都有着透明的颜色、严谨的构图、以及对光影的巧妙运用。弗美尔精细地描写一个限定的空间，优美地表现出物体本身的光影效果、人物的真实感与质感。

弗美尔被称为荷兰黄金时代最杰出的画家，与伦勃朗齐名。他的作品展示了荷兰代尔夫特市民的日常生活，由于画风朴素，他的作品和生活曾经被人遗忘了一个多世纪，直到19世纪中期，由他的才华和成就才被认同。

弗美尔作品大多数描绘宁静、和谐的家庭生活，他尤其喜欢画女性的形像和活动。他流传下来的肖像画中，女性人物有40位，男性人物仅13位。其油画内容通常是一、两个人在室内劳作或休闲，光线一般从左侧照来。

弗美尔喜用黄色、蓝色和灰色，他对色彩的把握和光线的处理非常出众。通常布局简单，尺寸不大，但往往给人巨大的视觉冲击。

他使用了以微小的画点组合（点画法），并且善于使用光线的来源，使画面产生一种流动、优雅的气氛，因而被称为光影大师。

没有人了解弗美尔的技法，但可以肯定的是他经常使用当时罕见的暗箱（Camera Obscura），用以捕捉光线和色彩。当时荷兰著名的科学家列文虎克是弗美尔的好友，此人精通显微镜和光学透视，弗美尔显然从他那里学到了这门技术。

他对画面非常讲究，不论是画面构图、人物比例、光影变化都精致得跟照片一样逼真。以致有评论家认为这不是艺术，但在荷兰的黄金时代，人们并没有把绘画当成一种艺术，而只是一种手工艺，一种谋生技能而已。他的画作通常要花很长时间，基本上都需要两三年的时间才能完成一幅作品，但每一幅都堪称精品。

维梅尔这个人必须好好的研究下——在现在看来应该是对摄影起着绝对性影响力的一个人，从他的画风和技法可以感知到不少摄影方面的雏形。。

大名鼎鼎鲁本斯：
彼得·保罗·鲁本斯（1577年6月28日－1640年5月30日），弗兰德画家，巴洛克画派早期的代表人物。
他的许多画作受到提香、米开朗基罗和卡拉瓦乔等人的风格影响很大。鲁本斯的绘画风格已经基本成熟，也因其出色的画作与圆滑的为人，获公爵提拔为大使，获得经常访问西班牙与意大利各城市的机会。这期间他所创作的名画包括《莱尔马公爵骑马像》、《圣海伦娜》、《竖起十字架》、《※※戴荆冠》，带有威尼斯画派的风格。
鲁本斯所作一批以宗教和神话为题材的油画《复活》、《爱之园》、《末日审判》等，笔法洒脱自如，整体感强。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格对欧洲绘画产生过重大影响，包括德拉克洛瓦、康斯太勃尔和雷诺啊等人，都受到过他的画风的影响。法国至十七世纪后半开始至十八世纪早期，流行一种鲁本斯风格的艺术风潮，主张色彩比线条重要。

神一样的画技之旷世奇才卡拉瓦乔：

米开朗基罗·达文西·卡拉瓦乔（1571年9月29日—1610年7月18日），意大利画家，通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。

卡拉瓦乔的一生醉人、危险而又充满了谜。1600年，他突然出现在罗马的艺术圈，此后就再没有缺少佣金和资助，尽管他将自己的成功经营得很糟糕。关于他最早的评介见于1604年，这份材料描述他大约3年前的生活方式，说“他干两周的活儿就能跨剑大摇大摆逛一两个月，还有一个仆人跟着，从一个球场到另一个，总是准备争吵打斗，因此跟他在一起狼狈之极。”1606年，卡拉瓦乔在争斗时杀死了一个年轻人，人家悬赏他的项上人头，于是他逃离罗马。1608年，他又在马耳他卷入另一场争斗，之后的1609年，在那不勒斯，还是争斗，这次可能是不明来历的对头要取他性命。到下一年，度过十年多一点的画家生涯后，卡拉瓦乔离开了人世。

在16世纪末到17世纪初的几十年间，罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿，需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁，因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。在卡拉瓦乔手中，这种新风格是达到真实性和灵性的工具。

虽然卡拉瓦乔在世时声名显赫，死后的几个世纪里却被人们完全遗忘了，只是在20世纪的最近几十年才被重新发现。尽管他影响了风格主义衰亡后几乎所有的艺术风格，但对新兴的巴洛克艺术才是真正影响深远的。安德烈·贝恩-若夫鲁瓦(保罗·瓦乐希的秘书)评论道：“坦率地说，卡拉瓦乔的工作标志着现代绘画的开始。”

通常来讲：一幅油画只能讲诉事物的一瞬间，而卡拉瓦拉最牛B的地方便在于他能把握住那最重要的一瞬间——也就是大名鼎鼎的“决定性瞬间“，一般来说，通过卡拉瓦乔的画笔，画面内容更为丰富且有着诸多的内涵性（啥也不懂的摄影盲真应该看看卡拉瓦乔是如何作画的）

五：现代绘画
终于到了现代绘画，脉络开始复杂多样化。。

17世纪的西方绘画又开创了一个生气勃勃的新局面。以意大利、德兰德斯、荷兰、西班牙和法国为代表。
一般可分为三大类型：
一：巴洛克：强烈的动势、戏剧性、光影对比及空间幻觉等特点；充满着豪华而富有激情的想象力，充满着空间立体感。
二：古典主义和学院派：古典主义强调理性、形式和类型的表现，忽视艺术家的灵性、感性与情趣的表达；
三：写实主义：拒绝遵循古典艺术的规范以及“理想美”，也不愿意对自然进行美化，即忠实地描绘自然。
18世纪的西方绘画，洛可可风格兴盛一时。与此同时，写实主义也得到发展。洛可可特点：华丽、纤巧、追求雅致、珍奇、轻艳、细腻的感官愉悦。

巴洛克艺术：
    巴洛克艺术是指(16世纪)后期开始在欧洲流行的一种艺术形式，不仅在绘画方面，巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等。

    巴洛克Baroque此字源自西班牙语及葡萄牙语的“不规则的珍珠”(barroco)。作为形容词，此字有“俗丽凌乱”贬抑之意。欧洲人最初用这个词指征“离经叛道”、“不合常规”，原来对这些追求新形式的艺术家是贬义，后来成为一代的代表。

    在欧洲文化史中，“巴洛克”惯指的时间是17世纪以及18世纪上半叶的艺术风格，特别是建筑与音乐。这一时期，上接文艺复兴(1452年-1600年)，下接古典、浪漫时期。

    欧洲文化“除旧布新”，在各方面都有重大的改变与成就。资产阶级兴起，君主政治渐独立于宗教之外(但※※思想萌芽)。科学在伽里略、牛顿等人的开创下展开。艺术上趋势是“世俗(非宗教)化”，精力充沛，勇于创新，甚至好大喜功。文艺上的名家如莎士比亚、塞万提斯；绘画上有鲁本斯，林布兰特等，影响都极深远。也在这时期，欧洲向外扩张殖民，渐渐占据了世界文明的中心。

    巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯开兹、英国的凡·戴克等。他们的画作人体动势生动大胆，色彩明快，强调光影变化，比文艺复兴时代画家还要更强调人文意识。

佛罗伦萨画派是文艺复兴时代形成的美术流派，13世纪末形成，
早期代表画家有：乔托·迪·邦多纳、马萨乔、安杰利科、乌切洛、波提切利等
盛期代表画家有：达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔
15世纪中叶以后佛罗伦萨画派已呈衰退之势，取而代之的是以罗马为中心的罗马画派
16世纪末，由于佛罗伦萨政治上失去独立，经济衰落，以及画家盲目崇拜前辈的结果，逐渐走向风格主义。

文艺复兴至此告一段落

米开朗基罗：（1475年3月6日－1564年2月18日）
文艺复兴时期杰出的雕塑家、建筑师、画家和诗人，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品“大卫像”举世闻名，美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世纪》天顶画和壁画《最后的审判》。他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。米开朗基罗脾气暴躁，不合群，和达芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。米开朗基罗1475年生于佛罗伦萨※※※卡普雷塞，1564年在罗马去世，时年88岁。他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。

奉上一段趣闻——艺术界赫赫有名的“大师之战”：

因蒙娜丽莎而轰动艺术界的达芬奇某日收到委托在600人大厅绘制壁画，题为《卡辛那之战》，
接受委托的他发现城里（佛罗伦萨）流传着“世纪之战”的说法有意调侃的委托者同时派人去了米开朗基罗家，
委托他同时在600人大厅绘制壁画，他起初不同意，但听到是与达芬奇竞赛就同意了，他开始产生斗志。（达芬奇比他年长且名声大）。
为了画壁画，多才的达芬奇发明了木质升降机，终于，他绘制出来了惊人的草图。米开朗基罗见到了前辈的草图大为震惊，米开朗基罗开始回忆自己艰辛的学习过程，比如非法得进行解剖尸体学习人体结构。

完成草图的达芬奇某日来到了米开朗基罗广场，他为之感动，并奇怪得开始怀疑自己的能力。
他一度失望乃至开始研究设计，想要令开门域，避免与米开朗基罗的冲突，但是其实人们的舆论多数偏向达芬奇，他重新找到自信开始夜以继日得工作。

他通过自己对于人体得研究（其实他也犯法得解剖过人体）向商人购买颜料，他通过自己对于材料的研究大胆配置了带有蜡的调料，并完成了画作，随后他就前往了法国。

与此同时，米开朗基罗却因为缺乏壁画绘制经验开始烦躁，因为他根本无法表现。他气急败坏，最后逃离了佛罗伦萨，前往了罗马。

受到打击的米开朗基罗后来接到了委托绘制西斯庭的天顶壁画，他就拼命得完成了这一能令他在后世与达芬奇地位平行的神作。 本帖最后由 论镜之云淡风轻 于 2014-6-16 19:33 编辑

达芬奇

（续）四：伟大的文艺复兴（14-16世纪）

意大利是文艺复兴的中心地，14-15世纪早期画家乔托、马萨乔等把人文思想与对自然的逼真描绘结合，虽还具呆板僵硬痕迹，却显出了与中世纪不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，画家们再真实与幽雅方面达到了同意，有了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。提香、乔尔达内等威尼斯画派画家注重光与影的表现，追求享乐主义的情调，产生了深远的影响。1520-1590年的手法主义画家不关心作品内容的表达，而对形式因素予以极大的热情，热衷于表现扭曲的体态、奇特的透视和绚丽的色彩，反映出与文艺复兴的古典审美精神相异的情趣。另外又有尼德兰、德国、法国的文艺复兴绘画也把意大利风格与本土传统融合，创出了自己的绘画风格。

    文艺复兴是14世纪至16世纪在欧洲兴起的一个思想文化运动，带来一段科学与艺术革命时期，揭开了现代欧洲※※的序幕，被认为是中古时代和近代的分界。※※※※※史学家认为是封建主义时代和资本主义时代的分界。

    普遍认为文艺复兴发端于14世纪的意大利(文艺复兴一词就源于意大利语Rinascimento，意为再生或复兴)，以后扩展到西欧各国，16世纪达到鼎盛。1550年，瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。此词经法语转写为Renaissance，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14至16世纪西欧文化的总称。西方史学界曾认为它是古希腊、罗马帝国文化艺术的复兴。

    14世纪时，随着工场手工艺业和商品经济的发展，资本主义关系已在欧洲封建制度内部逐渐形成；在政治上，封建割据已引起普遍不满，民族意识开始觉醒，欧洲各国大众表现了要求民族统一的强烈愿望。从而在文化艺术上也开始出现了反映新兴资本主义势力的利益和要求的新时期。新兴资产阶级认为中世纪文化是一种倒退，而希腊、罗马古典文化则是光明发达的典范，他们力图复
兴古典文化——而所谓的“复兴”其实是一次对知识和精神的空前解放与创造。

    当时的意大利处于城市林立的状态，各城市都是一个独立或半独立的国家，14世纪后各城市逐渐从共和制走向独裁。独裁者耽于享乐，信奉新柏拉图主义，希望摆脱宗教禁欲主义的束缚，大力保护艺术家对世俗生活的描绘。与此同时圣方济各会的宗教激进主义力图屏弃正统宗教的经院哲学，歌颂自然的美和人的精神价值。罗马教廷也在走向腐败，历届教皇的享乐规模比世俗独裁者还要厉害，他们也在保护艺术家，允许艺术偏离正统的宗教教条。哲学、科学都在逐渐地在比较宽松的气氛中发展，也酝酿着宗教改革的前奏。

   文艺复兴运动起源于意大利北部，一般认为第一个代表人物是但丁，其代表作为《神曲》，他的作品首先以含蓄的手法批评和揭露中世纪宗教统治的腐败和愚蠢，以地方方言而不是作为中世纪欧洲正式文学语言的拉丁文进行创作。

    另一个代表人物是彼特拉克，他认为古希腊、罗马时代是人性最完善的时代，中世纪将人性压制是违背自然的。他虽然对拉丁文学有深入广泛的研究，但用意大利方言写了大量的以十四行诗为形式的抒情诗歌，受到各城市国家统治者的热烈欢迎。

    文艺复兴另一个重要原因是1453年奥斯曼土耳其帝国攻陷君士坦丁堡，东罗马帝国灭亡。大批受到东方文化影响，还保留古罗马帝国精神的人才逃往意大利，带回许多新鲜思想和艺术，在罗马开办教授希腊语的学校，促使了文艺复兴运动的形成。
以下内容由 论镜之云淡风轻 于 2014-6-16 15:53 补充 以下内容由 论镜之云淡风轻 于 2014-6-18 19:59 补充
油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克（1385年-1441年） 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独※※献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
西方绘画对色彩的运用很强调，典型的有拉斐尔的“雅典学院”。这也是西方绘画与中国绘画最本质的区别。
西方传统绘画的另一个特点，是强调描述。长期以来画家们一直是把有效地表现故事和传说、描绘具体的情节，以表达某种寓意或象征，当作自己的任务。这种描述性在杨.凡.爱克的《阿尔诺芬尼夫妇像》上也得到了充分反映。

第二阶段谈西方绘画：
西方绘画主要分为：
一：史前绘画：又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在奥地利维也纳附近的维伦多夫出土的女性雕像被称为“维伦多夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。

二：古代绘画：新石器末期——中世纪（公元前4000年-公元476年，以文字的出现为始，以西罗马帝国灭亡为终）
（1）古埃及——墓室壁画
在古代埃及，有了因艺术的形象造型而产生的“正面律程式”雕刻，产生了固定化的模式的人像雕刻和狮身人面像雕刻。这时创造形象亦为了表达某种神圣的观念，因此有了理性的“规范”和“程式”，人类便开始有了理性艺术。
（2）古希腊——瓶画
而在古希腊，人类的理性精神达到一个空前的高度。表现在艺术上，则追求尽善尽美的高度和优雅，创造了以崇高、完整、概括、庄穆为特点的古典美的典范，表现了对人的歌颂，对理性的崇拜。古希腊人由于更多地画在器皿上，所以能流传下来的真是极为难得。能让古希腊艺术流传得更广的主要是雕塑。
（3）古罗马——庞贝壁画
古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。
罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，它们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。
    马其顿希腊建立了地跨欧亚非三洲的希腊※※国时，在意大利半岛台伯河流域又兴起了一个国家，它历经600年左右的发展终于成为强大的帝国，这就是罗马※※国。它于公元前146年征服了希腊本土，公元前30年击败埃及的托勒密王朝，自此，原来为希腊所统治的广大地区，包括希腊本土，全部归入了罗马帝国的版图。罗马成为希腊之后的西方政治、文化的中心。
    罗马截取了大量的希腊精华，据说当时罗马城人口只有6万，而劫得的希腊雕刻艺术品却有几十万之多。正如 古罗马著名诗人贺拉斯所言：“被俘的希腊反使蛮族主人成为俘虏，她把艺术带给了粗野不文明的拉丁姆。”
    罗马和希腊都是奴隶制国家，又都是半岛国家，但罗马人主要依靠农业为生，在同自然的斗争中培养了对客观事物冷静思考和求实精神，所以务实是罗马人的风格，不同于“外向型扩张”的希腊人的那种浪漫主义气质。这就决定了罗马人的艺术观是求实、写实，缺乏幻想和想像力。罗马人也有神话，但却是沿用希腊的，只不过改个罗马名而已，如，对美与爱之神，希腊人称阿芙罗狄德，罗马人称维纳斯。
    罗马人信仰多神教，相信祖先的灵魂常降临家庭享受祭祀，并保佑家庭成员。有地位的贵族家庭中总设置房间保存祖先的遗容。这遗容是从死者面部翻制的蜡模面具，或是根据面具制作的雕像。这种保存祖先遗像的风俗是古罗马盛行肖像雕塑的社会原因。
    罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。古罗马最早的青铜肖像就是运用希腊人和埃特鲁里亚人所创造的青铜翻制技术，根据面具翻铸成青铜肖像的。这种肖像酷似真人，没有艺术的创造性，不过它却奠定了罗马肖像特别注重人物面部细节刻画的特点。罗马肖像的精神气质主要通过头部表现，希腊人则通过身体姿态动作来传达，所以罗马雕像如果缺了头部，余下的部分就没什么意义了，而希腊雕像的生命充满身体各个部分，即使只剩下断臂残躯，仍然能给人以特有的生命和美感。
    古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。


提到古代绘画艺术史不得不提一个人物：温克尔曼（1717—1768）
温克尔曼是近代美学的开拓者之一，最早对古希腊造型艺术进行认真的研究，并且加以热情赞颂的一个学者，因而掀起了崇拜希腊古典艺术的风气，他的主要贡献在于：他是第一个利用古代的遗物，而不是专靠古代的文献，从事欧洲古代史研究的。。
他从对艺术作品的直观感受出发，经过批评的中介，而达到美学的理论高度。即：艺术作品——直观感觉——分析批评——美学理论。

虽然古希腊的造型艺术品色彩斑斓，所有雕像都用颜料染成五颜六色。如雅典城头一尊大理石女神雕像就涂着红、绿、蓝、黄四种颜色，许多雕像被染成红唇，装饰着宝石做成的明亮眼睛，有的还安着人工睫毛。但是温克尔曼对古代世界的概念是高度理想化的，温克尔曼为世人勾画的是一幅理想主义的画面。（我喜欢这个人的理想主义思想。。）

印度之当代艺术
  国际拍卖市场上的新宠

  总体而言，印度当代艺术作品在国际拍卖市场上的价格和影响力虽然尚不及中国当代艺术品，但它上升得很快。佳士得国际事务亚洲艺术总监说：“和中国当代艺术品崛起于海外的情况不一样，印度艺术是在印度当地强大起来的，我们现在每个拍卖季都会特别辟出印度部分。”

  许多艺术品商人和专家则在传说，印度艺术市场至今没有完全起步，有更多的热钱正摩拳擦掌准备流入。2008年6月，印度艺术家拍出了230万美元的价格，创下纪录，虽然这个数字远低于中国艺术家曾梵志的作品《面具1996 No.6》在香港拍出的970万美元，但依然昭示着一个重要的趋势。更重要的还有一点：印度当代艺术是在本土繁荣起来的，起步并未借助西方关注。这和中国当代艺术形成了鲜明对比。

  陈默在这次参展的作品里看出了印度艺术家创作的三条脉络：“一条脉络是固执地坚守传统；第二条是很当代，和传统几乎无关；第三条脉络是将二者结合。但是当你将这三条脉络综合起来看，你会发现，印度艺术的过去时和现在时都很清晰，血脉紧紧相连，文化、宗教、万变不离其宗。他们的民族性真的坚持得非常完好。我这里说的民族性不一定是传统绘画样式，而是一种文脉和精神。你在这些作品中就能感受到这种精神。”

  反观中国当代艺术，陈默坦言：很多中国艺术家的作品，特别是80后90后的艺术，“和我们的民族文化几乎没有关系了。现在年轻艺术家有几个人在读书，读了几本书？对汉语文化、民族文化又有多少了解和理解？”

  印度的艺术家塔伊布•梅赫塔、安尼什•卡普尔、弗朗西斯•牛顿•苏萨、苏博塔•古普塔来，四年前不名一文，四年后，其作品瞬时以N次方的倍数增长。反应迅速的藏家和艺术品商人们掀起了一浪高过一浪的“印度热”。
本帖最后由 云雨后的天晴 于 2014-6-15 15:07 编辑

印度美术是印度文化的重要组成部分，已有5000余年的※※，内容深奥，形式丰富，独具特色，自成体系，对亚洲诸国的美术曾产生过巨大影响。印度美术不仅具备印度文化的一般特点，而且与印度的宗教、哲学关系极为密切。就其原初意义而言，印度美术往往是宗教信仰的象征或哲学观念的隐喻，而非审美观照的对象。

印度艺术风格的演变不仅受形式美自律性法则的支配，而且更受印度宗教、哲学嬗变的制约。以印度艺术的两大系统──佛教艺术和印度教艺术为例：佛教伦理学注重沉思内省，佛教艺术便强调宁静平衡，以古典主义的静穆和谐为最高境界；印度教宇宙论崇尚生命活力，印度教艺术便追求动态、变化，以巴洛克风格的激动、夸张为终极目标。而晚期大乘佛教被印度教同化蜕变为密教，密教艺术也倾向于巴洛克的繁缛绚烂。同时，印度的古典主义并不完全摒弃华丽的装饰（酷爱装饰是印度艺术的传统特色之一）；印度的巴洛克风格也并不完全排斥静态的表现（“寂静”是印度教吠檀多哲学的宇宙精神“梵”的本义之一）。因此，只有深入了解印度宗教、哲学的奥义，才能准确把握印度艺术乃至印度文化的特质和精髓。

传统 ——印度艺术的发展阶段及宗教特色

　　印度艺术的精神类型是什么？印度学者许马云·迦比尔在《印度的遗产》一书中谈到了这个问题。他认为，印度统一的地理环境造成了※※统一性，而印度地处热带的湿热气候，则让印度人形成了一种“缓慢的气质”。加上长期以来的宗教信仰和种姓制度，让印度人信奉宽容、忍从的文化精神。

　　西方绘画早期的题材大都是宗教故事，在这一点上，印度也很突出。大约从孔雀王朝（约公元前321年～公元前187年）时代开始，佛教就成为印度的重要宗教。古印度著名的犍陀罗艺术，就是一种佛教艺术。犍陀罗艺术是亚历山大东征(公元前334～前324年)时遗留的西方文化与东方文化融合的结果，以希腊、罗马式装饰手法表现印度、罗马题材，后流传到中国新疆地区，为中国的绘画、雕刻、建筑、工艺美术带来了某些希腊罗马风韵。

　　笈多王朝（公元320年～550年）时期是印度佛教雕塑艺术的巅峰，而中世纪南印度艺术和北印度诸王朝美术则将繁琐靡丽的华美雕刻和充满激情的青铜造像留给后人，其中“舞王湿婆”青铜像曾受到罗丹的赞誉。

　　到了著名的莫卧儿王朝（1526年～1858年），※※※教传入印度，简洁明快又装饰富丽的莫卧儿风格※※寺代表了印度※※※教美术的最大成就。在绘画方面，当时有许多来自波斯的建筑师和画家供职于莫卧儿宫廷，他们带来了波斯的文化艺术，加之西方绘画的传入，并与印度本土的传统风格相互交流、融会，开始形成独特的莫卧儿细密画。

　　总体而言，印度的古代艺术风貌一如这个国家的风貌：色彩艳丽鲜明，造型华美夸张，对来生和往世的信仰处处体现。在凸显浓厚民族特色的同时，也吸收了许多来自欧洲和西亚的艺术因子。

犍陀罗( Gandhara)地区是指今巴基斯坦北部和阿富汗东北部地区，公元一世纪的贵霜王朝的中心区域。犍陀罗艺术主要指希腊化的佛教艺术，由于亚历山大东征到了这一地区，并建造了很多“亚历山大城”，酷爱艺术的希腊人将他们的审美和艺术风格影响到了佛教艺术，因此希腊艺术的很多元素也通过佛教的传播进入了中国。

转自——悦目赏心 De 古风遗韵

本帖最后由 云雨后的天晴 于 2014-6-15 12:25 编辑

绘画是一种在平面上以手工方式临摹自然或非自然，以其达到二维（平面或三维）效果的艺术，
在中世纪的欧洲，常把绘画称作“猴子的艺术”，因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样，绘画也是模仿场景。

绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度，它既可以表现现实的空间世界，也可以表现超时空的想象世界，画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解，因为绘画是可视的静态艺术，可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验，所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。

已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞（Grotte Chauvet），部分※※学家认为它可以追溯至32000年前。那些画经由红赭石（red ochre）和黑色颜料作雕刻及绘画，主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。石洞壁画在世界各地均十分常见，例如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚及印度等。

印度绘画的“六支”
在前1世纪，印度的绘画发展出谢丹伽（sadanga），意即"六支"，说明了印度传统绘画的六种法则。3世纪哲学家伐蹉衍那（Vātsyāyana）的著作《欲经》中在13世纪加入的一条注释列举了以上六点：

形别（Rupabheda），对于对象外形的认知。
诸量（Pramanam） ，对于对象的大小及结构有正确的认识。
情（Bhava），对于对象外形的感觉。
美（Lavanya Yojanam），加入优雅及艺术性的表现方法去表达对象。
似（Sadrisyam），与对象的相似性。
笔墨（Varnikabhanga），以艺术性的手法使用颜色及画笔。

从其后出现的佛教绘画可以看出六支被后期出现的印度画家采用，并成为他们作品的基本元素。
中世纪的印度绘画开始发生几个重大的转变，其原因是受到伊朗艺术的影响。在此期间印度绘画出现了不同的学派，

中世纪后期则由有"印度写实画之父"之称的拉加·拉维·维马（Raja Ravi Verma）所主导。

绘画体系：
一般认为，从古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲力中心的西方绘画，是世界上的两大绘画体系。
这两大绘画体系在※※上互有影响，对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。

岩石壁画：

这是谁？偶像帕西诺是你么？？—— PS的描边用在头发上效果不错 本帖最后由 云雨后的天晴 于 2014-6-14 21:19 编辑

先来一张试验品。。TNND，PS自带的油画描边真是不靠谱。

BTW:实在调不好的废片就转黑白

本帖最后由 云雨后的天晴 于 2014-6-14 21:24 编辑