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完形心理学的视觉法则

心理学的定义

    完形心理学是探讨人类对于图像的认知反应的一种学问，它是心理学发展中的一个重要分支，对于视觉影像工作者而言是十分重要且基本的技能。在讨论完形（Gestalt）的意义以前，有必要先对心理学的发展有一些基本的了解。心理学（Psychology）这个字是由希腊文psyche（心或精神）及logos（研究或学科）演变而来。按照字面上的意义解释，心理学是「研究心灵或精神」的学科。过去身心二元论的时代，心理学的研究局限于心灵层面的探讨，因此昔日的心理学是十分主观又缺乏科学实证的学门。随着科学的不断进步，心理学在本质上逐渐转变为系统化、客观性及依赖科学实验的学问，同时心理学界开始主张人类的身心并不能切割，「行为」是身心一体的结果。由于「行为」具有客观性，而且可以观察量度并加以量化分析，因此人类的行为研究逐渐成为现代心理学的重心。

    心理学家Kurt Koffka于1925年曾为心理学下过一个定义：心理学是探讨生物和外界环境接触时产生相应「行为」的科学。而「行为」则包含两种意义：一是具象可观的反应，如说话、动作或可以量测之生理变化；二是抽象不可观的反应，如人内在的动机、情绪、思考、知觉等等。现代心理学的研究可说是内外兼具，涵盖了人类所有可观、不可观的心理活动历程与表现，因此它是研究个体行为与心智历程，经过缜密观察与测量而建立的科学。

何谓格式塔

完形心理学之发展--场之理论与格式塔

    Gestalt这个字源自德文，它有两种涵义：一是指形状（shape）或形式（form）的意思，也就是指物体的性质；另一种涵义是指一个具体的实体和它具有特殊形状或形式的特征。Gestalt如果用在心理学上，它则代表所谓「整体」（the whole）的概念。而以Gestalt为名的「完形」心理学（Gestalt psychology）于20世纪初发源于欧洲，它主要是在研究人类知觉与意识上的问题，「完形」心理学反对结构学派（Structuralism）以自我观察、自我描述等内省的方法分析意识经验的成份，以及行为主义心理学派（Behaviorism）过份强?#123;动物实验，完全排斥心智历程的作法。一般而言「完形」心理学视心智历程和结构为心理学的内涵，企图以比内省法更科学的方法，来分析了解人类如何对于视觉刺激产生视觉上的认知概念。此一学派在国内有人以「完形」称呼，也有人以其发音直译为「格式塔」心理学。因此「完形」心理学和「格式塔」心理学其实是同一名词。

   「完形」心理学派是以Gestalt作为其理论之主轴，他们认为人类对于任何视觉图像的认知，是一种经过知觉系统组织后的形态与轮廓，而并非所有各自独立部份的集合。易言之，「完形」心理学的基本理论认为：「部份之总和不等于整体，因此整体不能分割；整体是由各部份所决定。反之，各部份也由整体所决定」。由此一观念推论，人们在欣赏一幅图画或一张摄影作品时，画面里的每一个部份形成了各自独立之视觉元素，如果想让观者留下深刻的视觉认知，元素与元素之间必须彼此产生某种形式之关连。人类的认知系统，如何把原本各自独立的局部讯息串联整合成一个整体概念，正是「完形」心理学派主要的研究课题。

    虽然Gestalt这个字起始于视觉领域的研究，但是在实际应用上它却超越单纯的视觉甚至于整个感觉领域。完形心理学大师Wolfgang Kohler认为，Gestalt其形式或形状上的意义在完形心理学中已退居次要地位，并非完形学派的主要研究中心。广义地说，完形心理学家是用Gestalt这个术语，来研究心理学的整个领域。虽然完形学派陌l展※※很短，但是它对于人类视觉「场」之形成与视觉上「整体性」（wholeness）之问题，曾经有十分独特且深入的研究成果，对于人类的视觉认知有很大的贡献。可惜的是，完形心理学的学说与假设很难经由科学的实验加以验证，由于后继者少，终于日渐式微。

    在探索完形理论以前，我们可以阅读书籍和图像来加以说明，人们在阅读一段英文写成的文章时，看到的是一个个由26个字母组成的单字，再由每一个单字彼此间的相对关系与文法结构，串接成一个可以被他人了解完整的文字意义，而非一连串各自独立的长短符号与间隔。同样的情况，一般人在欣赏一幅图画或一张照片时，阅读的也是由不同浓淡、色彩、造形、轮廓和形式组成的完整图像，并非彼此毫无关连的独立区块。而观众在欣赏一部电影时，所接受的讯息也是由连续的画面与声音等组成的叙事情节，而不是一连串各自独立的停格片段。由此可知，知觉过程中最自然也最关键的工作项目，就是将不同时间与空间之讯息作一次整合。唯有如此，才得以让讯息的接受者能从容不迫地接收并处理随时涌入的大量讯息。

何谓格式塔

完形心理学之发展--场之理论与格式塔


     纵观「完形」心理学的发展※※，由早期研究人类的知觉现象开始，到后来应用在学习、认知、谘商等心理学领域，贡献可说十分卓著。由于它的理论是由德籍学者以德文撰写，内容非常艰涩难懂，加上学习的人很少，使得这个学派逐渐为人淡忘忽视，它的发展时间仅仅祇有20年左右光景。直到1950年代由于航空运输的普及，美国科学家为了飞航技术的理由，开始研究人类的视觉与环境之关系，过去「完形」心理学派研究发展的许多视觉理论，才又重新受到科学家的重视。1970年代随着计算机科技的昌盛，为了「人工智能」研究的需求，关于人类大脑、神经的视觉生理及心理学的研究有了十分重大的突破与成就，在科学家渐渐揭开人类视觉生理之谜的同时，才又重新检视并肯定过去「完形」心理学派对于人类视觉认知所作的贡献。
1970年代起「认知」心理学开始蓬勃发展，「完形」心理学过去的研究成果也为「认知」心理学奠下了深厚的基石。因此，很多心理学家将「完形」心理学视为「认知」心理学的先驱。如果要严谨地探讨「完形」心理学对于现代艺术发展之影响，其实应该将它的※※画分为欧洲与美国两个段落来加以讨论。

（1）德国时期（Bauhaus艺术及建筑学校）

    「完形」心理学派的诞生大约是在1912年的德国，当时Dr. Max Wertheimer（1880~1943）发表第一篇有关「现象」的论文，首次对「完形」心理学作了有系统的陈述，因而发展起来。 Wertheimer认为视觉元素的组织是所有心智的基本，而且是与生俱来的，并不须要刻意去学习。他把视觉元素组织的因素定名为知觉组织律（perceptual organization），也就是后面要讨论的接近性、相似性、连续性、封闭性等完形律。 Wertheimer并首度提出所谓「群化」的原则，对于过去画家在「呆板」与「散漫」的画面之间，祇知道「统一中求变化」的构图原则，建立了一个严谨的理论基础。七年后另一个对于20世纪现代艺术具有举足轻重地位的包浩斯（Bauhaus）艺术及建筑学校，也由建筑师Walter Gropius在德国威玛（Weimar）创立。他们对于人类在这段期间由于科技昌盛衍生的问题，同样采取一种整体统合的方式。虽然「包浩斯」艺术及建筑学校与Dr. Max Wertheimer领导的「完形」学派并无直接传承的关系，但是「包浩斯」充满实践精神的艺术走向，以及对于「视觉场」之研究与视觉元素间的数学性与表现性的分析，其实两者的精神是十分一致的。

    「包浩斯」艺术及建筑学校是一所相当于大学层级的美术学府，这所学校的艺术走向与传统唯美主义与古典主义相反，采取「形式服从功能」及「以少胜多」作为创作的指导原则。它的设校精神是将艺术与工业技术结合，认为「艺术与工程应该互相受益，不必向19世纪一样彼此视同陌路」。因此「包浩斯」实际上是一所讲求功利主义与务实精神的美术学府，强?#123;理论科学与实证观念同样地重要。「包浩斯」艺术教师在设计课程时特别重视形式分析与色彩结构的基础训练课程。如何将艺术的创意与熟练的工艺技能及科学知识相互结合，并符合20世纪工业化大量生产的需求，是「包浩斯」教学上的一大特色。

    这所学校的师资阵容包括：20世纪重要的美术理论家及观念艺术家,其中Paul Klee和Wassily Kandinsky更以亲身的创作经验，加以系统整理，编成有条理具创见的教材。Kandinsky并以色彩实验的作品强?#123;单纯颜色的心理效应，开启「抽象艺术」（abstract art）的风潮，被称为抽象画的鼻祖。「包浩斯」提供学生自由创作的学习环境，尊重任何形式的创作，鼓励学生透过动手来发现问题，并解决问题。这种Workshop式的教学绞剑?蔀楝F代美术教育的先驱者。尤其目前各国的大学大多将建筑系列入理工类别而非人文学科，并要求学生具备较强的数理背景，据信与「包浩斯」教学的成功有关。

    「包浩斯」筹划各种崭新的美术课程，试图用一个完整方法来解决高度工业化与科技发展下所衍生的问题。「包浩斯」的许多老师与Dr. Max Wertheimer同样深信：其实物理学的力学原理与人类的知觉系统十分类似，它们都在不断寻求一个简单而安定的状态。因此Dr. Max Wertheimer与「包浩斯」的教师们便首先提出「场」（field）之观念，并把建筑结构学（Structure）的理论应用在设计课程之中。他们巧妙地将纯艺术与纯科学的课程融合在一起，并且结合工艺生产与实践经验。其中Moholy Nagy开始采用感光材料不经由照相机直接曝光的实验，完成抽象拼贴的影像（C5-5），最终到达传统摄影相当的作品。这些当时十分前卫充满实验性的观点，彻底扭转了20世纪建筑与设计的教育方向。

    唯「包浩斯」的教学理念后来逐渐受到政治及外在学术势力的干预，1925年被迫迁校。不到10年光景又由于失去当地市※※的支持，1932年再度搬迁至柏林。1933年?#123;粹政权强迫该校关闭，执教的老师们多数疏散逃亡至英法等国，随后陆续辗转投奔美国。值得一提的是，「包浩斯」创办人Gropius后来进入哈佛大学讲学；Rohe来到后来改名为伊利诺技术大学的建筑、计划和设计学院执教；Nagy则在1937年于芝加哥创立了New Bauhaus学校，可惜祇维持短短1年时间。这批大多成长于欧洲具有创新观念的杰出艺术家们，后来成为领导20世纪全世界建筑、绘画、设计、摄影与美学理论的※※人物。

（2）美国时期

    「完形」心理学派初期的核心人物因?#123;粹德国的破害，后来陆续辗转由欧洲移居美国。由于Max Wertheimer、Kurt Koffka及提出「顿悟学习」之Wolfgang Kohler等三位学者之介绍倡导，「完形」心理学在1930年代才逐渐被美国心理学界所熟悉。而Dr. Max Wertheimer任教于柏林大学时期的受业※※Rudolf Arnheim，则是「完形」心理学得以大放异彩的关键性人物。

    1928年Arnheim获得博士文?#123;后，便因定期发表默片之电影评论，而钻研苏联、美国及德国表现主义（Expressionism）电影资料，1932年写成一本将电影视为一种媒体来讨论的电影理论专书----Film as Art。1940年Arnheim移居美国纽约，并获得古根汉奖助金，从事将艺术与视觉心理学（尤其是完形心理学）沟通搭桥的工作。他特别着重于研究空间、形式、色彩、律动等在视觉上的作用，以及这些作用与艺术作品之关系。1945年他完成一生的经典著作-----《Art & Visual Perception》（艺术与视觉认知）（如图C5-6），也为艺术行动与观看行为之间找出两者的共通性。同年，他应聘在Sarah Lawrence学院任教。1968年Arnheim离开劳伦斯学院，赴哈佛大学Carpenter艺术中心教授艺术心理学课程。1969年他又发表Visual Thinking一书，阐释「视觉思维」在艺术创作的作用。他认为艺术作品不是临摹自然，艺术家的工作也不祇是观察事物，而是在于发现事物之本质。1974年Arnheim自哈佛大学退休，随即应聘担任密西根大学访问教授，直到1984年二度退休为止。他在美国大学教授艺术心理学期间，勤于著述才将这一名称很奇特的「完形」理论发扬光大，成为完形心理学集大成之一代宗师。

    19世纪著名的物理学家包括：法拉第（Michael Faraday）、赫兹（Heinrich Rudolph Hertz）、赫姆候兹（Hermann L. Helmholtz）等多位，他们在电磁学与重力场的领域获致十分显?耐黄萍俺删汀Ｔ跉v经许多次的实验之后，他们提出了一个假设：在物理世界里存在了一种所谓的电场、磁场与重力场，在场中的所有元素会因为某种形式彼此共鸣的力量（sympathetic force）而凝聚在一起，场中的元素与元素间会彼此影响。它们不是彼此互相吸引，就是彼此之间互相排斥。这种彼此相互牵引的力量受制于元素之尺寸、质量、位置及靠近等因素。Dr. Max Wertheimer之视觉研究受到当时新发现的物理学定律影响，他认为和物理世界的「场」一样，在人类的知觉世界里应该也有一个极为类似的「场」存在。相对于人类视觉世界的便称为「视觉场」（visual field）；和人类生活、学习等情境相关的是「知觉场」（perceptional field）。人们知觉到此一场地，并加以利用再把握这个整体，而至完形（Gestalt），因此「完形」心理学被称为「场地论」（field theory）。

    「完形」在「视觉场」中的定义是：在「视觉场」中的各种力量组合成一个自我完满而平衡的整体。在一个「完形」中，任何元素的改变都将影响整体以及各部份之本来特性，因此整体是大于或不等于部份之总和。而「完形」法则证实了Dr. Max Wertheimer的视觉观点：一个物体被人们感觉的方式由它存在于「场」的状态或条件所决定。也就是说，人类「视觉场」中的诸多元素，不是彼此吸引形成一个整体（grouping），就是彼此排斥而各自独立（not grouping）。「完形」心理学所归?#123;的认知结论，其实就是描述在「视觉场」中整体（grouping）的认知如何形成。除此之外，心理学家Kurt Lewin及Fritz Perls利用「完形」理论与法则，研究发现潜藏在人类知觉系统内某种群体化的动力，因而建构了一套临床心理学之完形治疗法（Gestalt Therapy），在心理治疗上是一种崭新的观念与尝试。

    在任何一个「视觉场」中（也许是一幅画或某一场景），能否把其中的几个视觉元素连结起来，看成一个有组织的外观轮廓，端视这些元素之间是否存在知觉上的某种关连性。为了找出元素间并不真实存在之关连性，完形心理学派找到了若干著名的原理及法则，被称为Gestalt Law（完形法则）。它们有在前面已经叙述过的「图与地」之概念，还有对视觉创作十分有用的「相似性」、「对称性」、「连续性」、「封闭性」、「共同命运」及「异质同形」等法则。这些被完形心理学派研究归?#123;出来的视觉规律，可以帮助平面图像的创意与设计人员，辟建一条能够穿透点线面及空间重重繁琐之造形、色彩、图案、质感、动作等罣碍，进而通往形成视觉认知的道路。

    事实上，「场」的范围与观念还可以扩充至人类的社会与生活，如由多数人组成的封闭团体------公司、学校、社区、族群等也形成了一个类似的「场」，「场」中的元素------同事、同学、家庭、同宗等团体成员也会彼此影响。其中兴趣相同、背景类似、年龄相近的成员可能彼此吸引，进而时相往来，这也是成语「物以类聚」的最佳批注。反之，种族、身份、地位、个性、教育程度差异较大的，就容易产生疏离感甚至冲突磨擦，关系也会比较淡薄或对立，这个现象和完形法则的「相似性」十分吻合。此外，每个人在面对日常工作时，一定要做完一个段落才愿意罢手，否则心里会有不安的感觉。这也是完形法则的「封闭性」的鲜明写照；未完的工作（象征未封闭）将会造成心理上的张力与沮丧感。而在迈入21世纪的现代社会，人们早已摆脱农业社会的旧有体制，崇尚自由及简单的社会关系与价值。这种现代人公认的生活态度与形式，也和完形法则源于简单（simplicity）的原则相仿。因此「简洁不累赘、功能单一」的形式蔚为21世纪服饰、家俱、建筑、汽车等产品之流行时尚，甚至于也成为现代人处理人际关系的原则与方针。

    因此，要评断一位画家或摄影师他的视觉表现水准，究竟是高是低，并不能祇考量观察其技术与美学的表现而已，还要审视他（或她）对于存在于「视觉场」内各种元素间关系的敏感度是否够高而定。诚如完形心理学的主要理论：「整体与组成部份之和不同」，读者可以选择去看各自独立由C、A、M、E、R、A组成英文字母，也可以看成一台单眼相机的图像。而后者就是将所有的元素看成一个整体，这种将视觉元素聚集成单一形像的动作，其实这就是一种「完形」（Gestalt）。

希望对色友的摄影创作有所帮助.

我来跟wuhwei老师探讨探讨 ：

笔者认为；情况允许的条件下，单反式专业数码相机关应掉显示屏，用传统取景器取景。一来可以持稳相机，二来可以省电。
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单反式DSLR的液晶显示器不能作为取景器，那是用来回放照片的。

精确白平衡（手动设定模式），是在拍摄现场光的条件下，用白纸或白色物体充满镜头视野进行白平衡调节。经过这样的调试再拍摄，记录的色彩将是非常准确的这是目前最准确的白平衡调节方式。
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如果要取得精确白平衡的话，应该用18%灰卡。

４、技术上讲，数码相机的曝光区域要比传统相机好得多。即使底于2.5档的曝光不足或超过2档的曝光过度,数码摄影所拍摄的画面仍能够接受。
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数码相机的宽容度没有这么大，仅仅相当于反转片，过曝引起的灾难尤其明显。

1、成像原理的不同；传统的摄影成像原理，是通过控制光线和快门，决定通过镜头的曝光量，在胶片上的银盐产生化学反应，在底片上产生景象的潜影，然后冲洗和扩印，或者制作成幻灯片。银盐颗粒粗细决定着画面的清晰度。而数码技术的成像是通过CCD或CMOS电子元件记录光信号，并通过二进制的数字构成影像，其表述影像质量的指标也从线对数变成了像素和色彩深度。
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数码摄影也是通过控制光线和快门，来决定曝光量的。所不同的是传统的感光材料是化学药品，数码用的是光电效应。其实在曝光的那一刻，所以的相机都是共通的。就算没有相纸，只是用一张白纸放在相纸的位置上，由一个画师来描画曝光景象，也是相同的。

这三条原则是：一个主题 + 一个能吸引注意力的主体 + 简洁明了。。。
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这一段好像是纽摄开篇第一段吧

先探讨这点了。

数码摄影的几个基本点

    1.传统摄影知识
    虽说数码摄影的感觉与传统的胶片摄影大有不同，但要肯定的是，本质上是一回事，理论共通，形式各异。许多玩数码摄影的朋友并不是从传统摄影的阵线转变过来的，可以这样说：不是因为摄影而选择数码，而是接触了数码而喜欢上摄影，所以，不可避免的，对于传统摄影的理论基础比较薄弱，许多概念模糊不清，似懂非懂，整体摄影水平比不上胶片派的色友。表面上看起来，数码派的色友站在科技最尖端，摄影最前列，其实下盘功夫不稳，经不起胶片派的下三路猛攻，也对自己在摄影中出现问题的本质原因困惑不解。所以，数码派应苦练内功，利用数码机经济、易拍、直观等优点，边拍摄边思考，结合理论知识，掌握基础摄影理论和技巧，治疗先天性贫血。
    
    2.数码后期制作技术
    这个后期制作的重要性大家都明白，无需多说了。许多数码色友对后期制作的认知，也只停留在图片下载、浏览、存盘，最多来个裁减什么的，比起传统暗房，数码后期制作的各方面优势简直可以算是一间图像制造工厂！只需电脑一台，即可变化无穷，应有尽有！如果广大色友放弃这个梦幻工场，那真是无尽的损失。深入数码后期制作，也需一定的图像处理知识，具备相当的图像处理基础，限于专业知识的不足，色友们知难而退，不愿深究的心情也是可以理解，唯一克服困难、掌握技术的办法，还是实践结合理论，学习学习再学习，发扬数码派的先天优势，以数码的优势攻胶片的不足，使数码派的优势不仅仅停留在表面，而把它扩展到更深的层次.

    3.自身审美素质及专注精神的培养
    摄影首先是一门艺术，与其他艺术形态的不同之处在于，它必须借助于科技的手段来实现，跟社会的进步和科技的发展息息相关、紧密结合，不管实现的方法是借助以化学方式（银盐胶片）或是物理方式（CCD感光技术），最后的结果必须是符合人们的审美观点的，否则不能称其为艺术作品，我们不能要求观赏者的审美观与自己的一致，只能让自己的作品符合大众的口味.许多作品也并不是妙手偶得，隐藏在美景背后的，是无数的心血和等待，和对艺术日积月累的沉淀，毕竟一个小小的取景框中看到的内容和无所遮拦的双眼所看到的大有区别，和脑海中期待出现的景象更有不同，再好的技巧不等于优秀的作品.

不管你以前对摄影是一窍不通,还是已经颇有造诣，无论你提高摄影技术的目的是为了做一名业余的摄影爱好者或是做一名赖以维持生计的专业摄影家，我们都会产生共鸣。
    对于任何摄影上有所成就的佼佼者来说，最重要的一点就是发展你的“眼力”，即学会观察。你一定见到过一些漂亮的照片：“我多想能拍出一张这样的照片啊！”但是如果仅是看看，是无法提高摄影技术的。
    当你见到一张很美的照片时，你能说出它为什么美吗？能说出这些作品的作者们是怎样制作这些照片，才使它们那样光彩照人的吗？当然，有时候报刊杂志会告诉你拍摄这些照片时所用的相机的牌名和镜头，甚至所用光圈及胶片。这些都是技术性的细节，然而它对你拍出好照片是毫无帮助的。就如同你知道了达·芬奇作画时所用的颜料和画笔的名称,却无法画出<<蒙娜丽莎>>那样的名画来。
    在摄影这个过程中，最重要的就是要知道应当追求什么。
    在日积月累地吸收了关于照片中应当追求什么之后,你就会开始对于如何观察、摄取你周围世界中美丽景物有自己的方法和见解。这种发现周围世界中美的景物的能力和技巧，就称着为“摄影者的眼力”。
    下面有三条原则，只要你注意这三条原则，你就会发现，你不久就能够用一种新的眼光去观看、分析和评价一幅美丽的照片了。而更重要的是，你将会开始用一种新的标准、新的方式去观察世界，从而用新目光来抓取你的镜头了。

    这三条原则是：一个主题 + 一个能吸引注意力的主体 + 简洁明了

认识白平衡
在传统摄影里几乎没有这个概念。所谓白平衡，就是在不同的光线条件下，调整好红、绿、蓝三原色的比例，使其混合后成为白色。使摄影系统能在不同的光照条件下得到准确的色彩还原。应当讲这就如我们人眼一样可在不同的色光下辨别固有色。这就如用滤色片校色一样。只是数码相机不是依靠换用滤色片来调整色温，而是利用电路改变不同色光所产生的电信号增益的方法来实现。

    数码相机白平衡的调整通常有三种模式；自动白平衡，分档设定白平衡，精确设定白平衡（手动设定模式）。不同的相机设有不同调节白平衡的方式。一般的普及型的数码相机大都采用自动白平衡。准专业数码相机大都设有分档设定白平衡。专业的数码相机设有精确白平衡（手动设定模式）。专业数码相机这三种模式的白平衡都拥有，准专业数码相机拥有自动和分档设定白平衡。可根据使用着的不同需要而选用。

    自动白平衡，是依赖数码相机里的测色温系统，测出红光和蓝光的相对比例。再依据次数据调整曝光，产生红、绿、蓝电信号的增益。自动白平衡最大的优势是；简单、快洁。但有时按它的调整拍摄离准确的色彩还原还相距甚远。有时它还会帮到忙。

    分档设定白平衡，是按光源种类分和色温值分两类。现在大多数数码相机都是按光源种类分的这类。在相机上分别设有日光、阴天、日光灯、白炽灯、闪光灯的图标档位。拍摄时只需将拍摄时的光源种类和相机上的白平衡档位相吻合就可拍出较为准确的色彩。但由于分设档位少，分设档位的精度不高，在一些特殊光照条件下拍摄就不能准确的记录色彩。按色温分类的白平衡，理论上讲其精度要高于按光源种类分档。但它要求使用者要记住各种光源的色温值，这就给使用者带来极大的麻烦。故用此分档白平衡的相机较少。

    精确白平衡（手动设定模式），是在拍摄现场光的条件下，用白纸或白色物体充满镜头视野进行白平衡调节。经过这样的调试再拍摄，记录的色彩将是非常准确的这是目前最准确的白平衡调节方式。

    白平衡的功能给我们摄影带来了许多的便利和意想不到的效果。如摄影棚摄影对灯光的色温要求就可不必那么高。白炽灯下依然可拍出准确的色彩。也不必为日光灯给我们带来的青色而烦恼。我们可以在较高色温条件下设定白平衡，在较低色温情况下拍摄，使画面带上暖色调。反之，也可在低色温条件下设定，在高色温下拍摄也可产生特别的效果。在分档设定白平衡里，也可有意的将光源档与现场光设定不一致，亦可同样的产生不同的艺术效果。

1、焦距知识的原则与变化；由于我们已习惯了用135的镜头焦距来表述镜头的特征。对数码相机的镜头数据很不习惯。其实，当我们习惯以后，你就会发现这种表达的原理是一样的。原因是，135相机的底片是24×36mm，而数码相机CCD的面积较小，要达到与135相机一样的视场角就必须向前靠。这样其焦距的数值就变的较小。如5mm等。由于CCD较小CCD的前移，还带来对焦距变化的影响。着在专业相机上的表现尤为突出。在专业相机上（佳能、尼康），有一个比值的问题。就是说有焦距比值数的换算。照相机厂家会告诉你；焦距的比值是1：1.4或1:1.6。这就是说；镜头的焦距数是28mm,装在专业数码相机上，其焦距就变成28mm×1.4等于39.2mm。这对喜欢使用长焦距镜头的人无疑是一件好事。但对常常要用广角的人来说无疑是一种灾难。不管是灾难还是兴事，我们还是要知道这种换算。

    135相机镜头焦距值=数码相机焦距值×40/CCD芯片对角线长

    在数码相机上经常会有光学变焦和数码变焦的问题。什么是光学变焦？光学变焦就是光学镜头的变焦，它的清晰度、分辨率都较高。它的优点、缺点从事摄影得人都很清楚。而数码变焦（Digital Zoom）就有一点让人搞不清楚了。所谓数码变焦，就是将用于成像的CCD的※※区域所形成的影象，加以插值放大而成。就相当于，在135胶片中一小部分区域的影象进行放大。其清晰度、颗粒度就可想而知了。无论从理论上讲还是从实际效果上看，数码变焦都不很理想。过高倍率的数码变焦只会使图象变的十分粗劣。

    2、数码镜头景深的计算；应当讲，从传统相机到数码相机镜头语言变化最大的就是景深的问题。友人说过；当你使用了数码相机以后，也就失去了许多光学镜头的视觉语言。这个视觉语言就是景深。我们在学习景深时的原则还是存在的，但是，却变味很多。你会发现，镜头的景深变的十分深。无法虚化背景。从事摄影多年以来建立起来的镜头感觉，一下子找不到了。当然，从事新闻、纪实摄影的，可以运用大景深，更好的交代环境。

    造成大景深的原因，还是CCD面积小，距镜头的理论中心点比较近，其焦距小所至。如何建立新的景深概念？有人推荐一经验公式：

    F（135光圈值）=nF(数码光圈值)    n;是数码与135相机焦距值之比

    例如；一数码相机的镜头焦距是7mm，相当与135相机35mm镜头。它的镜头焦距比值是：n=35/7 ，n=5。当用数码相机F2光圈拍摄时，其景深效果相当于135相机光圈是多少？将已知条件带如公式，5×2=10。既数码相机F2光圈时的景深相当于135相机F10时的景深。

    由此可知，数码相机一般不适用于虚实对比强烈的题材。拍摄时需要仔细选择背景，以免背景的杂乱影响主体。

    3、数码摄影的曝光；使用过数码相机的人都会有这样的感觉，在显示屏上的现场光亮度以及艺术用光的安排，与拍摄下来的画面的效果完全不同。总体上是亮度都变大了，反差都减小了。这是什么原因？这里就牵涉到数码摄影的感光曲线和数码摄影的记录光比（感光宽容度）的能力。数码摄影的感光曲线与我们所熟知的胶片的感光曲线是由明显的不同。数码摄影的感光曲线如同一个台阶，这个台阶的形成CCD的特性所决定的。它是把广泛变化的图象信号通过数字转换器,转换成一个分段式的系列,形成如同阶梯式的密度级。每一个色调值(信号)都成为一个数字数据,这个数据是由0和1变成的密码。他的变化趋势呈一条直线。对于一个三比特的转换器的每个像数来说,可有8个不同灰度级的一个数据,可被记录下来。但事实上这些信息至少被分成8比特256个灰度级。高解像率相机后背甚至可达到每个红、绿、蓝、输出可达12个比特4096个灰度级。这个比特灰度级亦被称之为“色彩深度” 对于数码摄影来说,有效的控制影调和色彩,要比胶片摄影实行起来要容易的多。因为我们可以在电脑上对影调和色彩进行再调整，可在拍摄时就没有记录下来当时的影调和色彩，到了电脑上还是无法获得你想要得影调和色彩。但数码摄影与胶片摄影一样也有一个宽容度的问题。对于数码摄影来讲就是记录景物的亮度范围,是景物的最大亮度与景物的最小亮度之间的间距大小。数码摄影的宽容度值为1∶32， 较彩色片的1∶64，黑白片的1∶128都要小的多。也就是说他的宽容度比较小。这主要是数码摄影的宽容度由于白电平和黑电平的切割，曝光曲线上没有胶片曝光曲线的肩部和趾部的弯曲所至。所谓白电平，就是画面中最亮的部分。超过此线以上的亮度在图象中不能得到区分。黑电平是图象信号中最黑时的视频电压值。黑电平线到视频电压为零这段的画面是黑色的。也是无法分辨细节的，都被表现为同一种黑。只有1—32倍亮度范围内的亮度才能被正确表现出来。在拍摄时如果景物的亮度反差比较大，就有可能失去亮部和暗部的一些细节。自然界广阔的亮度范围被严重的压缩了。

正确曝光的几个诀窍:
? 1．在测取读数之前，首先看一看自己是否能正确估计曝光。
?2。平时注意节省电池。如果发现测光表失灵且忘了带电池，可把快门速度调在胶片感光度ISO值的倒数上，例如胶片是1S0100／21。，就把快门速度调在1／100秒上，在晴天拍照，反转片用F16，负片用F11。
?3．烛光会严重影响测光表，应该适当地给镜头遮光。
?4．可以试着把远摄镜头作为点式测11光表使用。
?5．在暗弱的光线下测光表不能显示读数时，可以转动胶片感光度指数盘，把ISO值提高，直到测光表显示出读数为止。然后增加曝光值，例如开大光圈。感光度ISO值每提高一倍，光圈要开大一级。
?6．使用超广角镜头拍照时，须先用标准镜头测光，然后再换上超广角镜头拍摄。
?7．昏暗的光线下使用反转片，应当曝光不足半档至一档，以便保持色彩饱和。

在这里查到国外有一个A80拍摄的图片网站，感兴趣的朋友去看一看。
http://www_pbase_com/isabel95/canonpowershota80

再贴。

再贴。

在计算机上表示色彩会遇到与亮度类似的问题。特别是在电子出版时, 表示颜色要求越逼真越好, 所用数据要求越少越好。
   计算机表达色彩, 也只能用有限的颜色数。例如大多数游戏软件用 256 种颜色; 新出现的有 32768 色(R、G、B 各 32 色) , 65536 色( 为了提高亮度的分辨能力将绿色增加到 64 色) , 和所谓的真彩色 1667 万色(R、G、B 各 256 色) 。
255,0,0   0,255,0  0,0,255  255,0,255  255,255,0  0,255,255
   打开 Photoshop 的调色板, 可以看到它对当前颜色用四种座标系表示.分别是 HSB、 RGB、 Lab、 CMYK。其中 CMYK 是一种与胶版印刷相关的色系, 我们先不必去了解它。 HSB 是一种与 Lhc 类似的表达方法。 H 是色相, 与 h 相当, S 是色饱和度, 与 c 类似, 但数值不同, B 是亮度, 与 XYZ 中的 Y 相当, 我们可以分别修改它们的数值观察它们之间的关系。其中最重要的关系是, 当 RGB 三个值相等时, 色饱和度等于 0。这说明要得到纯灰色, 只要令 RGB 三色相等就可以了。
要得到一张色彩出色的照片，我一般先用A80照一张色块丰富的照片，用数码出一样片，这样在计算机屏幕上调教色彩，以后所有的数码数据，在屏幕上调整就可以冲印的照片效果相同。