正确曝光的基础 3种基本测光的应用技巧
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   让我们来了解如何测光，在不同情况下需要使用不同的测光方式，才能让我们得到正确的曝光。同时，掌握好测光，可以让我们更好的发挥光影创意，在平常的场景中，拍摄到非凡的作品。
    
    首先我们来了解相机的测光方式。相机的自动曝光功能是以自动测光系统为基础，以画面景物18％反光率为前提而实现的。因此，测光决定曝光，针对不同的光线条件，选择合适的测光方式对实现正确曝光至关重要。目前市场上数码单反相机，都有以下三种基本测光方式：多区测光、※※重点平均测光和点测光。三种基本测光方式的标识

    阅读本文，将能帮助摄影初学者：

    1、了解分区测光模式、※※重点测光模式和点测光模式的适用情形。
    2、了解曝光锁定的使用方法；
    3、利用“点测光”方式，得到精确的主体曝光。

    一、分区测光

    对整个取景画面的各区域测光值进行综合运算得出的曝光值。分区测光，不同厂家的名称不同，尼康为“矩阵式测光”、佳能为“评价式测光”、美能达（索尼）为“蜂巢式测光”，等等。虽然名称不同，但测光原理基本都是相同的。

    这是相机默认的基本测光模式，使用率最为普遍。在取景范围内光线比较均匀，明暗反差不大的情况下，几乎都能让你得到一张满意的照片。图1：仙人掌

    当时的场景光线很平，取景区内的仙人掌色彩和光线都比较平均。使用平均测光模式，就能得到一张曝光正确的照片。

    二、※※重点平均测光

    是以取景范围※※的30％左右的区域平均测光为主的测光模式。

    当需要表现的主体在取景范围中间部分，而环境明暗与主体有较大的差别时，选择※※平均测光，偏重对※※大部分区域测光，能使主体的曝光较为准确。图2：故宫

    这张片子的构思是利用前景突出一种压迫感，表现故宫的尊威。拍摄的时候，主体城楼的和前景的光比差异较大。使用※※平均测光模式，整体测光以在取景大致处于中间部分的城楼为主，拍摄出主体曝光合适，前景成为剪影的照片。符合构思目标。如果使用平均测光模式，主体可能曝光稍过，而前景的阴影中留下太多细节，使画面显乱。

    三、点测光

    又称重点测光，是对取景范围中的1～5％区域内测光。与点测光接近的另外一种测光方式为“局部测光”，只是测光面积比点测光大。

    点测光模式用的很少，也不易掌握。但在某些情况下，点测光却能发挥出重要的作用。了解在何种情况下应该使用点测光，并能正确使用点测光，一方面可使主体曝光精确，另一方面利用“感光宽容度”来创造出现实中无法看到的奇妙图片。下面将重点对如何用好点测光模式作图例说明。
    
    点测光模式适用条件：

    点测光方式在取景内光线分布不均而且反差很大的情况下适用。这种情况如果不用点测光，可能会造成需要表现的主体曝光不正确，太亮至白或者是太暗没有细节。

    曝光锁定：

    在使用点测光模式前，需要了解曝光锁定的使用。相机点测光的测光点在取景区的中心。使用点测光的时候，需要把取景区中心点（点测光的测光点）对准需要表现的主体来测光。如果在你想要表现的取景中，表现主体并不在中心点，可以先用点测光的测光点对准表现主体进行测光，并使用相机的曝光锁定功能锁定对主体测光的数据，最后根据自己的想法，重新构图，对焦后按下快门。大多数相机的曝光锁定都有专门的按钮，能够使我们得以轻松的在曝光锁定后重新考虑构图。但也有一些相机曝光锁定和对焦都是通过半按快门实现，假如测光点和对焦点并不一致，例如图2的测光点是太阳边的云彩，而对焦点是建筑物，就需要先对云彩点测光后曝光锁定，然后重新构图对建筑物对焦。有些相机不能提供单独的曝光锁定和对焦锁定，也可以先对主体点测光后记下曝光数据，然后把相机的拍摄模式设置为M档，按点测光的数据设定曝光数据，然后进行构图和对焦。图3：荷花

    从取景环境看，需要表现的主体荷花较亮，而荷叶等较暗，且茎杆参差影响构图。如果按照平均测光，那么平均测光值就会偏向较暗环境的光线强度，拍摄得到的结果是花叶、池塘曝光正确，而我们要表现的主体荷花确是惨白一片（曝光过度）。
    
    拍摄这张片子的时候，因为荷花反光较多，荷叶和池塘反光少，利用相机的点测光功能，对主体荷花花瓣进行点测，就能对荷花正确曝光，突出荷花色彩好细节佳，而池塘曝光不足，黑暗掩盖了层次的茎杆，更好的强调了主体荷花。图4

    这是一部置于屋内的自行车。大概是下午的时候，屋里没有开灯，阳光从门外照进来。在取景范围中，光线分布极不均匀，反差比较大（肉眼能够清楚的看到自行车轮胎和车后面的背景）。

    拍摄的时候，点测亮部的钥匙，锁定曝光后，重新构图。因为前面的反光比较强，导致背景几乎纯黑一片，使画面相当地简洁，突出自行车局部的线条和弧度。事实上，这也是摄影的魅力所在。它反映的虽说是真实，但由于胶片（或CCD等）感光宽容度太窄，又与真实看到的不一样。可以说，如果不是用相机拍摄，肉眼是看不到这样的效果的。通过对感光宽容度的了解，预测拍摄的效果，利用点测光，从而在杂乱、平凡的景物中，提炼出这张有意思的片子。图5

    拍摄人物的时候也要注意测光，人像摄影最重要通常就是表现人的脸庞。这张图片利用自然光，拍摄时对面部进行点测光，使面部正确曝光，周边环境、衣物由于曝光不足变得黑暗。画面简洁人物突出，类似影室里用背景布的感觉。如果平均测光，就会造成周边环境清晰，人脸过曝显得惨白。图6

    这幅作品拍摄于SRAS期间，地铁的入口处，阳光反射强烈，人影长拽，周围环境阴暗，给人一种未知而恐惧的感觉。其实，拍摄时肉眼看到的环境很亮，点测反射阳光的地面为曝光值，使周边环境暗化，突出反射的部分亮处和人影，从而营造出这种感觉。如果用平均测光，得到的是一种曝光正常，周边环境较亮的片子。图7

    拍摄的时候，先点测反光的亮部，曝光锁定后，对焦在螺钉上拍摄。点测在拍摄这张作品中起到的作用是，使亮处曝光正确，形成明暗对比，突出工业题材的线和面。

    通过对以上基础知识到了解和掌握，再经历实际的尝试和经验积累，相信初学摄影的朋友也能够拍摄出令人满意和惊喜的照片。本文所用的摄影图片由黎俊辰、刘正杰、兆昕拍摄。

测光表是愚蠢的
测光表是愚蠢的，它不会思考，也不聪明。摄影者都是极具天赋的，因此我们应该利用聪明才智去指导测光表工作
测光表所能做到的只是测量照射到其光电元件上的光线。但我们必须决定测光表应该 ＂看到＂哪些光线。我们必须保证测光表正在读取的光线是我们想要测量的光线。比如，我们想要为一个朋友拍照，该怎样确定其脸部的＂正确＂曝光呢
首先，测光表必须知道胶片的ISO感光速度。如果我们使用的是内置式测光表，在插入DX编码的暗盒时，SLR就会自动地＂了解＂这一信息。对于老式照相机和手持式测光表，可以设置感光速度盘给出该信息
其次，测光表＂读取＂的光线必须是从我们朋友的脸上反射过来的。所以，我们必须将镜头（或手持式测光表）对准其脸部。例如， 这时测光表告诉我们以f/8的光圈和1/60秒或等效的组合值（比如f/5.6和1/125秒）进行拍摄。就内置式或手持式测光表而言，不管是采用彩色胶片还是黑色胶片，这样的曝光量都可以获得赏心悦目的面部色调。<BR>　　测光表如何知道什么是＂赏心悦目的在面部影调＂呢？它其实并不知道我们快门速度和光圈的哪种组合值能够产生出18％的灰色影调。
　什么是18％的灰色影调呢？为什么不是25％灰色调、50％灰色调或是99％的灰色调呢？原因在于平均场景中的光线经过平均后得到的是大约18％的灰色影调，因此决定了<BR>　　18％的灰色调。不管我们是采用彩色胶片还是黑白胶片，这个读数都是正确的。<BR>　　这时，我们可能马上又会想到许多问题。什么是平均场景呢？是一个滑雪道、海滩、霓虹灯还是一张脸？这张脸是饱经日晒的深褐色脸庞，还是斯堪的纳维亚金发女郎的娇艳的容颜，又或者是一张非洲黑人的脸呢？
正如我们前面提到的那样，测光表是愚蠢的。当我们将测光表对准一堆白雪，它将告诉我们怎样使得白雪呈现出18％的灰色调。同样，当我们将其对准一个煤球时，它将告诉我们怎样使得黑炭呈现出18％的灰色调。如果我们想要雪是白色的，炭是黑色的，就不能让测光表去完成了。因为它不会，所以我们必须自己去完成。

[影子shadows 编辑于 2007-10-31 11:47]

测光方式
   
    
数码相机的测光系统一般是测定被摄对象反射回来的光亮度，也称之为反射式测光。蜂窝型的多区测光感应模块

测光方式按测光元件的安放位置不同一般可分为外测光和内测光两种方式。

（l）外测光：在外测光方式中，测光元件与镜头的光路是各自独立的。这种测光方式广泛应用于平视取景镜头快门照相机中，它具有足够的灵敏度和准确度。单镜头反光照相机一般不使用这种测光方式。

（2）内测光：这种测光方式是通过镜头来进行测光，即所谓TTL测光，与摄影条件一致，在更换相镜头或摄影距离变化、加滤色镜时均能进行自动校正。目前几乎所有的单镜头反光相机都采用这种测光方式。

不同测光模式下拍摄的照片在单镜头反光相机中，测光元件的放置主要有两种方案：一是放置在取景光路中目镜附近，如图中A、B、C所示，这种测光方式称为TTL一般测光；二是放置在摄影光路中，光线从辅助反光镜或由胶片平面、焦平面快门的叶片表面反射到测光元件上进行测光，如图中D、E所示，这种测光方式称为TTL直接测光。目前相机所采取的测光方式根据测光元件对摄影范围内所测量的区域范围不同主要包括点测光、※※部分测光、※※重点平均测光、平均测光模式、多区测光等。

点测光模式：测光元件仅测量画面中心很小的范围。摄影时把照相机镜头多次 对准被摄主体的各部分，逐个测出其亮度，最后由摄影者根据测得的数据决定曝光参数。
※※部分测光模式：这种模式是对画面中心处约占画面12%的范围进行测光。
※※重点平均测光模式：这种模式的测光重点放在画面※※(约占画面的60%)， 同时兼顾画面边缘。它可大大减少画面曝光不佳的现象，是目前单镜头反光照相 机主要的测光模式。
平均测光模式：它测量整个画面的平均光亮度，适合于画面光强差别不 大的情况。
多区测光模式：它对画面分区域由独立的测光元件进行测光，由照相机内部的微处理器进行数据处理，求得合适的曝光量，曝光正确率高。在逆光摄影或景物反差很大时都能得到合适的曝光，而无需人工校正。理，求得合适的曝光量，曝光正确率高。在逆 光摄影或景物反差很大时都能得到合适的曝光，而无需人工校正。

没有图上，就查资料。

摄影构图体会
     黑白灰

　　无论彩色片还是单色片,都具有层次,(黑白灰),在色彩中一般红色紫色深蓝明度低,感觉重,黄色浅绿等色明度高,感觉轻.有些片子感觉沉闷,就是层次没拉开!一张片,要有一处"白"来透气,要有一处"黑"来点睛.

　 （2）点、线、面

　　 一张片子,不管内容多么复杂或简单,它内在的构图要素还是点线面.点线面是相对的,小的面可称为点,宽的线也可称为面.一张片,不能全是点,那就叫一地芝麻!不能全是线,那是斑马!不能全是面,那叫有眼无神.最好点线面都具备,线与线最好不要垂直相交.(那有种机械感)我们并不是追求点线面为目的,说穿了,点线面,就是在讲究画面内容形状的处理,避免形状的雷同.

　　通常,天空,地面,水面,房屋顶墙壁等可以称为面;路,树干,水纹,建筑物的边等可以称为线;远处的人,近景中的几片叶,小的窗户,灯,云朵等,可称为点.

　 （3）光线

　　光线-------色彩之母,没有好的光线,一切景物都是死的!!很多朋友容易忽视这一点.比如有一位青岛朋友拍的教堂,看得出花了功夫,长焦广角都用上了,但说实话,效果一般,还属于生活照,到此为一游,为什么?就是不注意选择光线,我们平时看电影,一看到下雨刮风就会想到一场悲剧要上演,特别是一些香港电影中,在一些紧张情节的用光上,简直夸张到了无以复加的地步,比如晚上毒品交易,一条长街道,街道尽头一盏巨大的蓝色背景灯,一人影或一线车从背景中出来,长焦,有用军用望远镜看的那种感觉,有时为营造效果,还得放一些烟雾,在一些衔接镜头的处理上,也很夸张,嘎---的一声,车停,门开,一双铮亮的皮鞋,逆光,长长的脚影...还有,仓库的排气扇不停的转,一道道的光影...这些用光的表现手法虽然粗俗,但这是最好的教材料.

　 （4）透视

　　透视-----近大远小的视觉规律，还包括：近高远低，近长远短，近实远虚，近处色彩鲜艳，远处色彩变淡变浅变灰。。。

　　透视-----是表现空间感的有力手段！通常广角透视夸张，空间、立体感得到强化；长焦则压缩透视，前后物体贴得紧，空间感不强。（我们有时也把这种强列的透视变化称为视觉冲击力，但不是全部）

　　（5）色彩

　　色彩------不仅仅指颜色，还是一种感受，一种比较，一种心理，一种修养。

　　可以这样分类：明度，纯度，色相，对比色，调和色，冷色，暖色，环境色，光源光，补色，视神经，色彩的联想，色彩的重量。。。。。。太多了，讲不完，讲几条主要的。

　　色彩的联想：

　　红色代表激情，精力充足，残暴。。。

　　蓝色：高贵，冷淡，伤感，忧郁，沉静，孺弱。。。

　　黄色：天真，活泼，明朗。。。

　　绿色：希望，和平。。。

　　紫色：高贵，高雅，不稳定，神经质。。。

　　橙色：热情，外向，低档。。。

　　白色：（和黑色一样，严格的说不算颜色）纯洁，做作。。。

　　黑色：死亡，消极、神秘。。。

　　视神经：

　　举个例子，眼睛盯着一张红纸一段时间，红纸移开，眼前会出现一片绿色，为什么？视神经的调节现象。

　　补色：就是最相反的颜色（教科书上说的是色轮中对立的颜色）与人的感受有关，比如，红与绿，黄与紫，蓝与橙。。。

　　冷色：青、蓝、紫等象征冰和海水的颜色。。。

　　暖色：红、橙、黄等象征火焰的颜色。。。

　　对比色：色相上差别大的颜色：红与蓝，蓝与黄，橙与绿，白与黑。。。

　 (调和色-类似色-龄近色)：色相，明度上比较接近的颜色：红与紫，蓝与紫，黄与橙，黄与绿，绿与蓝，黄与白，橙与红。。。。。。。

　　光源光：主要指光源的冷暖。

　　环境色：色彩与色彩间的相互影响。以一个放在窗台上的红苹果为例：阴天，光源色是冷的，苹果的受光部可能变为带冷色的品红，背光部可能受环境色的影响而呈带暖灰的大红、蘸红色；晴天，则相反，所以说色彩不是孤立的固有色，而是受光源、环境影响的复合色！！

　　色彩的轻重：色彩有重量：红、蓝、黑、深紫、深绿属重量级；黄、粉红，浅绿，淡紫属轻量级。

　　----我认为最要注意的是色彩的轻重、冷暖协调。

　 （6）质感与视觉心理

　　质感、视觉心理------（风马牛不相及的事，放在一起讲算了：）

　　------人的眼睛对什么亮度最舒适？

　　好像还没有谁研究过，不过肯定不是纯白或纯黑！就像我们的房子室内装修一样，我们现在一般不会用纯白色来涂墙壁，那样太刺眼，不柔和。

　　------人的眼睛对什么色比较舒适？

　　有人马上会说：我喜欢蓝色、我喜欢红色。。。。这只是性格决定对色彩的偏向。先把它放一边。

　　我想，太灰，太纯的颜色对人的眼睛都不合适。整体而言，浅灰色是令人舒服的，但有时也需要有对比，比如说你喜欢吃牛肉，但不能餐餐吃牛肉：）你喜欢红玫瑰，但又讨厌到处都是玫瑰红。当然，有人喜欢强烈对比，喜欢刺激，喜欢红衣服绿背景，这。。。这。。。有点俗：）

　　人的眼睛还有一些不喜欢：不喜欢抬头看太阳，不喜欢某些时候的逆光，不喜欢太光滑，太人造的东西。。。（说到质感上来了）

　　质感------人的手也好，眼睛也好，都喜欢触摸令人愉快的东西，这可能就是质感吧。大自然中的一些东西，如水、石头，原木、沙滩，以及一些人造的东西，如丝绸、麻料、打火机、斑泊的旧墙，婴儿的脸。。。总是令人愉快的。是它们的质地使人愉快，没有社会原因，就象男人爱女人，是天性。。。。。。

　　（7）摄影的特征

　　我不能理解一些老玩家玩大型机器，好像很懂套路，什么区域曝光了，什么解像力了，什么颗粒了（职业需要的例外），那不是摄影，那只是玩过程，他们与工匠没区别！

　　那么，摄影是什么呢？----------我们应该跳出这个圈子，横向比较：

　　摄影、绘画、雕塑、电影电视、都是一门视觉艺术，各自具有鲜明的特点，摄影的特点应该可以理解为，时间、空间、瞬间，（有人干脆说是瞬间的艺术）这是摄影的灵魂！

　　摄影作品-------应该具有一种味道，一种照片味。（这里面应该包含一些元素：颗粒感、质感、瞬间的凝固。。。）

　　有些人---对摄影走进了种种误区，就是把根本的目的忘了，而把一些技术手段当成了最终目的！比如，以单纯追求层次细节为美（那些玩大型机的最讲究这个了），以追求景物本身的美为美（千里迢迢出门，就算拍回了几张精致的明信片又怎么样？）；比如以追求光线氛围为美；以追求质感为美；还有的干脆以各种焦段带来新鲜的视觉感受为美。。。。这些都是脯助手段，是一盘菜中放的调料。

　　如果有人说：这片拍得好啊，像一幅水墨画。那么这不是一张很成功的照片。

　　如果有人说：这画画得好啊，像一张照片。那也肯定不是一幅好画。

　　画有画的味：画画讲究笔触，讲究过程，讲究写意，讲究似是而非。。。特别是写意国画。

　　我在想，时代在发展，相机的功能也在逐步变化，从一种非常严肃的记录工具，变为一种。。。一种创作工具吧。就像绘画，由最初的留影写实功能变为纯艺术，因为相机的出现，使最高明的画家也比不上最低劣的相机。而摄像机|电影电视的出现，使相机的作用又发生一些微妙的变化。相机可能介于绘画、摄像之间，这个位不好定。

　　有些人喜欢拍组照，一些大师们评片时总喜欢说：不错，如果拍成一个系列可能更好。我不这么认为，这是过份强调了相机的功能，拍组照，还不如拍电影记录片，因为电影更适合。

　　单张、经典-----正是摄影的魅力。（传世作品中，组照比例点极少。）

　 （8）黄金分割

　　---------黄金分割、画面中一个点与周边块面的关系。

　　我们平常说的黄金比，即0。618的比例，大约处在1/3的位置上，据说是从维纳斯雕塑中发现这一美的规律，不是说处在这个点上的东西就美，而是指处于这个点上，整体就协调，很舒服。数字1-10中，7是最有品位的，因为它正处于黄金比上：有人认为黄金比是小儿科，用多了，就时不时玩一把正中的、对称的"破常规"构图，这很肤浅！最近我在想，黄金比绝不仅仅是把人或物体安排在画面1/3处这么简单！绝不是一条线中某个点的位置！------它是全方位的，立体、综合之比。它包括：

　　1、一条线上某个点的比例：---*--------这根线可以是纵向的。

　　2、面与面之间的比例；

　　3、黑、白、灰之间的比例；

　　4、色调冷暖、色块颜色之间的比例；

　　5、光线明暗之比例；

　　 我们见过高手下围棋，开局第一颗棋子落上去，嘿嘿，那是眼观四路，耳听八方，气象万千，讲究的就是一个比例与精确啊。

　　一张照片，从某个角度来说也是如此。画面关键性的"点"的位置，起到了对整个画面的分割和分配作用！！！画国画的人最讲究这一点了，一笔下来，落在什么位置，对画面空间的分配起到什么作用，需要左看右看，上看下看：）并不是为画什么而画什么，实际上是在经营空间，而这个空间不能雷同。所以国画中的技法中常说什么："疏可跑马，密不透风"、"知白守黑"等等，其实都是指如何避免块面的雷同。

　　不厌其烦，再举些例子：拍一个物体，假设背景是纯的，如果这个主体在正中间，那么不是指这个位置不好，而是指这个物体四周空白的面积大小相同，不美！移动一下物体，周围空间面积大小便发生了变化，这就是我所说的画面中一个点与周边块面的关系。

　　不管拍什么，都可以把画面中的一切具象物体看成是一个点，一块面，一根线，（空白也是如此）这时候，你就达到了"看山不是山"的境界了。

数码相机摄影技巧

随着数码的不断普及，数码相机(DC)已不再是罕有的物体。而数字化的今天，对人们在原来的拍摄技艺的基础上又提出了新的要求，不少初级用户反映：数码相机拍摄出来的图片暗淡，欠缺活力、噪点多、景深浅（特别在微距模式下）、偏色等。但摄影本来就是心灵与光线沟通的桥梁，要掌握传统拍摄技艺并非易事。下面就让笔者为大家简述一下数码相机在拍摄中必需注意的问题，同时也讲述一些拍摄前后的事项。

1、 浏览说明书
　　很多用户都不喜欢厚而繁琐的产品说明书，一般买数码相机购回后都喜欢自行摸索。当然，在摸索过程中会出现一些惊喜，但这会花费的不少时间，而且也不能以最短的时间系统了解你手中的产品的特性；如果看过说明说后再操作的话还可以避免一些错误操作。因此在初接触新品时，应简要先浏览一回厂家为大家用心汇编的说明书，熟悉一下数码相机的基本菜单与功能。以后再有所不明时也可以翻一翻它，会有所收获的。

2、 合理选用图像格式
　　我们都很清楚，数码照片的质量与象素（分辨率）有关，象素越高图像质量就会越好。而经实际情况的推算，200 万象素的数码相机大约与 1200 dpi 的扫描仪拥有同等的数字影像撷取能力，而 600 万象素的数码相机则可视为与 2400 dpi 的扫瞄器同级。若只是使用一般的平台扫描仪进行相片数字化，那么数码相机只要 200 万 ～ 300 万象素就可轻易地胜过 35 mm 相机了。不过，如果输出 4"x6"，约 A6 大小，使用 200-300 万象素足可满足一般人的需求。而若只是用于电脑72 dpi的显示器，要求就更低了，分辨率为1024X768，才约为80万象素，任何一台二百万级别的DC都可以游刃有余。因为数码相机储存空间有限，因此我们要因地制宜，合理选用分辨率，如：只用于PC的，对于本人的SONY DSC-S75一般使用1280X960；如应用于印刷，一般采用1600X1200；拍生活照时当然用2048X1536。在要求不高的情况下，压缩标准也采用STANDARD，这可比FINE的压缩标准存多一半的图片呢！

3、 构图与思考
　　对于摄影有一定了解的用户来说，都清楚明白准确构图的重要性。如：若不是拍摄特写，一般应把主体放在画面的1/3处，同时尽量避开杂乱的背景，从特别的视角来拍摄，尽量捕捉物体的细节与个性，利用一些斜线或曲线的背景构图会让整体画面看上去更为生动。

　　另外，我们要善于运用二维的眼光观察。因为摄影只有二维空间，它通过透视关系（即光和影的造型效果为参照物）来表现空间感，不同于从两个不同角度观察事物的三维人眼。不过，现时的数码相机绝大部份都有直观LCD取景屏，而且其视野率均在90%以上，有些接近100%，如S75就达99%。可以直截了当地观察到空间感和距离感是否足够，可做出及时的调整。不过一般的数码相机LCD的分辨率都比较低，清晰度一般不能令人满意，但笔都对S75还是挺满意的。可也不能迷信于它，因为在实际上使用中发现：在LCD中显示曝光轻微过度，在电脑的显示器中显示曝光量度刚好。这也是有部份用户总是拍出暗淡图片之因。 　　而且LCD耗电量也一直让"色友"们头痛，因此有不少"色友"在拍摄中还是习惯于使用光学取景器，就考虑到光学取景器的视野率只有80%-90%，而在拍摄近特写还要记得它可是旁轴的呀！当然，想拍出壮观的画面还得闭上一只眼睛，用两只手的拇指和食指搭一个"镜框"，把眼前的景象想象成一幅印在书里或挂在墙上的画……

总之，相机是拍摄的结束，之前的过程才是关键。

4、 不要迷信DC的自动模式
　　首先，和传统相机另一个最大的差别是DC有一个白平衡。这有点类似于传统摄影中的色温，也正是由于初学者没有重视这白平衡，所以才会生产偏色。DC一般都提供有自动、室内、室外、手动四种模式，初学者都信赖AUTO，可往往拍出的图片偏了某一颜色，只要我们细心注意LCD取景窗是可以看出的。当我们刚拍摄到某一实物，该实物一般偏重某一颜色，假如蓝色，这时DC的白平衡会自动偏向于蓝色，再拍摄其它实物时自然也是会偏色的了。这点虽然在LCD中会体现出来，但初学者一般都没发觉。同时，有些模式也不尽完善，如：SONY的DC在室内模式下都有"蓝色综合症"现状，因此我们还是尽可能使用手动白平衡为好。而且，还要密切留意LCD的色彩变化，一发现该白色的不是白色，就得重新对白色的实物取光修正白平衡。另外，有些数码相机也具备了自动包围式白平衡的功能，以便记录准确的色彩信息。

　　其次，光圈、快门的控制。建议若有手动的也应使用手动模式，因为自动模式下通常拍出来的图片暗淡，特别是窗内，噪点也多。因为在室内拍摄时，DC一般会自动提升ISO值，如：SONY DSC-F505V在室内一般达282左右，而感光度与影像质量成反比关系，即选用的等效感光度越高，影像质量越差。这和传统感光材料的特性类似，只是在数码相机上这种特性表现更为明显。因为传统摄影中，我们通过选择不同的感光度胶卷或者通过"提速增感"来改变拍摄时的感光度，但是数码相机就不能这样做，它只能通过提高CCD的灵敏度以及电路的增益来提高CCD的反应速度，即牺牲滤波性能和分辨率指标为代价，这样做就会产生一个信号噪声的问题，并最终在画面上留下痕迹，这一点和传统的高感度胶卷的粗颗粒十分类似。所以在用数码相机拍摄时，若想获得好的成像质量应尽可能地选择低的等效感光度，或直接固定在最小值。

　 再次，DC都有微距模式，而且数码相机的广角一般较大，达F2.0左右。在自动模式下，相机的程序也倾向于使用较大的光圈以缩短快门时间，防止震动。但摄影常识告诉我们，照相机镜头的收缩一般从最大光圈收缩两级左右拍摄的照片效果最好。尤其是在微距模式下，如：SONY DSC-S75在拍一些手机按键时，只有中间部份清晰细腻，周边的都带轻微的模糊。因此，我们最好使用光圈先决或全手动模式，使用较小的光圈以扩大景深。如果相机没有光圈优先功能，可以试着尽量提高环境亮度，让相机自动选择较小的光圈或者使用闪光灯，图像质量也能有所改善。

5、正确用光、与光线对话
　　光是摄影的灵魂。因此我们要留心光线的变化，不仅是光的强度，还有光的方向，用心与光线对话。如：落日把晚霞染成红色，象征着浪漫；阴暗的天空呈现出灰色的冷色调，象征着忧郁；树荫中撤下一束阳光，透射出欢乐、愉悦的情绪……。

　　分辨光的强度
　　硬调光通常是由单一光源发出的，比如：太阳、聚光灯、闪光灯或单只灯泡。在这种照明下，被摄体反差较大，细节和质地被突出。你可以运用这种光线获得纪实效果。
与此相反，漫射光线产生的光质较软。室内间接的照明，户外的树阴和阴天时都属于这种情况。在这种光线条件下拍摄肖像和静谧的户外风景都是再理想不过的了。

　　讲究用光角度
　　用光的角度不同，被摄体的质感会相应地被强化或削弱，被摄体的形状就会被突出或被淡化。照片的基调是愉快的还是忧郁的，也会因用光的角度不同而有所不同。从相机上方或后方（通常称之为正面光）投射过来的光线会降低被摄体的层次感，原因是正面光不利于营造高光和阴影。较好的选择是让光源偏于一侧，同被摄体成大约45°角的侧光，就可以很好地表现被摄体的形状和细节。
当光线从被摄体身后射来，正对着相机时就会产生逆光。拍摄对象在逆光中显得富于戏剧性。在拍摄肖像时，逆光在人物的头发边际产生漂亮的轮廓光。反差大的逆光可以产生剪影的效果。

　　数码相机摄影技巧
　　在传统摄影中，一个不容忽视的也不容易掌握的色温问题，在数码相机中已不复存在，因为数码相机可以通过白平衡来调整解决，而无需考虑光源色温与底片的关系了。这又是数码相机的一大优点。 　　而数码相机比起传统感光材料，尤其是新的染料型感光材料，数码相机在曝光宽容度指标上并无优势，所以拍摄时的准确曝光仍是数码相机获得己糜跋裰柿康幕 驹 颉Ｔ谑导适褂弥校 颐欠⑾质 胂嗷 怨庀叩囊 蟾 撸 谑夷谂纳阌任 匾 Ｒ虼宋颐窃谑夷谂纳闶比舨豢赏饬碚彰魇保 陀 ×渴褂蒙凉獾啤?

6、 几个误区

　　习惯使用UV滤镜
　　对于传统的摄影师，UV镜是必备之一。但由于DC光灵敏度区间向长光波端偏移，就是说对红光及红外光敏感而对蓝紫光（尤其是紫外光）并不敏感。所以在数码相机上加用UV镜将得不到所期望的有利效果，而光学性能不好的UV镜还会对成像产生负面影响。所以就，UV就不必了。

　　三脚架已是昨日黄花
　　别以为除了专业的摄影师或那些狂热的摄影爱好者，三脚架对于数码相机没有武之地。因为要拍摄清晰的图像，拍照时必须绝对握稳照相机，即使最轻微的抖动都会造成模糊不清的图像，而且对于这种结果我们往往束手无策，无法通过后期制作来消除这种影响。
　
　　当然，用普通胶卷相机也存在这个问题，但是由于数码相机的光灵敏度低，并需要一系列的电路处理、存在快门延时的毛病，如：S75的快门延时近0.1S，比用快速胶卷的胶卷相机需要更长的曝光时间，在光线较弱时，更是如此。为了稳住相机，拍摄时应尽量夹紧胳膊肘，并应放置到人的最稳定部位--额头上，并轻轻地按下快门。但最好的办法是将相机装在一个三脚架上，或者将它放在一张桌子、柜台或其它不会移动的物体上。特别是在拍摄特写或微距摄影时，使用三脚架会得到更好的拍摄效果。

　　漠视后期处理
　　用数码相机拍摄的数字图像，只有极少数看上去是完美的，事实上，用普通的胶卷相机拍摄也是如此。 当然，数字图像的优势就在于可以进行后期加工，但有人会认为这已失去"保真"的真实含义了。其实它仍是在摄影创作的基础上，经创意构思，运用各种数码技术手段，将摄影素材优化或组合，从而化平淡为神奇的重新创作的艺术作品。

　　只要适当利用图像编辑工具，诸如：PHOTOSHOP等等，你就可以让那些并不出众的照片变得颇具水准。你可以使曝光不足的图像加亮、校正色彩均衡，剪裁掉分散注意力的背景，覆盖住一些小的缺陷（比如反射光造成的热点），甚至将几张照片或图像进行合成（见图）。能够进行照片编辑是用数码相机拍摄的主要优点之一。

7、知识在运用中体现价值--运用在于实践
　　不一定是"工多艺熟"，但要想"艺熟"就必需要"工多"，数字摄影也不例外。所以，尽可能在不同的光线条件下多拍一些照片。拍摄时，注意记录拍摄时所用的相机设置和光线条件，然后研究结果，看看哪种条件下哪种设置最佳。专业摄影师在拍照时对同一图像总要拍摄好几次，每次改变一下拍摄角度或曝光时间等设置，我们也应该这么做。大多数的数码相机都有LCD显示屏，你可以利用它轻松地观察并删除你不喜欢的图像，所以不必担心会因"滥拍"而造成存储量不足，尽管放心地去拍摄多种曝光的图像吧，这样，最终至少会有一张好照片。

关于摄影构图

摄影在形式上是构图和光线的艺术，摄影的所有元素都跟构图有关，因此，构图就像盖楼的框架，没有框架就没有楼盘，没有构图就没有摄影，标榜没有构图的摄影本身也是一种构图规则。所有的摄影精神都蕴涵在构图的表达之中。

构图是形式的，摄影的内容寓于形式之中，没有构图的形式就不能很好的表达内容。

构图就是表达的工具，就像语言是表达的工具一样，感情交流离不开语言，摄影表达离不开构图。

正因为构图是形式的，所以过于追求形式的构图有时会形式盖过内容，是照片现出匠气和作作。

构图就像一个人的外貌，外貌好就是天生丽质，构图好摄影就会具有形式的美感。

构图有很多种形式，好的摄影作品形式掩藏在摄影表达的内容层次之内。

构图就像就像一篇运笔流畅的文字，感情表达充沛，文笔的形式本身也是一种享受。

构图就像透明的玻璃，越好玻璃越透明，透过玻璃看到的东西就会越多，但是内容又离不开玻璃，离开了玻璃，面前就没有画面，也就没有摄影，就像窗子。

关于光线

摄影是光线的艺术，没有光线就没有摄影，就像没有点、线、面就没有绘画一样。

光线是营造摄影影调的物质基础，没有光线的摄影是不存在的，平常说的摄影没有用光是不正确的，没有鲜明光线的照片只不过太普遍的光线而已。

用光在风光摄影中是不够恰当的。摄影棚中光线的人工安排可以叫用光。风光中只有选择光源的方向、时段的权力，没有安排的权力，所以是一种选择的过程。

光线跟构图一样，都是不严格的约定俗成的称谓，构图从绘画得来，实际是对镜头内或者说取景器内景物范围取舍、远近表达、视角高低的一种综合选择。风光的用光实际也是对光线入射角度、光线性质、光线色温的一种选择而非人工安排。

光线就像一个人的气质，也就是精神风貌，光线运用的符合内容表达，就像一个人天生阳光，能够很快引起别人的注意。

光线运用宜少不宜多，能够充分表达主体风貌的光线和光线数量就是最好的光线和光线数量。并不是光线越多越能突出主体和主题，光线多了就会影响画面表达。

关于影调

影调和色调是由光线营造的，光线多了就会影响影调色调的同一和影调的趋向，影调色调表达情绪，光线营造影调色调，影调分为高调、低调、中间调，色调分为冷调、暖调、中间调，摄影的情绪很大程度上是由这些调子的组合表达的，因此，光线是表达情绪的重要因素。

好的照片都是由一种影调色调主宰的。一种影调色调并不表示只有一种光线或色彩。影调就像音乐的主旋律，色彩光线的局部变化才能构成奏鸣和和声，单调的一种音符是不能构成音乐的艺术的，摄影也是一样，画面中没有影调和色调的局部变化，画面就会死气沉沉。

影调色调就像人的情绪变化，低沉忧郁的情绪中要有希望，欢快愉悦中要有沉思，这样才能符合人的感情起伏和变化，才能更加辨证和深刻。

没有色彩的黑白摄影，最重要的就是通过影调的变化表达情绪的变化！

关于色彩

色彩是彩色摄影以后的画面元素，色彩更多的参与了人的视觉刺激。

色彩创造色调、参与创造影调和情绪，色彩参与创造构图分布，参与内容表达。

因为参与营造色调和影调，因此，摄影作品中并不是色彩越多越好，而是越少越好。

色彩运用中要善于变化，没有对比就难以体现色彩的色调优势，冷调的主调中羼杂一点暖调会使冷调更加突出，同样，暖调的主调中羼杂一点冷调会使暖调更加具有表达力。

为了突出某种色彩主调，甚至不惜运用互补的色调进行鲜明的反衬。

色彩有时不是越浓烈越具有艺术感染力，色彩的布局、流动要符合影调的情绪变化。

为了表达一种情绪需要，不惜舍弃大量的色彩干扰，这也是构图的一个方面。

有的摄影作品是打击乐，所以构图光影反差很大，色彩浓烈粗犷。

有的摄影作品是小夜曲，所以构图光影色彩柔和，色彩清新淡雅。

关于节奏

任何艺术都是具有节奏的。

节奏是一种韵律变化，韵律是一种有规律的运动变化过程，因此节奏表现的就是一种规律性的变化。

摄影的节奏表现的是客观事物运动变化的影像、痕迹、状态变化。。。。。。

摄影的节奏主要表现在平面上空间主体之间的位置排布、色调变化、光影分布、明暗搭配。

节奏韵律是情绪的一种物质可见形式，是一种外在的形式。

摄影根本的是表情达意的，节奏是一种对情绪元素的累积和铺排。

光影、色彩、色调、影调、线条、点线面的安排都是节奏的构成元素。

从形式上看，构图的总体布局设计是节奏的五线谱，色彩和主体、陪体光影等是音符。

所要表达的情绪是统帅，是灵魂，感情基调决定这些音符之间的协调和变化规律。

因为节奏是有规律的变化，是摄影情绪的外在形式，情绪表达主题，主题是摄影的灵魂，因此摄影影调变化、色彩变化、主体位置变化等这些构图元素都是有规律的一种律动。

节奏使得摄影总表现一种色彩、影调的表达基调，这种基调最终是由情绪基调决定的。

摄影的基调，或抑郁、或高亢、或阴柔、或阳刚。或细腻、或粗犷。。。。。。

摄影基调在色调上表现为偏向冷色或者偏向暖色的倾向性，在影调上表现为或高调或低调，中间色调的摄影情绪表达很可能通过影调表现，中间影调的摄影作品很可能通过色调表现情绪倾向，黑白摄影基本上靠的是影调、质感表现情绪。

关于主题

主题是摄影的灵魂，是摄影表达的集中体现，是摄影表情达意的内容。

主题得益于构图的形式表现，得益于色彩影调的情绪表现，得益于主体布局的远近透视效果，得益于所有节奏的跌宕起伏，得益于所有元素的整体构成和累积叠加，总之，主题是内容，摄影的其他所有表现形式都是外壳，主题要得到充分表达，摄影的其他元素要整体协调进行充分显现，主题寄托于摄影元素的物质和艺术元素外壳；内容决定形式，形式为内容服务，没有好的形式，内容就会表达不够充分、不够艺术、不够生动，不够震撼。。。。。。

摄影是艺术，要求摄影的内容表达要含蓄和婉转，使人在解读中经历阅读理解的思考过程，体验欣赏的思想快感，直白和概念化、****化是艺术的大敌，同样也是摄影的大敌。

摄影就好像一个人，主题是这个人的思想，构图等形式元素是这个人的健康体魄，只有思想没有健康或者只有健康没有思想的人是不完善的。

摄影也一样，只有主题创意而没有构图光影等摄影元素，思想主题就会胎死腹中，创意设想就无从谈起，就像让人猜想哑巴的思想一样难以琢磨。光有构图等形式的东西而没有思想只能是华而不实，毫无内涵，也同样让人觉得不知所云。

摄影就像一个人，主题是思想，构图是外貌，光影是气质，构图再好，光影再妙，如果思想不健康，只能徒有其表，毫无内涵。

关于摄影本身

摄影既是现实的，又是抽象的；既是客观的，又是主观的。

现实是因为它是现实的摹写、复制、拷贝、影子。。。抽象是因为它是经过人的选择和截取的，表现为镜头焦距的选择表现、景别范围的选取、曝光控制的强弱、后期处理的强弱。。。

客观是因为它本身是取材于客观现实的人、物，摄取的客观现实人、物的影子，是客观人、物的一种影像反映。主观是因为拍什么、怎么拍完全是由人的主观意识决定的，表达出来的情绪意镜也是由人的主观感受决定的，摄影只是表达感情的手段。

摄影的二重性决定了摄影的特性具有有别于其他艺术的特性；偏向纪实一边决定摄影的具体性和客观性，偏向主观一边表现为摄影的抽象性和****性；绝对纪实的摄影是没有的，因此摄影也可以称谓是貌似真实的假相，表达的则是主观****的真实。与其说摄影是客观真实的写照，不如说摄影是主观对客观感受的主观真实。

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                          怎样了解摄影中的反差

       主要是指底片的密度的范围。也就是说，从最薄的暗影部分到最亮的高光部分。一个底片如果它的密度范围很大就叫高反差的底片，一个底片如果它的密度范围很小，我们就叫它低反差的底片。这样的底片就0Ll做软的底片或者是平的底片。

　　是什么决定着反差呢? 首先是由于景物的反差，也就是景物表面实际反光的值数。如果你把一个被摄体进行恰当的曝光而被摄体的影调范围从高光到很深的暗影都有，那么你就得到一个高反差的底片。例如：(拍摄一个滑雪的人)，你拍摄这样一个景一派广阔的雪的表面，滑雪的人穿着黑色的风雪衣滑行，后边有阳光照射在雪的表面上，这样的景便会产生反差强的底片。

　　相反的一个正常曝光的底片拍摄的是一个灯塔，而灯塔在雾气蒙蒙的环境中，这样的景就会产生很平的低反差的底片，如果这张底片是经过正常显影的话。

　　一个全面灯塔的照片。反差的第二个因素是曝光，如果你把你的胶片大大的曝光过度，你就把反差降低，即使显影是正常的，反差也会变低。为了了解怎样会出现这个情况，你应当了解一下在摄影中胶片的感光特性曲线即H—D曲线。它是摄影理论的一个基本工具。这个曲线是延用了两个科学家叫做：黑德尔和德律费尔德的名。这是他们在1890年发展起来，用来表示感光性能的一种方法，这种曲线叫感光特性曲线。(这个曲线也叫做：D—I‘OGE曲线)，它所表示的是银的积累和曝光量之间，在一定的显影程度下的关系，你可以看出来曝光量越大，银的积累越多，达到一定点以前是如此。这个很重要的情况在这个图上表示的超过了某一点的时候，银的密度和曝光量之间的关系就不直线增加了，如果密度完全随着曝光量增加的话，就出现下边这个图里所表示的情况了，而这个关系不是一个曲线而是一个直线了，这个图下边所标注的和上边的图是一样的。这个图表示的就是一个理论上完美的胶片表示的感光特性曲线，曝光每增加一倍，密度也增加一倍，曝光每增加两倍，密度也增加两倍，以此类推。比较一下这一理论上完美的曲线与实际上所有胶片的特性曲线。关于感光特性曲线的解释

　　在这个曲线的趾部曝光量每有增加，只使密度略有增加，‘到达肩部以后，曝光量每有增加并不使密度按比例的增加。只有在趾部与肩部之间，曲线的直线段落，每当曝光量有一些增加时，密度总是随着按比例的增加。

　　这件事和你拍摄底片及显影有什么关系呢？当你把胶片曝光时，如果你曝光过度了，高光的影调就挪到肩部去了，而中间影调仍旧在直线段落，这就产生了一种中间影调和高光影调之间反差小的底片，所以说过多的曝光过度是会减少反差的。

　　反之，如果是底片曝光不足了，那么高光部分的影调就落到特性曲线的直线段落，而中间影调部分或者暗影部分的影调仍在趾部，结果高光的影调密度比中间影调或暗影部分的影调增加密度较快一些，这就产生了一种高光影调与中间影调或暗影部分之间反差大的底片，因此我们可以说，曝光不足可以增加反差；

　　由于胶片对曝光过度能够提供较大的曝光容度，即比在曝光不足的时候能够提供较大曝光容度，因此你宁可曝光过度一点，如果是一个平常的景，曝光过度在大多数的底片上可以有五级或者更多级的曝光容度，而不至于把高光的细部损失掉，但是你不能够曝光不足，如把一个普通的景让它曝光差两级，暗影部分细部将完全损失。曝光过度的时候除非曝光过度很严重才会降低反差。

　　反差和显影 我们已说过感光特性曲线，就是H—D曲线可表示密度与曝光及显影的关系。现在让我们看看显影如何影响密度和反差，这主要有两条：

　　1．增加胶片的显影就增加反差；

　　2．减少显影就减少反差。

　　你如何增加或减少显影程度呢?一般是把显影的时间增加，就增加了显影程度。另外一种办法就是把显影液的温度提高，也能增加显影程度，因为温度越高显影液就越有活力。第三个办法就是换一种活力较强的显影液。

　　为了理解显影如何影响反差，我们现在可以用一种简化的模式。让我们先假定卤化银颗粒在胶片上有十层接受光的照射的区域，这是一个简化的模型，在真实中并不如此，而是多的很，恐怕有上千层之厚，在有些部分有上百万层之厚。现在让我们假定每一分钟的显影会显出一层的卤化银颗粒，5分钟就能显出5层，10分钟就显出10层来了。让我们看看一分钟一分钟地过去以后，显影会发生什么事情。

　　在第一分钟的末尾，我们使得第一层显影了，这包括胶片受光区域的每一部分。如果我们把显影停了，那么仅有的反差是由于绝对没有受光照射的那一部分和受过任何光照射的那一部分显出来的银积累之间的区别。在三分钟之末，暗影部分接受了最少的光照射的部分分别显出了一层两层或三层的银影了，也就是把它接受的曝光量经过显影产生不同厚度的银影了，强烈的高光的部分却还远远没有显出来呢!因为我们还只显到了第三层，虽然它已经受光照射的影响深达第十层了，但在三分钟这一点，在底片上还只有很小的反差。

　　我们继续显影更长些时间，我们就增加这些面积之间的反差，就是有些已接近充分显影的面积，和那些还远远没有充分显影的面积。因此增加显影就增加反差，减少显影也就减少反差。

　　感光特性曲线和不同的显影程度有什么关系呢?上面有两个图，这两张图是座标图都是感光特性曲线。上面一个图左上角写着图A，下面一个图的左上角写着图B，这两个图的底部都在中间写着黑体字ExPOSURE就是曝光量。有两条箭头，往左写着少些，往右那个箭头指着多些，这两个图都是这样。另外在图当中有大黑体字上面可以看出来当显影增加的时候，特性曲线的直线部分就往上升,就与横座标保持一个较大的角度，显影越多这个角度越大，例如：B图这个角度就大些，也就是这个底片已经显影到反差较强的程度了，当这个角度比较小，也就是如A图所示，说明当显影程度较小时，增加同样的曝光量，密度增加较小。在这两个图里面这两条曲线所表现的关系简单。

　　说起来就是显影程度越高在增加同样的曝光量时所得到的密度的差别越大，也就是反差越大。 有时你会看到一些技术教程上面提到有底片的格玛(GAMMA)这个词，格玛就指的底片上的反差，具体的说，就是说明在底片上最厚的部分的密度和最小最薄的地方的密度之间的差别，这可以从感光特性曲线的直线部分倾斜的程度来表示。为要放大用的底片多半是显影到格玛等于·6或者到·70 。

　　(译注：在显影这一课里边这一部分关于反差与显影的段落所说的反差，主要是底片上最高密度和最低密度之差用来代表这个底片的反差，课文里全部提到反差的时候，都是指的这个，也就是印成照片之后，高光最亮的部分与暗影最暗的部分之间，明暗之差的大小，亮的部分比暗的部分亮的很多就叫作反差大，差的不很多或者说很小就叫作反差小。在实际中一个底片或是照片上的反差的大小并不完全说的是最亮或者最暗的密度的差别，或者它们所代表的影调的亮或暗的差别，同时也指的是高光部分暗影部分及其中间影调部分的那许多细部的微小的明暗之差。细部的那些差别在反差上的感觉也起很重要的作用。我们拍一张照片既要求最亮的高光部分比最暗的暗影部分要明显地亮的多，同时也要求中间影调高光和暗影部分的细节也有足够的反差，只有细部有足够的反差才能够使我们看明纫部看出很多的细节，※※※※的情况，得到更多的信息。)

深圳大芬油画村，五彩斑斓，色彩的诱惑

在中国，深圳大芬村只能是惟一：村头高高竖立的不是南方村落惯有的牌坊，而是画向天空的画笔；整条村都是欧式建筑，外墙涂满斑驳抽象彩绘；走出祖辈耕作的田地的年轻人，经过画师调教之后，一天就可以画出两三张让外行眼花的梵高名画；梵高、毕加索、莫奈、达芬奇、拉斐尔等经典名作，在这里流水线般批量生产，销往世界各地......

每天在大芬村进出的人，都因为曾经听说大芬油画村的故事，而对这里充满敬畏。一群来自中国内陆不同省份的新移民，在现实生存的压力中积蓄起对生活和艺术的渴望。走出祖辈耕作的田地，来这里找到寻梦的理由。在重叠的油画订单中，谋求着生存与艺术梦想的双重实现。在一张张油画布上临摹出人类最神圣艺术的复制品，把塔尖人群欣赏的高尚艺术，通过自己的劳动，普及到了百姓的家中。

大芬油画村的奇迹因一个叫黄江的人而发生。1989年，香港画商黄江看到这个毗临香港交通便利的大芬村，开始租用民房进行油画的收集，通过香港转销世界各地。他招募一批又一批学生进行油画培训，很快进入名画临摹，以此帮助他完成与外商签订的批量订单。由此，油画这种舶来艺术在这里生根，并以特殊的产业产形式骤起，辐射世界艺术市场，也让世界知道了大芬村。

大芬村现在有千家画廊， 8000名画工汇集，年出口油画超过500万幅。黄江的画廊店面是租下临路的两层小楼叫做“黄江油画艺术广场”，10多年来没有再搬迁过。底层是油画材料专卖店，楼上是工作室，有大小四间相连相通。里面的专卖店都是经营油画及其相关生意的，从达·芬奇的“蒙娜丽莎”到梵高的“向日葵”，从国画、山水画到人物画，应有尽有。

大芬村人甚至还将中国水彩画、水墨画、版画等形式运用到油画中，不少作品还画出了刺绣的效果。画的价格也不贵，低的如凡高的“向日葵”（业内称行画）只要几十元。去大芬村参观，十之※※的游客都会抵挡不住五彩斑斓的色彩的诱惑。看了好多画，都很动心，也许谈不上很高的艺术价值，但挂在家里作装饰却很合适。而且这些画的价格特别便宜，一般小的20-30元，大的也不过去100-300元，而且尽可以讨价还价。如果你对价格不满意，店主还会拿出两幅看似一样的作品跟你切蹉，经他一指点，不懂画的人，也许还真能看出他们的功底深浅来。

在大芬油画村里的画廊，看到一位女孩正拿着手中的荷花照片在临摹，她说像这样的照片一天能画三四幅。 画工的生活是艰辛的，一幅画不过赚几十元钱，他们的收入一部分自己用，租房吃饭，还要邮寄给远方的父母尽孝。画工们每天在绘画车间里流水般的挥笔画画，不尽的油彩芳香渗透着他们的肌体，让他们兴奋，因为他们深深明白，油画耕作远比田地的耕作来的更为理想化。

色彩与线条间内涵 品读欧洲古典画作

作者：伊凡.尼古拉耶维奇.克拉姆斯柯依 （1837.5－1887.3）

国别：俄国

生平：见作品编号：4

作品尺寸：179cm×135cm

现藏于特列恰柯夫美术馆

《月夜》是一幅极富诗意与美感的作品， 周围的色彩与姑娘的情绪配合得十分和谐，恍若仙境。有着俄罗斯民族性和文学性，与作者9年前完成的《五月之夜》，可称为姊妹篇。

色彩与线条间内涵 品读欧洲古典画作

来源:千龙新闻网

作者：约翰·埃·密莱 （1829－1896）

国别：英国

生平：约翰。埃弗雷特。密莱生于英国南安普敦。父为当地有名望的人物， 酷爱绘画。密莱8岁全家迁居伦敦。9岁被送入萨斯领导的绘画学校。密莱是“拉斐尔前派协会”的奠基人之一。密莱交游广阔，善于人际关系。1885年获得男爵称号。晚年又被皇家美术学院推选为院长。1896年因患喉疾在伦敦去世，享年67岁。

作品尺寸：86.6cm×61.6cm

现藏于英国伯明翰市搏物馆与美术陈列馆

密莱运用古典画法，一丝不苟的刻画出一对流浪儿在雨过天晴后的神态，盲女聆听着小伙伴对大自然的描述。

色彩与线条间内涵 品读欧洲古典画作
来源:千龙新闻网

《拾穗》是米勒最重要的代表作， 这是一幅十分真实的，亲切美丽，而又给人以 丰富联想的农村劳动生活的图画。从中不难看出画家对劳动的甘苦，特别是“汗滴禾下 土，粒粒皆辛苦”的意义是有着切身的深刻体验的。整个作品的手法极为简洁朴实，晴 朗的天空和金黄色的麦地显得十分和谐，丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒 的其它代表作一样，虽然所画的内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平庸浅薄，一览 无余，而是寓意深长，发人深思，这是米勒艺术的重要特色。米勒是十九世纪法国现实主义在师，他的大量的以农民题材为主的油画、素描、版画至今仍给我们深刻的启示与鼓舞。

《拾穗》描写了一个农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛，似乎和她们毫不相关。我们虽然看不清这三个农妇的相貌及脸部的表情，但米勒却将她们的身姿描绘有古典雕刻一般庄重的美。三个农妇的动作，略有角度的不同，又有动作连环的美，好像是一个农妇拾穗动作分解图。扎红色头巾的农妇正快速的拾着，另一只手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎兰头巾的妇女已经被不断重复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲惫不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体的力量；画右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视那那已经拾过一遍的麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮食的感情，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗。

画面上，米勒使用了迷人的暖黄色调，红、蓝二块头巾那种沉稳的浓郁色彩也融化在黄色中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰难生活的深刻同情，和米勒对农村生活的特别的挚爱。

豁达 赋予人完美的色彩

    一个人的性格，往往在大胆中蕴涵了鲁莽，在谨慎中伴随着犹豫，在聪明中体现了狡猾，在固执中折映出坚强，羞怯会成为一种美好的温柔，暴躁会表现一种力量与激情，但无论如何，豁达，对于任何人，都会赋予他们一种完美的色彩。

　　一般认为，豁达是一种人生的态度，但从更深的层次看，豁达却是一种待人处事的思维方式。

　　豁达=承认事实

　　我有一位朋友，他的性情并不很开朗奔放，但他对待事情几乎从不见有焦躁紧张的时候。这并不是他好运亨通。细细观察体会，我发觉他有一些与众不同的反应方式：比如，他被小偷扒走了钱包，发现后叹息一声，转身便会问起刚才丢失的身份证、工作证、月票的补办手续。一次，他去参加电视台的知识大赛，闯过预赛、初赛，进入复赛，正洋洋得意，不料，却收到了复赛被淘汰的通知书。他发了几句牢骚。中午，却兴致勃勃又拜师学起桥牌来。这些，反映出他的一种很本能很根本的思维方式，那就是承认事实。事实一旦来临，不管它多么有悖于心愿，但这毕竟是事实。大部分人的心理会在此时产生波动抗拒，但豁达者，他的兴奋点会迅速地绕过这种无益的心理冲突区域，马上转到下边该做什么的思路上去了。事后，也的确会发现，发生的不可再改变，不如做些弥补的事情后立刻转向，而不让这些事在情绪的波纹中扩大它的阴影。这堪称是一种最大的心理力量。



豁达=趋乐避害

　　豁达的人，每每是乐观的人。而所谓乐观，按照某位哲人的说法，就是乐观的人与悲观的人相比，仅仅是因为后者选择了悲观。

　　豁达的人在遇到困境时，除了会本能地承认事实，摆脱自我纠缠之外，他还有一种趋乐避害的思维习惯。这种趋乐避害，不是为了功利，而是为了保持情绪与心境的明亮与稳定。这也恰似哲人所言：“所谓幸福的人，是只记得自己一生中满足之处的人；而所谓不幸的人，是只记得与此相反的内容的人。”每个人的满足与不满足，并没有太多的区别差异，幸福与不幸福相差的程度，却会相当巨大。

　　豁达=自嘲自解

　　观察分析一个心胸豁达的人，你往往会发现，他的思维习惯中有一种自嘲的倾向。这种倾向，有时会显于外表，表现为以幽默的方式摆脱困境。自嘲是一种重要的思维方式。每个人都有许多无法避免的缺陷，这是一种必然。不够豁达的人，往往拒绝承认这种必然。为了满足这种心理，他们总是紧张地抵御着任何会使这些缺陷暴露出来的外来冲击。久之，心理便成为脆弱的了。一个拥有自嘲能力的人，却可以免于此患。他能主动察觉自己的弱点，他没有必要去尽力掩饰。从根本上来说，一个尴尬的局面之所以形成，只是因为它使你感到尴尬。要摆脱尴尬，走出困境，正面的回避需要极大的努力，但自嘲却为豁达者提供了一条逃遁出去的轻而易举的途径――那些包围我的，本来就不是我的敌人。于是，尴尬或困境，就在概念上被取消了。

　　豁达=游戏精神

　　豁达也有程度的区别，有些人对容忍范围之内的事，会很豁达，但一旦超出某种极限，他就会突然改变，表现出完全相异的两种反应方式。最豁达的人，则具有一种游戏精神，将容忍限度扩大。有这样一个故事：一个身经百战、出生入死、从未有畏惧之心的老将军，解甲归田后，以收藏古董乐。一天，他在把玩最心爱的一件古瓶时，不小心差点脱手，吓出一身冷汗，他突然若有所悟：“为什么当年我出生入死，从无畏惧，现在怎么会吓出一身冷汗？”片刻后，他悟通了――因为我迷恋它，才会有忧患得失之心，破了这种迷恋，就没有东西能伤害我了，遂将古瓶掷碎于地。

　　豁达者的游戏精神，即是如此。既然他把一切视为一种游戏，尽管他同样会满怀热情，尽心尽力地去投入，但他真正欣赏的，只是做这件事的过程，而不是目的――游戏的乐趣在于过程之中。那么，他也就解脱了得失之心的困扰。

如何能够做好色彩运用和色彩沟通

一、色彩密码

色彩牵涉的学问很多，包含了美学、光学、心理学和民俗学等等。心理学家近年提出许多色彩与人类心理关系的理论。他们指出每一种色彩都具有象征意义，当视觉接触到某种颜色，大脑神经便会接收色彩发送的讯号，即时产生联想，例如红色象征热情，于是看见红色便令人心情兴奋；蓝色象征理智，看见蓝色便使人冷静下来。经验丰富的设计师，往往能藉色彩运用，勾起一般人心理上的联想，从而达到最佳设计的目的。

如：

红——血、夕阳、火、热情、危险；

橙——晚霞、秋叶、温情、积极；

黄——黄金、黄菊、注意、光明；

绿——草木、安全、和平、理想、希望；

蓝——海洋、蓝天、沉静、忧郁、理智；

紫——高贵、神秘、优雅；

白——纯洁、朴素、神圣；

黑——夜、死亡、邪恶、严肃。

但心理学家也留意到，一种颜色通常不只含有一个象征意义，正如上述的红色，既象征热情，却也象征了危险，所以不同的人，对同一种颜色的密码，会作出截然不同的诠释。除此之外，个人的年龄、性别、职业、他所身处的社会文化及教育背景，都会使人对同一色彩产生不同的联想。蔡启仁先生举例，好像中国人对红色和黄色特别有好感，就多少和中华民族发源于黄土高原有点关系，故在不同文化体系下，色彩会给设定为含有不同特定意思的语言，所表达的意义可能完全不同。

这个色彩和心理联想的理论，对设计师来说是个重要的发现。他们在选择运用何种色彩时，须同时考虑作品面向的是哪一个消费群，以免出现相反效果。蔡启仁先生举例，紫色在西方宗教世界中，是一种代表尊贵的颜色，大主教身穿的教袍便采用了紫色；但在※※※教国家内，紫色却是一种禁忌的颜色，不能随便乱用。

二、新一季流行色

下一季会流行什么颜色？蔡启仁先生说黑色仍会继续流行，而另一种将会是明亮的绿色系列，到那时，我们大概会见到一片鲜艳的绿四处跳跃。

色彩心理不过是其中一个选择条件，还有其它的原因左右设计师的决定，其中一个极普遍的因素便是潮流。当某个时期，某种颜色或某系列的颜色成为当时社会上的主流偏好，设计师设计新商品时，便不免会较容易倾向选择那些流行色彩。但是，是谁决定哪些是流行色?流行色的研究，是近半世纪的一门新兴学科。蔡启仁先生指出，世界上有一个国际流行色委员会，专门研究色彩的潮流。每年，委员会会对世界各地的流行色调加以研究分析，预测哪些颜色会成为国际流行色，提供设计师参考。

目前各个不同地区的交流频繁，流行色的覆盖层面越发广阔，对设计的影响力亦逐步加强。近年来，潮流追捧金属色系，一下子，新涌现的产品全部都不得不抹上三分金属色彩。设计师以提高商品的吸引力为大前题，顺应潮流用某些色彩，他们之中，有不少人在几种潮流色彩中翻出新意，创作出许多精彩的作品。但一些盲目跟从潮流，不假思索“设计师”，其制成品欠缺新意，只求赶上潮流，却忽略了个性。

三、****为体 色彩为用

翻开任何一本有关色彩设计的书，都有谈到一些运用色彩的基本技巧，诸如注意冷暖色的对比，色彩分布的平衡，颜色的统一和谐等。但有趣的是，差不多没有一本书提过****和色彩设计的关系。也许作者认为****是设计之本，不用特别多谈也应留意到吧。但他们大概忘记了色彩的魔力有多大，当你面对数以千计的正卖点是什么的东西。其实设计三元素：色彩、图像、文字，全部都只不过是一个设计的外表，一个设计的真正灵魂其实来自设计师的创意。没有****的色彩设计，无异于一具空有漂亮外表的躯壳。只有把创作****融人色彩设计中，整个设计才有灵魂，色彩才能向观众传情达意。蔡启仁先生提出疑问；为什么同样是运用那一堆颜料，有些设计可以令人久久难以忘怀，有些却不能?他忠告设计师应该认真从创作****出发，而不要把心思全花在卖弄技巧方面。

有些设计，在色彩运用上力求大胆创新，它推翻了一切色彩的基本定律，在视觉上会产生颇为震撼的效果，但我们还是不得不问，这个做法是否必需?构思色彩时，最起码要让色彩表现到作品的特质，譬如一张宣传某种新食品的海报，便应尽量用鲜明的色彩，去引起观众的食欲，但如果只为吸引注意，而采用极端大胆、反传统的颜色，这种纯粹为大胆而大胆的做法，是否可取?

举个例子或许大家会比较容易理解色彩和创意的关系：蔡启仁先生有一幅作品，是一张喜帖，帖子上面简单地印了一个绿色的“喜”字。表面看来这张喜帖除了颜色上反传统之外，没有什么特别之处。但原来新郎和新娘都是环保分子，所以绿色对他们意义重大；不过好戏在后头，当宾客打开帖子一看，发现新郎和新娘一个姓黄，一个姓蓝，他们立即意会到“绿”的意义，绿色的喜，就成为两人结合的见证，绿色在这个设计上的运用极为巧妙。

“大胆创新”和“标奇立异”之间，有时颇难准确拿捏，但蔡启仁先生提出的一点却很值得玩味，他认为设计师并不等同艺术家，艺术家是可以全然感性，而设计师在感性之馀，却需要有理性去制衡。当脑海中充满天马行空的****，艺术家会不管世俗眼光，不惜一切将他的创作****全部倾泻，因为他的作品只需向他的艺术世界负责。但设计师就不能脱离客观环境，他要考虑这个设计是否真的可行，能否促销商品，它会给社会大众带来什么影响等等。