主题：★★★从卢浮宫到奥赛，欧洲绘画名作巡礼★★★(梵高) [主题管理员:情枭的黎明]
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里维勒先生 年代1806 安格尔
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安格尔为里维勒一家三人选择了不同的构图，父亲是矩形，母亲是椭圆形，女孩则是拱形。画中里维勒先生坐在一张椅子上，交叉的双腿与身体呈直角，右手放在扶手上，左手滑入大衣内。他看着观众，姿态放松。画家对他的穿着进行了精细的描绘：黑色羊绒大衣、黄色棉质短裤和白色衣领。模特周围的物品暗示了他的社会地位：金色扶手上装饰着帝国风格的狮头，代表着资产阶级。桌子上的书的标题是 《卢梭-作品》（Rousseau – ?uvres）体现了模特的文学品味；书附近有一幅版画《椅上的圣母》表达了模特甚至画家对拉斐尔的崇拜；一个蓝色本子上写着莫扎特的名字——画家突出了模特博学多识和热爱艺术的形象，同时加入自己的个人喜好。
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安格尔为里维勒一家三人选择了不同的构图，父亲是矩形，母亲是椭圆形，女孩则是拱形。画中里维勒先生坐在一张椅子上，交叉的双腿与身体呈直角，右手放在扶手上，左手滑入大衣内。他看着观众，姿态放松。画家对他的穿着进行了精细的描绘：黑色羊绒大衣、黄色棉质短裤和白色衣领。模特周围的物品暗示了他的社会地位：金色扶手上装饰着帝国风格的狮头，代表着资产阶级。桌子上的书的标题是 《卢梭-作品》（Rousseau – ?uvres）体现了模特的文学品味；书附近有一幅版画《椅上的圣母》表达了模特甚至画家对拉斐尔的崇拜；一个蓝色本子上写着莫扎特的名字——画家突出了模特博学多识和热爱艺术的形象，同时加入自己的个人喜好。
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621 帖
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安格尔创作了大量的肖像画，这些作品仿佛一面镜子，反映了画家所处时代的社会风尚，以及模特们的社会阶级和思想状态。画家受到古希腊艺术的启发，对雕塑和瓶画中人物身上的曲线和衣物的褶皱很感兴趣。在这些肖像作品中，安格尔对服装的面料和质地（天鹅绒，丝绸，缎，羊绒......）进行精细的描绘，用来突出人物的社会身份。
画中里维埃夫人穿着一件白色的绸缎连衣裙和一条时髦的羊绒披肩半躺在蓝色天鹅绒软垫椅上。画家精心描绘了华丽的天鹅绒、光亮的缎面和柔软的羊绒……她没有看向观众，视线落在远方。
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安格尔创作了大量的肖像画，这些作品仿佛一面镜子，反映了画家所处时代的社会风尚，以及模特们的社会阶级和思想状态。画家受到古希腊艺术的启发，对雕塑和瓶画中人物身上的曲线和衣物的褶皱很感兴趣。在这些肖像作品中，安格尔对服装的面料和质地（天鹅绒，丝绸，缎，羊绒......）进行精细的描绘，用来突出人物的社会身份。
画中里维埃夫人穿着一件白色的绸缎连衣裙和一条时髦的羊绒披肩半躺在蓝色天鹅绒软垫椅上。画家精心描绘了华丽的天鹅绒、光亮的缎面和柔软的羊绒……她没有看向观众，视线落在远方。
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620 帖
天心子 发表于 2018-7-4 10:41
相当精彩！致谢楼主！！
顶一张 安格尔临摹的乌菲济的““拉斐尔自画像” 43x34cm
欢迎光临，感谢赐图！
里维勒太太 Madame Rivière,年代1806.尺寸：117cmX82cm
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安格尔在1806年为里维勒家族画过三幅肖像，这位就是里维勒的太太，上幅画中的女主人卡洛琳.里维勒的母亲。
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619 帖
相当精彩！致谢楼主！！
顶一张 安格尔临摹的乌菲济的““拉斐尔自画像” 43x34cm
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618 帖
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作品的背景平静如水，凯罗琳·里维勒小姐为了保持礼仪，展现出家庭的地位和财富，表情表现出一些自我克制。作品的上半部分让人感觉有些不适，她的头有些太大了。而且，两只眼睛距离太远，让人马上注意到又平又长的鼻子，发光的下嘴唇把观者的视线吸引到脸的下半部分，跟她宽宽的眉毛一比，就显得太小了。她的双颊有淡淡的胭脂，脖子特别粗，双肩几乎完全被画家削了下去。在现实生活中，这裙子必须要别在这可怜女孩的肉上，才能不滑下去。下半部分，则显得非常的流畅，放松。没有像安格尔的其他作品一样表现女性肌肤的美感与曲线，而是搭配当时当时流行的女装紧身上衣，并且只要小小的移动就会让白色布料起伏，让它看上去更立体。她脸部明显的线条与小臂上围绕的毛皮围巾线条类似，两相对比，仿佛脸上绽开了花。但总的来说人物依然没有完全的放松，当然她的配饰让她不再那么僵硬。安格尔隐藏了肘部形成的空隙，而且为这年轻的身体增加了一些性感，尽管她还处在天真无邪的年纪。黄色手套在画面中起到重要作用，它们异常明亮，几乎背离了整体上低调朴素的氛围，暗示某种成熟，尽管很高雅，但还是像一个符号，揭示了更亲昵的未来。在这件作品中安格尔表现出凯罗琳·里维勒小姐完美的教养，同时，也许是第一次，展现出成长中的年轻人暗暗的尴尬和拙笨。
作品的背景平静如水，凯罗琳·里维勒小姐为了保持礼仪，展现出家庭的地位和财富，表情表现出一些自我克制。作品的上半部分让人感觉有些不适，她的头有些太大了。而且，两只眼睛距离太远，让人马上注意到又平又长的鼻子，发光的下嘴唇把观者的视线吸引到脸的下半部分，跟她宽宽的眉毛一比，就显得太小了。她的双颊有淡淡的胭脂，脖子特别粗，双肩几乎完全被画家削了下去。在现实生活中，这裙子必须要别在这可怜女孩的肉上，才能不滑下去。下半部分，则显得非常的流畅，放松。没有像安格尔的其他作品一样表现女性肌肤的美感与曲线，而是搭配当时当时流行的女装紧身上衣，并且只要小小的移动就会让白色布料起伏，让它看上去更立体。她脸部明显的线条与小臂上围绕的毛皮围巾线条类似，两相对比，仿佛脸上绽开了花。但总的来说人物依然没有完全的放松，当然她的配饰让她不再那么僵硬。安格尔隐藏了肘部形成的空隙，而且为这年轻的身体增加了一些性感，尽管她还处在天真无邪的年纪。黄色手套在画面中起到重要作用，它们异常明亮，几乎背离了整体上低调朴素的氛围，暗示某种成熟，尽管很高雅，但还是像一个符号，揭示了更亲昵的未来。在这件作品中安格尔表现出凯罗琳·里维勒小姐完美的教养，同时，也许是第一次，展现出成长中的年轻人暗暗的尴尬和拙笨。
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617 帖
凯罗琳小姐的画像 安格尔 法国 布面油画 1805年 100x70cm
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这幅画《凯罗琳·里维勒小姐的画像》（Portrait Of Mademoiselle Caroline Riviere ）代表安格尔成熟的新古典主义绘画风格。整幅画洋溢着诗情画意，身着白色衣裙的里维勒小姐半身微转，立于画前。背景是蓝天白云，明快的色调和少女典雅安详的神情，使得整幅画作青春气息逼人。
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这幅画《凯罗琳·里维勒小姐的画像》（Portrait Of Mademoiselle Caroline Riviere ）代表安格尔成熟的新古典主义绘画风格。整幅画洋溢着诗情画意，身着白色衣裙的里维勒小姐半身微转，立于画前。背景是蓝天白云，明快的色调和少女典雅安详的神情，使得整幅画作青春气息逼人。
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第
616 帖
洛哲营救安吉莉卡 安格尔 法国 1819年 布面油画 100x80cm
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这幅画取材于16世纪意大利诗人阿里奥斯特的诗集《狂乱之夜》所描绘的情节：※※女王安吉莉卡被囚禁在泪之岛上，她被当作海怪奥鲁克的祭品，她在等待自己的末日到来，正在这危难之时，英雄洛哲驾驭着自己半鹰半马的座骑，赶来杀死了海里的海怪奥鲁克，营救了女王安吉莉卡。左边是骑在半鹰半马上的英雄洛哲，右边是被海怪奥鲁克锁在岩石上身躯扭曲的女王安吉莉卡，女王安吉莉卡目光哀婉，期待着从天而降的英雄前来营救，女王安吉莉卡静止不动的形象，与英雄洛哲的长矛所呈对角线的力度形成对比，这就使英雄洛哲彷佛使出全身力气把长矛利入海怪奥鲁克的咽喉。此构图的美感还在于光线特性的哂茫女王安吉莉卡的裸体在月光中充分显示出它的柔美；我们还应该注意全图阴影部分的黄褐色和土黄色的色调，而正是在这种色调的衬托下，铠甲的金色、盾牌的红色，英雄洛哲身披斗蓬均白色，特别是女王安吉莉卡躯体的肉色，就显得格外醒目。使得这个中世纪掌故的气氛更具有浪漫主义的色彩。画中人物的面部表情平静而庄重，这正符合古典主义所追求的意境，重理性轻情感，重类型轻个性，造型符合雕刻效果。
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这幅画取材于16世纪意大利诗人阿里奥斯特的诗集《狂乱之夜》所描绘的情节：※※女王安吉莉卡被囚禁在泪之岛上，她被当作海怪奥鲁克的祭品，她在等待自己的末日到来，正在这危难之时，英雄洛哲驾驭着自己半鹰半马的座骑，赶来杀死了海里的海怪奥鲁克，营救了女王安吉莉卡。左边是骑在半鹰半马上的英雄洛哲，右边是被海怪奥鲁克锁在岩石上身躯扭曲的女王安吉莉卡，女王安吉莉卡目光哀婉，期待着从天而降的英雄前来营救，女王安吉莉卡静止不动的形象，与英雄洛哲的长矛所呈对角线的力度形成对比，这就使英雄洛哲彷佛使出全身力气把长矛利入海怪奥鲁克的咽喉。此构图的美感还在于光线特性的哂茫女王安吉莉卡的裸体在月光中充分显示出它的柔美；我们还应该注意全图阴影部分的黄褐色和土黄色的色调，而正是在这种色调的衬托下，铠甲的金色、盾牌的红色，英雄洛哲身披斗蓬均白色，特别是女王安吉莉卡躯体的肉色，就显得格外醒目。使得这个中世纪掌故的气氛更具有浪漫主义的色彩。画中人物的面部表情平静而庄重，这正符合古典主义所追求的意境，重理性轻情感，重类型轻个性，造型符合雕刻效果。
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615 帖
安格尔的《土耳其浴室》 在描写女性人体技巧方面达到了顶峰。该画为圆形构图，画面上，一群在土耳其宫廷浴室里的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐。安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出10余个女人体。她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。他有意在浴女中安插了一个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。第一圈层上，也即场景的※※和右边部分，由七个女子组成。分为两条构成整幅画作的韵律的对角线。
《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。图※※背对着观众的女子，是艺术家多年前画的《瓦平松的浴女》的复制品。这位从前在内室安静的私密空间瞥见的光辉灿烂的女子，现在坐在其他女子中间。 那位双臂交叉的金发女子，是沃尔特莱·蒙塔古夫人的形象。
安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，可是众多的“洗练”和“洁净”就是丰富的形式了。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现具象人体表现这一抽象课题的表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
从奶白色到黑色，还有波粉红色或金黄色等色彩各异的肉体，还恰当地夹有一一些色彩浓重，各不相同，各具特色的物件，如：蓝色的靠垫和花瓶，红色的小壁毯和门，金黄色的香水瓶，蓝色和白色的裙子，还有红色条纹的白毛巾，光线照在那毛巾上美妙非凡。
这幅作品是拿破仑王子于1848年左右委托安格尔绘制的，在1859年10月7日，安格尔完成初稿，但克洛蒂尔德公主认为这些女性群裸有伤风化，在她的干预下，将此画退给安格尔。于是安格尔对画作进行了重新修改，将画面最初的方形的，变成后来的圆形。此外，画中人物的变化也很大，如靠近黑人侍女的 4个坐姿人体，以及正在入水的浴女都是后来加上的。最后该画于1862年完成。整个画作创作耗费了十四年。
《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。图※※背对着观众的女子，是艺术家多年前画的《瓦平松的浴女》的复制品。这位从前在内室安静的私密空间瞥见的光辉灿烂的女子，现在坐在其他女子中间。 那位双臂交叉的金发女子，是沃尔特莱·蒙塔古夫人的形象。
安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，可是众多的“洗练”和“洁净”就是丰富的形式了。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现具象人体表现这一抽象课题的表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
从奶白色到黑色，还有波粉红色或金黄色等色彩各异的肉体，还恰当地夹有一一些色彩浓重，各不相同，各具特色的物件，如：蓝色的靠垫和花瓶，红色的小壁毯和门，金黄色的香水瓶，蓝色和白色的裙子，还有红色条纹的白毛巾，光线照在那毛巾上美妙非凡。
这幅作品是拿破仑王子于1848年左右委托安格尔绘制的，在1859年10月7日，安格尔完成初稿，但克洛蒂尔德公主认为这些女性群裸有伤风化，在她的干预下，将此画退给安格尔。于是安格尔对画作进行了重新修改，将画面最初的方形的，变成后来的圆形。此外，画中人物的变化也很大，如靠近黑人侍女的 4个坐姿人体，以及正在入水的浴女都是后来加上的。最后该画于1862年完成。整个画作创作耗费了十四年。
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614 帖
土耳其浴室 安格尔 法国 1862年 布面油画 直径108厘米
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这幅《土耳其浴室》在描写女性人体技巧方面达到了顶峰。画面上，一群在土耳其宫廷浴室里的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐。 安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出约多个女人体。她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。他有意在浴女中安插了一个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。通过《土耳其浴室》的创作过程，人们还可以了解安格尔对艺术尽善尽美的追求。画面最初的构思是方形的，后来变成圆形。此外，画中人物的变化也很大，如靠近黑人侍女的 4个坐姿人体，以及正在入水的浴女都是后来加上的。由此可见安格尔创作态度的严肃认真。
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这幅《土耳其浴室》在描写女性人体技巧方面达到了顶峰。画面上，一群在土耳其宫廷浴室里的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐。 安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出约多个女人体。她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。他有意在浴女中安插了一个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。通过《土耳其浴室》的创作过程，人们还可以了解安格尔对艺术尽善尽美的追求。画面最初的构思是方形的，后来变成圆形。此外，画中人物的变化也很大，如靠近黑人侍女的 4个坐姿人体，以及正在入水的浴女都是后来加上的。由此可见安格尔创作态度的严肃认真。
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612 帖
安格尔另一幅瓦平松的浴女
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画的是是一个韵味十足，丰满的少妇，这种充满爱欲与美感的丰满的妇女形象，反映出安格尔的审美观。画中人物结构准确，肌肤质感细腻。在色调上使用了中性偏冷的色调，给人以高贵、恬静的感觉。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
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画的是是一个韵味十足，丰满的少妇，这种充满爱欲与美感的丰满的妇女形象，反映出安格尔的审美观。画中人物结构准确，肌肤质感细腻。在色调上使用了中性偏冷的色调，给人以高贵、恬静的感觉。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
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611 帖
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在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，《瓦平松的浴女》和《泉》无疑是最好的二幅。《《瓦平松的浴女》（此画后归瓦平松收藏，故得名）是安格尔28岁时创作的。画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在这个柔嫩的背部微微变化着浮动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。
安格尔用绿色的帘子、浅黄色调的身躯、白色的床单、白色带红花的绸子头巾——安排在这个背部的周围，就象镶嵌这个富有素描情趣的裸女背部主题那样，加强全画的细腻的绘画性。帘子与褥巾的褶皱成了这个女人的柔和肤色的陪衬。浴女斜视着左前方；墙壁的灰调子没有干扰前景上的事物，它们被推得好像很远。空间与浴巾等物的装饰一如乐曲上的和弦，给人发出娓娓动听的细颤音。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
对于安格尔的画，有评论认为是拉斐尔完美线条的延续，亦有人认为是毕加索人体解剖及扭曲等画风的预告。当时大诗人波特莱尔对安格尔赞扬有加，称他具备了“最大胆的才华”，但同时批评安格尔的“古怪狂妄”的也大有人在，事实上，如安格尔自己所形容，他首先是一个“革命画家”，不过是从内心出发的，绘画理念和情感表达上的革新。 [1]
今天的评论家不妨思索一下，我们之所以无法界定安格尔的“新”，可能是因为一直以来我们提问题的方法不对。因此这次展览希望在两种传统说法之外，走出第三条路来，以一种新的眼光来看过去所形容的这位“杰出的古典主义或抽象画始祖”，或者“古典主义的振兴者或传统的掘墓人”。
在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，《瓦平松的浴女》和《泉》无疑是最好的二幅。《《瓦平松的浴女》（此画后归瓦平松收藏，故得名）是安格尔28岁时创作的。画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在这个柔嫩的背部微微变化着浮动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。
安格尔用绿色的帘子、浅黄色调的身躯、白色的床单、白色带红花的绸子头巾——安排在这个背部的周围，就象镶嵌这个富有素描情趣的裸女背部主题那样，加强全画的细腻的绘画性。帘子与褥巾的褶皱成了这个女人的柔和肤色的陪衬。浴女斜视着左前方；墙壁的灰调子没有干扰前景上的事物，它们被推得好像很远。空间与浴巾等物的装饰一如乐曲上的和弦，给人发出娓娓动听的细颤音。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
对于安格尔的画，有评论认为是拉斐尔完美线条的延续，亦有人认为是毕加索人体解剖及扭曲等画风的预告。当时大诗人波特莱尔对安格尔赞扬有加，称他具备了“最大胆的才华”，但同时批评安格尔的“古怪狂妄”的也大有人在，事实上，如安格尔自己所形容，他首先是一个“革命画家”，不过是从内心出发的，绘画理念和情感表达上的革新。 [1]
今天的评论家不妨思索一下，我们之所以无法界定安格尔的“新”，可能是因为一直以来我们提问题的方法不对。因此这次展览希望在两种传统说法之外，走出第三条路来，以一种新的眼光来看过去所形容的这位“杰出的古典主义或抽象画始祖”，或者“古典主义的振兴者或传统的掘墓人”。
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610 帖
瓦平松的浴女 安格尔 油画 1808年 146×97.5厘米
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这幅《瓦平松的浴女》（此画后归瓦平松收藏，故得名）是安格尔28岁时创作的。画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在这个柔嫩的背部微微变化着浮动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。安格尔用绿色的帘子、浅黄色调的身躯、白色的床单、白色带红花的绸子头巾——安排在这个背部的周围，就象镶嵌这个富有素描情趣的裸女背部主题那样，加强全画的细腻的绘画性。帘子与褥巾的褶皱成了这个女人的柔和肤色的陪衬。浴女斜视着左前方；墙壁的灰调子没有干扰前景上的事物，它们被推得好像很远。空间与浴巾等物的装饰一如乐曲上的和弦，给人发出娓娓动听的细颤音。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
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这幅《瓦平松的浴女》（此画后归瓦平松收藏，故得名）是安格尔28岁时创作的。画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在这个柔嫩的背部微微变化着浮动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。安格尔用绿色的帘子、浅黄色调的身躯、白色的床单、白色带红花的绸子头巾——安排在这个背部的周围，就象镶嵌这个富有素描情趣的裸女背部主题那样，加强全画的细腻的绘画性。帘子与褥巾的褶皱成了这个女人的柔和肤色的陪衬。浴女斜视着左前方；墙壁的灰调子没有干扰前景上的事物，它们被推得好像很远。空间与浴巾等物的装饰一如乐曲上的和弦，给人发出娓娓动听的细颤音。这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
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609 帖
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《大宫女》画面描绘了一个裸体的东方土耳其宫女形象。其女性裸体形象，是当时法国上层流行的审美趣味。画中的土耳其宫女，背朝画面躺在柔软的绵垫子上。她把左腿放在右腿上，面朝画外，头上裹着土耳其式头巾，五官端庄优美，眼睛中有一丝温柔而贤淑的神色，是通常印象中标准的东方美人脸庞。她的肌肤光滑而富有弹性，身材丰满、修长，滚圆的右胳膊放在身上，右手拿着一把古典的孔雀毛扇子。画中大宫女身下蓝色的枕头、白黄色的床布与她黄色的皮肤形成了鲜明的对照。
这幅画的构图很特别，画面上大宫女支起的左胳膊留出的三角形空问以及右臂在身体上留出的月形缝隙，描绘得如此完美，如果没有精湛的素描构图本领，是很难做到这一点的。作为新古典主义大师，安格尔是十分重视素描的，他曾说过： “优美的素描图形是带有圆滑曲线的平面图，是坚实丰满的图形，赋予圆形健康美是十分重要的。”但是，这幅画中的素描却机械地像用几何仪器规画出来的一样，极为齐整、规则。画中的色彩运用也极为出色，帷幔的深蓝色与人体鲜明的黄色和扇子的红色交织在一起，对比鲜明而又柔和，给人一种近乎冷艳的美感，这种奇怪的色彩搭配在以前的画家中是很少有人运用的。
这幅画曾引起广泛争议，因为人们在惊叹描绘得如此之美的大宫女的同时，也会发现大宫女的臀部过于肥大，腿也太长了，脖子也有问题。正如一位评论家说的那样：“安格尔先生的画把优美推到了怪异的程度——从没有这么柔软这么颀长的脊柱，也从没有这么易于弯转的脖颈，从没有这么平滑的大腿，而身体的全部曲线也从没有这么操纵过视线……”当时的一位评论家德·凯拉特也曾对安格尔的学生说： “他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生回答说“你可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段修长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对准确，那就很可能不这么诱人了。”这幅画如果按严格的评判标准来看，确实是有点怪异的，大宫女的身体无疑是夸大了，是一种变形的美。安格尔显然无心于人体科学的解剖结构，他更关心的是怎样通过线条去诠释他笔下的人体美。他自己也曾说过： “假如我必须熟记解剖学的话，我就不会成为画家了。”但是这种夸大的身体显然也与他一贯坚持的新古典主义风格是背离的或者说是一种突破。也许这里体现的正是画家在自然面前一种独立的创作意识，是一种大胆个性色彩的探索。
1814年画家应拿破仑的妹妹，即那不勒斯王国的王妃卡洛琳·摩拉的订购而创作创作完成，并在巴黎展出。 [3] 但是这幅画最后并没有落到卡洛琳的手中，而流落到了普诺夏王室。
1899年，巴黎卢浮宫绘画部获得《大宫女》。
《大宫女》画面描绘了一个裸体的东方土耳其宫女形象。其女性裸体形象，是当时法国上层流行的审美趣味。画中的土耳其宫女，背朝画面躺在柔软的绵垫子上。她把左腿放在右腿上，面朝画外，头上裹着土耳其式头巾，五官端庄优美，眼睛中有一丝温柔而贤淑的神色，是通常印象中标准的东方美人脸庞。她的肌肤光滑而富有弹性，身材丰满、修长，滚圆的右胳膊放在身上，右手拿着一把古典的孔雀毛扇子。画中大宫女身下蓝色的枕头、白黄色的床布与她黄色的皮肤形成了鲜明的对照。
这幅画的构图很特别，画面上大宫女支起的左胳膊留出的三角形空问以及右臂在身体上留出的月形缝隙，描绘得如此完美，如果没有精湛的素描构图本领，是很难做到这一点的。作为新古典主义大师，安格尔是十分重视素描的，他曾说过： “优美的素描图形是带有圆滑曲线的平面图，是坚实丰满的图形，赋予圆形健康美是十分重要的。”但是，这幅画中的素描却机械地像用几何仪器规画出来的一样，极为齐整、规则。画中的色彩运用也极为出色，帷幔的深蓝色与人体鲜明的黄色和扇子的红色交织在一起，对比鲜明而又柔和，给人一种近乎冷艳的美感，这种奇怪的色彩搭配在以前的画家中是很少有人运用的。
这幅画曾引起广泛争议，因为人们在惊叹描绘得如此之美的大宫女的同时，也会发现大宫女的臀部过于肥大，腿也太长了，脖子也有问题。正如一位评论家说的那样：“安格尔先生的画把优美推到了怪异的程度——从没有这么柔软这么颀长的脊柱，也从没有这么易于弯转的脖颈，从没有这么平滑的大腿，而身体的全部曲线也从没有这么操纵过视线……”当时的一位评论家德·凯拉特也曾对安格尔的学生说： “他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生回答说“你可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段修长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对准确，那就很可能不这么诱人了。”这幅画如果按严格的评判标准来看，确实是有点怪异的，大宫女的身体无疑是夸大了，是一种变形的美。安格尔显然无心于人体科学的解剖结构，他更关心的是怎样通过线条去诠释他笔下的人体美。他自己也曾说过： “假如我必须熟记解剖学的话，我就不会成为画家了。”但是这种夸大的身体显然也与他一贯坚持的新古典主义风格是背离的或者说是一种突破。也许这里体现的正是画家在自然面前一种独立的创作意识，是一种大胆个性色彩的探索。
1814年画家应拿破仑的妹妹，即那不勒斯王国的王妃卡洛琳·摩拉的订购而创作创作完成，并在巴黎展出。 [3] 但是这幅画最后并没有落到卡洛琳的手中，而流落到了普诺夏王室。
1899年，巴黎卢浮宫绘画部获得《大宫女》。
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第
608 帖
大宫女 安格尔 法国 1814年 布面油画 91x162cm
ZT
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780—1867），是继大卫之后法国新古典主义画派的最后代表。安格尔出生于法国西南部，从小就受到良好的艺术熏陶，在美术和音乐方面都颇有天赋。安格尔17岁到大卫画室学习，得到真传。两年后考入美术学院，获罗马大奖。5年后去罗马，把拉斐尔作为毕生崇拜的对象。其作品工整细致，用色鲜明和谐。曾两次去意大利长时间研究古典美术；在本国曾任巴黎艺术学院的教授多年。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克洛瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
这幅《大宫女》是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景，具有浓郁的东方情调。首先，就新古典主义绘画风格而言，它破坏了色彩的"音域"，背景的蓝色与皮肤的淡黄色，人体的明暗与粉红色调等，都显得极不谐调；其次，女裸体态的夸张，成了变形美的试验。就此而言，安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。倘若从※※的角度去看，安格尔的探索勇气是值得称道的。
ZT
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780—1867），是继大卫之后法国新古典主义画派的最后代表。安格尔出生于法国西南部，从小就受到良好的艺术熏陶，在美术和音乐方面都颇有天赋。安格尔17岁到大卫画室学习，得到真传。两年后考入美术学院，获罗马大奖。5年后去罗马，把拉斐尔作为毕生崇拜的对象。其作品工整细致，用色鲜明和谐。曾两次去意大利长时间研究古典美术；在本国曾任巴黎艺术学院的教授多年。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克洛瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
这幅《大宫女》是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景，具有浓郁的东方情调。首先，就新古典主义绘画风格而言，它破坏了色彩的"音域"，背景的蓝色与皮肤的淡黄色，人体的明暗与粉红色调等，都显得极不谐调；其次，女裸体态的夸张，成了变形美的试验。就此而言，安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。倘若从※※的角度去看，安格尔的探索勇气是值得称道的。
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第
607 帖
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画中人物左侧的是女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德（Mother Catherine-Agnes Arnauld，1593 -1671)，右侧躺在椅子上的修女是画家的女儿苏珊娜.尚佩涅（Catherine de Sainte Suzanne Champaigne，1636-1686)。这幅画作于1662年，是画家为了感恩他瘫痪的女儿奇迹般的康复，所以这幅画也叫做《1662的感恩》（Ex-Voto de 1662）。
女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德是法国一位著名的詹森主义人物（与耶稣会对立），他的弟弟安托万.安诺德也是一位詹森主义的重要人物。她所在的修道院Abbey of Port-Royal位于巴黎附近。
据说画家的女儿患了瘫痪症，试过很多方法都没起作用，经过女院长连续九天的祈祷，竟然奇迹般的能走了，随后一切病症都消失了。画面虽然简约，但画中人物衣服等细节非常细腻，一束光线照着安诺德院长。墙上的文字可能是后人添加上去的而非出自作者之手。
画中人物左侧的是女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德（Mother Catherine-Agnes Arnauld，1593 -1671)，右侧躺在椅子上的修女是画家的女儿苏珊娜.尚佩涅（Catherine de Sainte Suzanne Champaigne，1636-1686)。这幅画作于1662年，是画家为了感恩他瘫痪的女儿奇迹般的康复，所以这幅画也叫做《1662的感恩》（Ex-Voto de 1662）。
女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德是法国一位著名的詹森主义人物（与耶稣会对立），他的弟弟安托万.安诺德也是一位詹森主义的重要人物。她所在的修道院Abbey of Port-Royal位于巴黎附近。
据说画家的女儿患了瘫痪症，试过很多方法都没起作用，经过女院长连续九天的祈祷，竟然奇迹般的能走了，随后一切病症都消失了。画面虽然简约，但画中人物衣服等细节非常细腻，一束光线照着安诺德院长。墙上的文字可能是后人添加上去的而非出自作者之手。
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第
606 帖
女修道院长和画家的女儿 尚佩涅 1662年 布面油画 法国
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画中人物左侧的是女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德（Mother Catherine-Agnes Arnauld，1593 -1671)，右侧躺在椅子上的修女是画家的女儿苏珊娜.尚佩涅（Catherine de Sainte Suzanne Champaigne，1636-1686)。这幅画作于1662年，是画家为了感恩他瘫痪的女儿奇迹般的康复，所以这幅画也叫做《1662的感恩》（Ex-Voto de 1662）。女修道院长是法国一位著名的詹森主义人物（与耶稣会对立），他的弟弟安托万.安诺德也是一位詹森主义的重要人物。她所在的修道院Abbey of Port-Royal位于巴黎附近。
据说画家的女儿患了瘫痪症，试过很多方法都没起作用，经过女院长连续九天的祈祷，竟然奇迹般的能走了，随后一切病症都消失了。画面虽然简约，但画中人物衣服等细节非常细腻，一束光线照着安诺德院长。墙上的文字可能是后人添加上去的而非出自作者之手。
菲利浦.德.尚佩涅(Philippe de Champaigne,1602-1674)，出生于尼德兰地区（现布鲁塞尔）的著名法国画家，弗兰德斯风景画家雅克的学生。1621年来到巴黎与尼古拉.普桑一起为卢森堡宫装饰作画。因为他的岳父（兼宫廷装饰指导）对他的嫉妒而又回到布鲁塞尔。直到他的岳父去世后他又回到巴黎为皇太后玛丽.德.梅德西斯和红衣主教黎世留服务。1648年，他参与创立了法国第一所绘画和雕塑学院。尚佩涅留下了大量的作品，以宗教和肖像为主。他早期的作品受鲁本斯的影响较深，后期则变为简约。画家1674年于巴黎去世。
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画中人物左侧的是女修道院长凯瑟琳.阿妮斯.安诺德（Mother Catherine-Agnes Arnauld，1593 -1671)，右侧躺在椅子上的修女是画家的女儿苏珊娜.尚佩涅（Catherine de Sainte Suzanne Champaigne，1636-1686)。这幅画作于1662年，是画家为了感恩他瘫痪的女儿奇迹般的康复，所以这幅画也叫做《1662的感恩》（Ex-Voto de 1662）。女修道院长是法国一位著名的詹森主义人物（与耶稣会对立），他的弟弟安托万.安诺德也是一位詹森主义的重要人物。她所在的修道院Abbey of Port-Royal位于巴黎附近。
据说画家的女儿患了瘫痪症，试过很多方法都没起作用，经过女院长连续九天的祈祷，竟然奇迹般的能走了，随后一切病症都消失了。画面虽然简约，但画中人物衣服等细节非常细腻，一束光线照着安诺德院长。墙上的文字可能是后人添加上去的而非出自作者之手。
菲利浦.德.尚佩涅(Philippe de Champaigne,1602-1674)，出生于尼德兰地区（现布鲁塞尔）的著名法国画家，弗兰德斯风景画家雅克的学生。1621年来到巴黎与尼古拉.普桑一起为卢森堡宫装饰作画。因为他的岳父（兼宫廷装饰指导）对他的嫉妒而又回到布鲁塞尔。直到他的岳父去世后他又回到巴黎为皇太后玛丽.德.梅德西斯和红衣主教黎世留服务。1648年，他参与创立了法国第一所绘画和雕塑学院。尚佩涅留下了大量的作品，以宗教和肖像为主。他早期的作品受鲁本斯的影响较深，后期则变为简约。画家1674年于巴黎去世。
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第
605 帖
爱神与仙女普赛克 皮科 法国 布上油画 1817年 233cmx291cm
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这幅画取材于希腊神话中有关厄洛斯与普赛克的爱情故事。爱神之子厄洛斯爱上美女普赛克，便化成一无形的精灵每晚与她幽会。画面所描绘的是一座古希腊模式的宫殿里，摆设着一张古典的床榻，横置在画面的中心部位，床的左右各陈设着雕刻精致的烛台和座椅，烛台的上方挂着普赛克的花环和竖琴，座椅上放置着爱神的弓箭。深暗凝重而十分简洁的背景衬托出普赛克那优美丰腴的身躯和柔软晶莹的肌肤，少女那酣睡甜蜜的神态使画面洋溢着安逸宁静的气氛。而厄洛斯正在下床，飞离之前再次回望睡梦中的爱侣，两人一动一静，互为映衬。此画构图严谨，色彩明净和谐，人物造型体态匀称，趣味典雅，充分反映出新古典主义的艺术追求。
弗朗索瓦-爱德华.皮科（Fransois Eddouard Picot 1786-1868）是法国新古典主义的代表画家，是达维特的学生。在罗马学习期间，他专心研究希腊与意大利复兴时期的绘画，沉浸在对古典美的追求之中。回国后曾负责卢浮宫等建筑物的装饰，其画法深受达维特的影响。
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这幅画取材于希腊神话中有关厄洛斯与普赛克的爱情故事。爱神之子厄洛斯爱上美女普赛克，便化成一无形的精灵每晚与她幽会。画面所描绘的是一座古希腊模式的宫殿里，摆设着一张古典的床榻，横置在画面的中心部位，床的左右各陈设着雕刻精致的烛台和座椅，烛台的上方挂着普赛克的花环和竖琴，座椅上放置着爱神的弓箭。深暗凝重而十分简洁的背景衬托出普赛克那优美丰腴的身躯和柔软晶莹的肌肤，少女那酣睡甜蜜的神态使画面洋溢着安逸宁静的气氛。而厄洛斯正在下床，飞离之前再次回望睡梦中的爱侣，两人一动一静，互为映衬。此画构图严谨，色彩明净和谐，人物造型体态匀称，趣味典雅，充分反映出新古典主义的艺术追求。
弗朗索瓦-爱德华.皮科（Fransois Eddouard Picot 1786-1868）是法国新古典主义的代表画家，是达维特的学生。在罗马学习期间，他专心研究希腊与意大利复兴时期的绘画，沉浸在对古典美的追求之中。回国后曾负责卢浮宫等建筑物的装饰，其画法深受达维特的影响。
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604 帖
艾普松赛马 席里柯 法国 1821年 布面油画 122.5x92cm
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席里柯赴意大利考察学习以后创作了这幅赛马作品。在这幅画中，画家没有去仔细刻画人物具体个性特征，而着力描绘人驾驭烈马的气势，竭力夸张人与马的动势，借以传达画家自身不可按捺的狂暴的情感。狂暴与激情是浪漫主义画家的基本品格，这和古典主义画家根本不同。为了表现激情，一切艺术语言、构图、人物造型及笔触和色彩都成了传达情感的符号，本身是无什么意义的。在这幅画中，人物、马匹和环境以及它们所构成的动势和色调不正是给予我们狂暴激情的印象么。
在19世纪，对法国浪漫主义和现实主义绘画有重要贡献的代表是年轻的泰奥多尔·席里柯（又译热里科、籍里柯；1791. 9 ～1824. 1）。 他出生于鲁昂，作为绘画上新旧流派的交接现象，席里柯几乎与1798年出生的德拉克洛瓦一样，属于时代的宠儿。他们的父辈都生在18世纪，而且也都加入划时代的※※※。就政治上看，席里柯是个自由主义者和人道主义者；而他在艺术上是较复杂的；他喜欢气魄宏大的构图，一生创作的油画，既有感人至深的现实魅力，也有巴洛克装饰画的趣味，他热爱描绘体育、赛马等运动场面，在捕捉马的运动姿势时，从鲁本斯处吸取了许多养分。
他所掌握的古典主义造型技能，是在他的老师、学院派画家皮埃尔·盖兰的指导下取得的。总之，他的师承很多，1816～1817年去意大利时，又迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品，这一幅油画《埃普索姆赛马》就反映了他这一时期的倾向。 席里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的马队通过。两边有数不胜数的观者攀援在房子和教堂上，在为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。席里柯当场画了许多与马有关的速写。
他从小就喜爱马，后又喜欢画马，最后也坠死于马下。他的第一幅油画就是《冲击中的轻骑兵军官》（1812年作，藏巴黎卢浮宫），那时他接受了17世纪鲁本斯的启迪，加上他很崇拜格罗的战争※※画。这一幅《埃普索姆赛马》是在去英国访问（1820～1822年）初期完成的，他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从※※的角度看，席里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。席里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世（※※上说法不尽一致，未有定论）。仅活了33岁，殊为可惜。
ZT
席里柯赴意大利考察学习以后创作了这幅赛马作品。在这幅画中，画家没有去仔细刻画人物具体个性特征，而着力描绘人驾驭烈马的气势，竭力夸张人与马的动势，借以传达画家自身不可按捺的狂暴的情感。狂暴与激情是浪漫主义画家的基本品格，这和古典主义画家根本不同。为了表现激情，一切艺术语言、构图、人物造型及笔触和色彩都成了传达情感的符号，本身是无什么意义的。在这幅画中，人物、马匹和环境以及它们所构成的动势和色调不正是给予我们狂暴激情的印象么。
在19世纪，对法国浪漫主义和现实主义绘画有重要贡献的代表是年轻的泰奥多尔·席里柯（又译热里科、籍里柯；1791. 9 ～1824. 1）。 他出生于鲁昂，作为绘画上新旧流派的交接现象，席里柯几乎与1798年出生的德拉克洛瓦一样，属于时代的宠儿。他们的父辈都生在18世纪，而且也都加入划时代的※※※。就政治上看，席里柯是个自由主义者和人道主义者；而他在艺术上是较复杂的；他喜欢气魄宏大的构图，一生创作的油画，既有感人至深的现实魅力，也有巴洛克装饰画的趣味，他热爱描绘体育、赛马等运动场面，在捕捉马的运动姿势时，从鲁本斯处吸取了许多养分。
他所掌握的古典主义造型技能，是在他的老师、学院派画家皮埃尔·盖兰的指导下取得的。总之，他的师承很多，1816～1817年去意大利时，又迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品，这一幅油画《埃普索姆赛马》就反映了他这一时期的倾向。 席里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的马队通过。两边有数不胜数的观者攀援在房子和教堂上，在为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。席里柯当场画了许多与马有关的速写。
他从小就喜爱马，后又喜欢画马，最后也坠死于马下。他的第一幅油画就是《冲击中的轻骑兵军官》（1812年作，藏巴黎卢浮宫），那时他接受了17世纪鲁本斯的启迪，加上他很崇拜格罗的战争※※画。这一幅《埃普索姆赛马》是在去英国访问（1820～1822年）初期完成的，他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从※※的角度看，席里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。席里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世（※※上说法不尽一致，未有定论）。仅活了33岁，殊为可惜。
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603 帖
轻骑兵军官在冲锋 席里柯 1812年 画布油画 349cm×266cm
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年仅21岁的席里柯创作出题为《轻骑兵军官的冲锋》精彩的骑马人物像，这幅画使席里柯第一次入选1812年的沙龙画展。席里柯对绘画主题的选择极为巧妙，他强调以后腿站立的战马，希望给人留下强而有力的印象，而绘画中因胜利昂然自得的气氛也捕捉到了时代的气息。当时是拿破仑在莫斯科遭到惨败并开始撤退之前的几个月，拿破仑还处于气势如虹的状态之时，他在沙龙上展出了这幅作品。不过，这幅画不完全符合沙龙所承认的任何领域，因此，它被分类到肖像画。但总体来说，艺评家对这幅画的评价很高，席里柯获得了金奖。
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年仅21岁的席里柯创作出题为《轻骑兵军官的冲锋》精彩的骑马人物像，这幅画使席里柯第一次入选1812年的沙龙画展。席里柯对绘画主题的选择极为巧妙，他强调以后腿站立的战马，希望给人留下强而有力的印象，而绘画中因胜利昂然自得的气氛也捕捉到了时代的气息。当时是拿破仑在莫斯科遭到惨败并开始撤退之前的几个月，拿破仑还处于气势如虹的状态之时，他在沙龙上展出了这幅作品。不过，这幅画不完全符合沙龙所承认的任何领域，因此，它被分类到肖像画。但总体来说，艺评家对这幅画的评价很高，席里柯获得了金奖。
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602 帖
受伤的龙骑兵 席里柯 1814年 油画 46x38公分
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1814年席里柯又展出了这幅同样震惊画坛的描绘骑兵题材的作品。画中描绘受伤的骑兵正沿着山坡往下滑时的挣扎情景。他成功地利用了人和马之间即将发生的悲剧性的情节，突出表现了战场的气氛，令人惊心动魄，画面的激情，用笔用色已基本上形成了浪漫主义的风格特色。
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1814年席里柯又展出了这幅同样震惊画坛的描绘骑兵题材的作品。画中描绘受伤的骑兵正沿着山坡往下滑时的挣扎情景。他成功地利用了人和马之间即将发生的悲剧性的情节，突出表现了战场的气氛，令人惊心动魄，画面的激情，用笔用色已基本上形成了浪漫主义的风格特色。
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第
601 帖
梅杜萨之筏 席里柯 法国 1818—1819年 布面油画 491x716cm
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这是一幅“纪实性”巨画。19世纪初，法国※※部任用了一位根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长，这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没，船上有权势的人都乘小船逃命，遗下150多名乘客和船员，生还者只有15人，上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满，富有正义感的画家席里柯从这一真实事件出发，创作了这幅世界名作《梅杜莎之筏》。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间，他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，这就造成了遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。 这幅画巨大的画面，结构宏伟、气势磅礴。情节激动人心，构思大胆富有戏剧性，构图严谨充满律动，画中人情感激越。人体塑造坚实有力度，光影对比强烈，整个色调阴森沉郁，显示出震撼人心的悲剧力量。这幅杰作的问世，开辟了浪漫主义的艺术道路。1842年11月，也就是在画家去世后的几个月，卢浮宫博物馆收藏了这幅画。席里柯英年早逝，33岁时便死于疾病，他永远也无法知道他的画会成为卢浮宫最著名的杰作之一。
席里柯（Theodore Gericault，1791－1824），法国著名画家，新浪漫主义画派的先驱者。 生于法国鲁昂，幼年随全家迁往巴黎，1808年从画马名家韦尔内学画。1810年入盖兰画室，与德拉克洛瓦相识，常去卢浮宫临摹古代大师的名作。1816--1817年赴罗马学习。回到巴黎后展出了那幅著名的《梅杜萨之筏》。随后，他去了英国学习画马。在英国， 席里柯由于一次意外坠马而英年早逝。他只活了33岁，短暂的一生给人类留下的艺术遗产有191幅油画、180余幅素描、100余幅石版画和6件雕塑，其中《赛马》、《轻骑兵军官》、《奴隶市场》等都广为人们所称道。
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这是一幅“纪实性”巨画。19世纪初，法国※※部任用了一位根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长，这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没，船上有权势的人都乘小船逃命，遗下150多名乘客和船员，生还者只有15人，上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满，富有正义感的画家席里柯从这一真实事件出发，创作了这幅世界名作《梅杜莎之筏》。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间，他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，这就造成了遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。 这幅画巨大的画面，结构宏伟、气势磅礴。情节激动人心，构思大胆富有戏剧性，构图严谨充满律动，画中人情感激越。人体塑造坚实有力度，光影对比强烈，整个色调阴森沉郁，显示出震撼人心的悲剧力量。这幅杰作的问世，开辟了浪漫主义的艺术道路。1842年11月，也就是在画家去世后的几个月，卢浮宫博物馆收藏了这幅画。席里柯英年早逝，33岁时便死于疾病，他永远也无法知道他的画会成为卢浮宫最著名的杰作之一。
席里柯（Theodore Gericault，1791－1824），法国著名画家，新浪漫主义画派的先驱者。 生于法国鲁昂，幼年随全家迁往巴黎，1808年从画马名家韦尔内学画。1810年入盖兰画室，与德拉克洛瓦相识，常去卢浮宫临摹古代大师的名作。1816--1817年赴罗马学习。回到巴黎后展出了那幅著名的《梅杜萨之筏》。随后，他去了英国学习画马。在英国， 席里柯由于一次意外坠马而英年早逝。他只活了33岁，短暂的一生给人类留下的艺术遗产有191幅油画、180余幅素描、100余幅石版画和6件雕塑，其中《赛马》、《轻骑兵军官》、《奴隶市场》等都广为人们所称道。
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599 帖
气势恢宏的※※画作，令人叹为观止
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第
598 帖
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夏尔丹的艺术一生是先以静物画登上画坛，获得了美术院士荣誉，后又转为风俗画，又一次饮誉巴黎画界，40岁以后又回到静物画创作，成为后半生主要题材。
夏尔丹的生活不幸与幸运共存，他的前妻和女儿同日去世，继妻的孩子又夭折，这种打击是常人难以忍受的，幸而继
妻待他十分温厚，他在画坛受人尊敬，被法兰西艺术院任命为司库和沙龙负责人，但画家将悲喜皆深埋于心底，把情感投入到静物创作中去，与各种物品亲近交流，为它们传神写照。
夏尔丹为人谦逊、待人宽厚，他的一生几乎都是在巴黎的塞纳大街等几个街区度过的，难得去过一次卢浮宫。对于官方授予他的勋章和优厚待遇，他都无动于衷，即使在美术院任司库和主持沙龙，他从不迎合上流贵族，别人对他褒贬，他都置之度外，身为名家从不炫耀和借此抬高画价，只是执着地走自己的艺术道路。
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夏尔丹的艺术一生是先以静物画登上画坛，获得了美术院士荣誉，后又转为风俗画，又一次饮誉巴黎画界，40岁以后又回到静物画创作，成为后半生主要题材。
夏尔丹的生活不幸与幸运共存，他的前妻和女儿同日去世，继妻的孩子又夭折，这种打击是常人难以忍受的，幸而继
妻待他十分温厚，他在画坛受人尊敬，被法兰西艺术院任命为司库和沙龙负责人，但画家将悲喜皆深埋于心底，把情感投入到静物创作中去，与各种物品亲近交流，为它们传神写照。
夏尔丹为人谦逊、待人宽厚，他的一生几乎都是在巴黎的塞纳大街等几个街区度过的，难得去过一次卢浮宫。对于官方授予他的勋章和优厚待遇，他都无动于衷，即使在美术院任司库和主持沙龙，他从不迎合上流贵族，别人对他褒贬，他都置之度外，身为名家从不炫耀和借此抬高画价，只是执着地走自己的艺术道路。
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第
597 帖
兔子 夏尔丹
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《兔子》这幅画采用了一种特殊的对角线式构图，画面色调统一、单纯、褐色的背景与兔子的蹄、爪、皮毛上的暖棕色非常谐调，儿茎纤细的树枝又使画面平添了几分野趣。夏尔丹的静物画题材多为极其简单的东西，那些铜壶、餐刀、盐瓶、汤匙、平底锅、蔬菜、猎物、鱼、盛在篮子中的水果似乎都被赋予了生命与尊严，通过纤细的笔触和晕涂、厚涂，无光泽色的巧妙运用，产生了一种相当深沉的调子，在西方艺术史上，夏尔丹认为是塞尚以前法国最伟大的静物画家，也是现实性题材艺术中一位杰出的“纯画家”，现代主义的各种画派，从“立体主义”到“抽象表现主义”，在某种程度上都受到了他的影响。
夏尔丹和布歇是同一个时代的人，但他走的却是一条与时髦的罗可可风格完全不同的道路，在法国当时的艺术市场上，荷兰的室内静物画很受欢迎，那种沉静的艺术风格给夏尔丹带来了很多启发，他认真研究过特尼尔斯、郝里特.道、尼古拉斯.玛斯、赫拉德.泰尔博赫和加布里埃尔.梅曲等伦勃朗之后的荷兰画家的作品，这些人常常运用有模糊背景的明暗结构图来表达普通中产阶级的日常生活场景，他们对光线的研究，对色彩的运用，成了夏尔丹非常兴趣的艺术问题。
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《兔子》这幅画采用了一种特殊的对角线式构图，画面色调统一、单纯、褐色的背景与兔子的蹄、爪、皮毛上的暖棕色非常谐调，儿茎纤细的树枝又使画面平添了几分野趣。夏尔丹的静物画题材多为极其简单的东西，那些铜壶、餐刀、盐瓶、汤匙、平底锅、蔬菜、猎物、鱼、盛在篮子中的水果似乎都被赋予了生命与尊严，通过纤细的笔触和晕涂、厚涂，无光泽色的巧妙运用，产生了一种相当深沉的调子，在西方艺术史上，夏尔丹认为是塞尚以前法国最伟大的静物画家，也是现实性题材艺术中一位杰出的“纯画家”，现代主义的各种画派，从“立体主义”到“抽象表现主义”，在某种程度上都受到了他的影响。
夏尔丹和布歇是同一个时代的人，但他走的却是一条与时髦的罗可可风格完全不同的道路，在法国当时的艺术市场上，荷兰的室内静物画很受欢迎，那种沉静的艺术风格给夏尔丹带来了很多启发，他认真研究过特尼尔斯、郝里特.道、尼古拉斯.玛斯、赫拉德.泰尔博赫和加布里埃尔.梅曲等伦勃朗之后的荷兰画家的作品，这些人常常运用有模糊背景的明暗结构图来表达普通中产阶级的日常生活场景，他们对光线的研究，对色彩的运用，成了夏尔丹非常兴趣的艺术问题。
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夏尔丹以极其朴素的真挚艺术语言描绘了洗衣妇、厨娘、女小贩和一些从小就很会干事的孩子。他同时也是一个出色的静物画家，在静物之中他所描绘的器皿，令人联想到日常生活的场面，这里没有闪闪发光的金银器，而大多是极其朴素的粗瓷碗杯。他不仅扩大了题材范围，且能认真分析对象的色调、质感和量感，把平凡的东西组织成富有诗意的优美的画面。
夏尔丹以极其朴素的真挚艺术语言描绘了洗衣妇、厨娘、女小贩和一些从小就很会干事的孩子。他同时也是一个出色的静物画家，在静物之中他所描绘的器皿，令人联想到日常生活的场面，这里没有闪闪发光的金银器，而大多是极其朴素的粗瓷碗杯。他不仅扩大了题材范围，且能认真分析对象的色调、质感和量感，把平凡的东西组织成富有诗意的优美的画面。
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狗与水果 夏尔丹
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594 帖
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罗丹说：“所谓的大师就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上发现出美来。”
夏尔丹画的实物虽然都是一些常见、平凡的东西，但总能引起热爱生活的人们思想情感的共鸣，具有一种鲜活的生命感，物体之间的关系非常微妙，明晰的几何形与和谐的画面成为莫奈、塞尚、马蒂斯等画家作画的楷模。
罗丹说：“所谓的大师就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上发现出美来。”
夏尔丹画的实物虽然都是一些常见、平凡的东西，但总能引起热爱生活的人们思想情感的共鸣，具有一种鲜活的生命感，物体之间的关系非常微妙，明晰的几何形与和谐的画面成为莫奈、塞尚、马蒂斯等画家作画的楷模。
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593 帖
棋手 夏尔丹 法国 布面油画 1737年 80x65cm
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这是夏尔丹一幅平民风俗画。夏尔丹是法国市民风俗画的主要代表画家，他对洛可可画家所描绘的上流社会豪华奢侈的享乐生活毫无兴趣，喜欢作静物画和表现普通市民生活的风俗画。他的风俗画朴素典雅，静物画沉穆凝重，富有生命感。
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这是夏尔丹一幅平民风俗画。夏尔丹是法国市民风俗画的主要代表画家，他对洛可可画家所描绘的上流社会豪华奢侈的享乐生活毫无兴趣，喜欢作静物画和表现普通市民生活的风俗画。他的风俗画朴素典雅，静物画沉穆凝重，富有生命感。
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回复主题： ★★★从卢浮宫到奥赛，欧洲绘画名作巡礼★★★(梵高)
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