再次听了这部电影的原声，再次感动，Jerry Goldsmith的音乐很少有如此感情且柔情似水的，怪不得有人总觉得这是他最好的配乐。
可叹的是，他许多电影配乐我都找到了，就这张拿不到。
以下内容由 zjize 于 2013-11-25 00:15 补充

因此，《Rudy》不仅获得了当年的奥斯卡最佳配乐奖提名，也一度成了美国橄榄球大联盟的标志配乐。如果单纯的说励志****响配乐作品，能与《Rudy》相媲美的确实不多了。    很多评论认为JG的《Rudy》配乐过于简单，只是单纯无聊的重复，枯燥乏味。诚然，这部作品无非是两段主旋律的交替变换，几乎每首曲目都能找到这两段旋律的踪影，然尔细细品味后你就会发现其中的奥妙。二段旋律都很精彩，相比之下不分伯仲。第一段主旋律较柔和煽情，表现了Rudy奋斗旅程的部分。最先在"Main Titles"中出现，此处也比较清晰，在"End Titles"也可以听到，这段旋律的高潮在"The Final Game"的后半部，使用了大量美妙的木管乐器演奏，同时配合了人声的合唱（"End Titles"中也有），合唱的部分比较轻飘，不用心听的话，很容易没有注意到，这种美妙的配合一直到作品最后。第二段旋律则更为欢快激昂，而且变化性更大，也是《Rudy》中最吸引人最容易被记住的部分。好比在《Hoosiers》中JG同样用了这样的第二段主旋律表现篮球场上的激烈一样，这里同样用来保持作品一定的紧张度，而且往往是Rudy靠近梦想的时候。比如"A Start"，这里旋律还比较弱，然后是"Waiting"，旋律明显清晰了许多，跳跃欢快的木管乐器带出小号独奏，并且完善了旋律的后半部分。到了"Tryouts"和"Back on the Field"中，加入了低沉的定音鼓和手鼓，并且开始弦乐和铜管乐器的交替性激昂的演奏，十分有力。最后，到了赛季的最后一场比赛，也就是"Take Us Out"和"The Final Game"中，第二段旋律的高潮出现了， 加入了行军鼓点并且明显加快了节奏，使得整体感觉更为激励澎湃。这部分的配乐可以说完美表现了竞技体育的那种竞争精神和激烈程度，个人认为是JG后期作品中亮点，这种对乐曲对作品对更深一层次东西的发掘和体现正是他多年配乐生涯的累积。第二段旋律这种逐渐步出的的感觉仿佛Rudy一步一步接近梦想一般，十分耐人寻味。在"The Final Game"中，两段旋律终于合二为一，达到完美的和谐统一，当精彩的演出到最后时，观众不由自主地会起立热烈的鼓掌，我想这就是我听到这里的心情吧，其带给影片的效果是不可估量的。到此，对于那些对《Rudy》反对的声音，各位朋友用自己的耳朵和心灵去辨别吧。

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4. 精选集

贾赫的电子方面的电影配乐很多，但都不是我的心头好。倒是这样精选集，是我寻了很久未果的一张。可以说除※※※的劳伦斯与齐瓦戈医生之外的一网打尽了。
老派配乐家的风格，和John Williams和James Horner比较起来，可以明显听出区别。
以下内容由 zjize 于 2013-11-26 20:59 补充
给大家试听里面两部不是太知名的电影的配乐：

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2. 日瓦戈医生

今天又抽空听了下这张CD，却和以前一样，没有如同※※※的劳伦斯一样的触动----关键是里面的红歌影响情绪。娜娜主题还是一样的动人，序曲给人有马勒Like的感觉，其实整个专辑都有这种感觉。老一辈的许多电影作曲家还是从马勒、瓦格纳他们身上吸取营养，如果想要听太多的音乐发展，恐怕就得去听堆无调性什么的吧。
但整还是很感动这样的音乐，充满了情感的力量。我对作实验的所谓音乐不感兴趣，甚至对假大空的某些大牌古典音乐及作曲家兴趣都不大，我还是喜欢有真挚情感的，能打动人的音乐，比如老柴的和德沃夏克的，甚至流俗点都没关系。
以下内容由 zjize 于 2013-11-26 20:44 补充
请大家试听里面第1首与End Title

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你说的是这个吧，莫瑞康尼的代表作之一，我的最爱之一。

八、Maurice Jarre
墨希斯.贾赫是非常知名的电影配乐家，他的很多作品和旋律已成为电影史上经典之作了，如※※※的劳伦斯、日瓦戈医生等。不过，好玩的是，别人作曲家都是年幼时就开始学习音乐，而他在16岁以前，和音乐根本不搭干。他的电影音乐，大气而弦律优美，却又不流于世俗，可以百听不厌。
转：
Maurice Jarre,法国，代表作:《※※※的劳伦斯》《日瓦戈医生》《印度之旅》(1984),《人鬼情未了》《云中漫步》,《春风化雨》(1989),《迷雾森林十八年》(1988),《致命诱惑》(1987),《证人》(1985)

在著名的电影音乐家中，出身音乐家庭或者自幼学习音乐的例子不胜枚举，John Barry自幼学习钢琴，Ennio Morricone 从小和父亲一起学习小号，John Williams的父亲是爵士鼓手，自己也是名出色的钢琴家，还有大名鼎鼎的 Newman 家族等等，不过，当中也有像莫里斯·贾尔（ Maurice Jarre）这样的例外。身为电影音乐史上最具代表性的音乐家之一， 然而在十六岁之前，莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）却对音乐一无所知。

莫里斯·贾尔（Maurice Jarre），１９２４年９月１３日生于法国里昂的俄裔家庭，父亲是法国广播公司地方电台的技术工程师，在十六岁之前，他没有接受过任何正统音乐训练，他自称：那时我连A大调和C大调的差别都区分不出来。但这显然无损他对音乐的感受力和热情，十六岁那年父亲带回一些老旧的唱片，这些音乐深深的打动了Jarre，他提到：我记得那是李斯特的匈牙利狂想曲，那一刻我就立志要成为一名指挥家。不过，对乐器的学习来说，Jarre的起步还是太晚了些，尽管 Jarre很希望能学习钢琴，然而他的年纪和手指的发育都不合适此类乐器的学习。在指挥家好友Charles Munch的支持下，Jarre并没有就此放弃，Munch 认为Jarre虽然不适合学习一般的演奏乐器，但他鼓励Jarre 加入交响乐团的打击部门，他告诉Jarre：你有很好的节奏感，更重要的，你有一颗音乐的心。同时Munch也认为加入交响乐团有助于Jarre对音乐的了解。Jarre之后进入巴黎音乐学府Paris Conservatoire学习打击乐，并在Jacquesde la Presle，Louis Aubert和Arthur Honegger门下学习作曲，同时他也在交响乐团中担任鼓手，Jarre 开始相信他的朋友是对的，他说：作为一名鼓手对我来说是很理想的，这让我有很充分的时间观察整个乐团中每一种乐器的表现。

除了学习作曲理论和打击乐器之外，Jarre 在求学时期还研习了两项对他日后的配乐生涯有极大帮助的音乐素材，那就是民族音乐和电子合成乐。民族音乐实际上是 Paris Conservatoire 的规定课程，每一名学生都必须选修五个不同区域的民族音乐课程，Jarre 当年的选择是俄罗斯，日本，南美，印度和※※※，而电子合成乐则是Jarre 的课余兴趣，电子乐器在当代并不普及，同时有浓厚的实验色彩，但Jarre 对这样的音乐素材产生了独特的直觉与感受，进一步也加入 Musique Concrete Form 学
习电子合成器的运用。

毕业之后，Jarre于１９５１年加入舞台戏剧团体Theatre National Populaire，担任音乐指导的工作，开始为戏剧作品谱写音乐，第一部电影音乐作品则是1952年，法国导演Georges Franju的反战纪录片《Hotel Des Invalides》，之后Jarre与 Franju陆续合作了多部作品，也日渐成为法国电影音乐的新秀，同时Jarre 也致力于其它非电影音乐的创作，包括了芭蕾，交响曲与舞台剧等各种作品，而1962年，为英国名导大卫·里恩的《※※※的劳伦斯》一片配乐，不仅将 Jarre的舞台由法国扩展到了好莱坞，同时也成为Jarre音乐生涯的转折点。

大卫·里恩不仅是Jarre 的益友，也是Jarre的良师，两人相遇之时，大卫·里恩已是权威大导 ，但 Jarre 方才初出茅庐，当时 Jarre 因为《Sundays and Cybele》一片的配乐，引起了制片人Sam Spiegel 的注意，而应邀加入《※※※的劳伦斯》一片的音乐制作，除了 Jarre之外，受邀配乐的音乐家尚有Benjamin Britten和Aram Khachaturian两名配乐好手，这对当时名不见经传的 Jarre来说，是十分兴奋的事，但工作的进行并不顺利，直到电影首映前四个月，Jarre不但没有看到任何电影片段，同时另外两名配乐家也陆续因档期问题退出，直到首映前二个月，情况并没有太大的改善，而且电影公司也一直找不到让大卫·里恩满意的替代人选， 首映迫在眉睫， 而《※※※的劳伦斯》的配乐完全没有动工，Jarre也只写了主题和少数的音乐大纲，但是当大卫·里恩一听到 Jarre的作品，立刻一把逮住他说：就是你，不用有别人了，小伙子，你来替我的电影完成配乐！Jarre不眠不休的在四个星期之内完成全片的作曲与录制的工作，而这部作品，不仅开启了他与大卫·里恩脍炙人口的合作生涯，同时也为他赢得了第一座奥斯卡金像奖。１９６５年，大卫·里恩执导史诗钜作《日瓦哥医生》，再次找上 Jarre，当时分工精细的米高梅片厂告诉大卫·里恩：“Jarre 或许对※※※和沙漠很在行，不过对于冰天雪地的俄罗斯，我们有更出色的人选”，当代的好莱坞片厂分工极细，音乐部门不但有专属的配乐交响乐团，旗下网罗了各具不同专长与特色的作曲家，甚至还有专门谱写审核主题曲的部门。但大卫·里恩很乾脆的回答：”不论你们怎么想，我只要上回那个年轻人，要他立刻到西班牙与我会合”，在大卫·里恩的要求和指导下，Jarre以《日瓦哥医生》二度拿下金像奖，主题曲“Lara's Theme”在当时创下单曲的卖座纪录，也成为电影音乐史上最具经典色彩的作品之一。之后大卫·里恩与 Jarre 还陆续合作了《雷恩的女儿》与《印度之旅》，其中《印度之旅》为Jarre带来第三座金像奖。对于莫里斯·贾尔而言，大卫·里恩不仅是最好的工作伙伴，同时也是严格的督导者，大卫·里恩会在剧本上指示哪里须要音乐， 须要什么样的音乐，而且要求十分严厉固执，也总是鼓励Jarre发挥民族音乐和电子音乐的专长， 和其它导演／配乐家的组合比起来，大卫·里恩和Jarre除了伙伴之外，又多了一分师生的关系。

Maurice Jarre 对民族音乐的运用， 一方面来自学校时期打下的基础，一方面也来自大卫·里恩的指导和鼓励，使Jarre 成为在电影音乐中最早使用民族音乐，同时也是表现最出色的代表性音乐家。从《※※※的劳伦斯》的荒漠炎日，《日瓦哥医生》的冰雪严冬，《危险年代》的神秘东方，《春风化雨》保守典雅的英伦气质，到充满了南美灿烂阳光的《漫步在云端》，在莫里斯·贾尔的音乐中仿佛可以神游四海。同时莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）也是在电影音乐中使用电子合成器的先驱者之一，早在１９６５年的《日瓦哥医生》中，Jarre 就尝试在音乐中融入电子合成乐，当时电子合成器并不普遍，体积大到须要一台卡车来运送，而且只有很少的功能，最初电影制作人都不信任这类“复杂的高科技音乐”，但Jarre却对这种新的音乐素材极感兴趣，只是 Jarre始料未及的是，随着科技的进步，电子音乐发展的十分迅速，也变得十分“便宜简单”，电子音乐反而在７０年代成为制片人为了节省制片经费，而用来取代传统管弦配乐的利器，尽管Jarre 不同意为了“省钱”而用电子乐器制造简单的配乐，但他仍致力于电子音乐的研究，试图开拓电子音乐的新风貌，在８０年代之后，Maurice Jarre陆续发表了数部以电子合成器为主的配乐作品，其中较重要的是与导演彼得·威尔合作的《证人》、《蚊子海岸》、《危险年代》和《春风化雨》等。一般来说，Jarre 的电子配乐气质十分沉静冥思，音色也偏向深幽空灵，与他的管弦作品有很大的差异，这样的特质，主要是基于Jarre不希望电子音乐在电影中“ 喧宾夺主”，其中《证人》、《春风化雨》与《迷雾森林十八年》，不仅是早期电子配乐的先驱之作，也获得多项音乐奖的肯定。

莫里斯·贾尔一直被认为是最有金像奖缘的音乐家之一，然而第一次以《※※※的劳伦斯》入围金像奖时，他甚至不晓得金像奖是什么，当在法国广播上听到了提名的消息，他很兴奋的打电话给电影制片Sam Spiegel，希望制片大人能提供他参加颁奖典礼的机票，结果制片告诉他：“不！不！你不用大老远来了，这种奖总是只给美国人的，你其实没什么机会的”，结果，Jarre得奖了，只是迟迟等了五个月还收不到奖座，直到五个月后，他在 Sam Spiegel 的办公室里发现了他的奖座，才知道原来是 Sam Spiegel“不小心”忘了要把奖座给他，总之，Jarre还是高高兴兴的要把奖座带回法国去，不料通关时却又给拦了下来，警卫问：“这是什么？”Jarre骄傲的回答：“这是我的金像奖”结果警卫说：“金像奖？那么这是金的啰？你私自带这么大一块金子出关是要坐牢的！”Jarre很是委屈的说：“不会吧？这只是个奖座而己，何况它不会真的是金的吧？”警卫一面说：“ 那可说不定， 这玩意儿真的挺重的！” 一面又拿出小刀来刮了两道！“喔！”警卫很满意的说：“看来你没事了，这东西只是镀金的而已！”这就是Maurice Jarre拿到第一座金像奖的故事，听来有些悲惨，但Jarre在金像奖的遭遇也有温馨的一面，第二次入围金像奖时，Jarre终于出席盛会，不过周围却没有半个熟人，看来有些孤单，这时前座一个人突然回过身来，笑着对他说：“你是Maurice Jarre吧！我告诉你，我觉得这次你会得奖喔！这是我孙女说的，她说：爷爷，我很喜欢你的音乐，不过我得告诉你《日瓦哥医生》写的更棒！”，这段小小的谈话自然让人生地不熟的Jarre感到些许鼓舞，后来，Maurice Jarre才知道这个陌生人，正是好莱坞电影音乐的龙头老大Alfred Newman，当然，Alfred Newman也是该届的入围者之一。

金像奖确实是一项动人与诱人的荣誉，也为莫里斯·贾尔带来很大的成就感，但实际上最让莫里斯·贾尔感到自豪与欣慰的，并不是一个知名奖项的鼓励，而是这些年来，他走遍世界各地，听到各个民族的人，用各种不同的乐器和表现手法，在各种不同的场合演奏他的作品，如《※※※的劳伦斯》，或者是“Lara's Theme”，其中所带来的喜悦，才是真正无与伦比的。

　　他的风格多变，尤其擅长宏大的题材，能在各种民族的音乐间游刃有余。此外，雅尔还是在电影配乐中使用电子合成器的先驱，早在为《日瓦戈医生》配乐时，他在当时庞大的机器上演奏出电子乐。后来在彼得·威尔导演的《蚊子海岸》和《死亡诗社》中，雅尔更是将电子乐运用到浑然天成。

　　除了音乐创作之外，他的私生活也堪称精彩。早在1960年代，他就移居美国居住。他的一生中有过四段婚姻。第二任妻子是1950-1960年代的法国当红女星达尼·萨瓦尔，第三任妻子是美国女演员劳拉·德文。而最令他骄傲的则是三个同样从事音乐和影视有关工作的儿女。其中，名气最大的是被誉为电子乐之父的法国音乐家让-米歇尔·雅尔，1981年和2004年，他曾两次来到中国演出。让-米歇尔·雅尔不但继承了父亲的音乐才华，还继承了父亲的风流倜傥。他与英国女演员夏洛特·兰普林有过一段婚姻，也曾与法国女演员伊莎贝拉·阿佳妮订过婚。莫里斯·雅尔的另一个儿子凯文·雅尔是好莱坞的编剧和制片人，代表作是《木乃伊》。女儿斯戴芬妮·雅尔则担任电影和电视剧的艺术指导。

　　2009年3月22日，雅尔在洛杉矶因癌症并发症去世，结束了他传奇的一生，享年84岁。

秀一下自己的John Barry

3. 时光倒流70年
又一首经典的旋律，主题简单而优美，却让人过耳难忘。John Barry古典作曲风格在这几部最经典的影片中得到最好表现，这首曲子明显受到了柏格尼尼主题变奏曲的影响。
以下内容由 zjize 于 2013-11-26 19:53 补充
电影《时光倒流七十年》的正是把《帕格尼尼主题狂想曲》第十八变奏作为全片配乐的基础和主题。这首不朽的杰作，恍然之间穿越时空，把两颗心灵连在一起，他们生活在不同的年代，七十年的时光分隔着两人的青春和命运，他们却始终在寻觅着，寻觅着对方。
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1。 与狼共舞
超喜欢电影里面的那首宽广、舒缓而大气的主题，是电影音乐最经典的旋律之一。

以下内容由 zjize 于 2013-11-25 23:34 补充
《与狼共舞》的配乐出自电影配乐大师约翰.巴里之手，他为这部影片的配乐可与同出他手的得意之作《走出非洲》配乐一比高下，凯文.科斯纳酷爱音乐气氛，因为整部影片的音乐比例极大，不亚于他的自言自语，以至于没有音乐背景的镜头也有了独特的风味，《与狼共舞》摄像也十分成功，壮美的西部大草原在这平缓而又气韵十足的音乐衬托下，令人想望不已。
与狼共舞的整体音乐风格就如一个巨人的低声吟唱，虽然音调始终不高，但依然让人感到气势不凡

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John Barry，
（转）　约翰·巴里是当代最具代表性的大师级电影音乐家之一，曾以《冬之狮》，《狮子与我》，《走出非洲》和《与狼共舞》获得四座最佳原著音乐金像奖，《狮子与我》的”Born Free”并获得金像奖最佳原著歌曲奖。他的早期配乐作品以００７系列最为脍炙人口，鲜明的音乐形象与历久不衰的流传魅力，比美Ennio Morricone的流浪镖客与John Williams的银河战史。近期的作品则转变成细腻唯美的浪漫史诗风格，如《时光倒流70年》，《走出非洲》和《与狼共舞》等，不仅在各项电影音乐奖项上大有斩获，也成为唱片巿场上历久不衰的长青专辑。大致上来说，我们也的确可以将John Barry的作品区分成早期的爵士音乐，与近期的唯美管弦两种典型风格．

　大约自《时光倒流70年》之后，Jahn Barry开始以唯美管弦为主要的作品型态，让人不免为John Barry勾勒出一幅罗曼蒂克的艺术家形象。但实际上Barry的性格却是出名的火爆，这种性格也是基于他对艺术的坚持。比如他毅然退出＜西雅图夜未眠＞和＜惠妮休斯顿之终极保镖＞等卖座影片的配乐，原因都是因为他不认为一个”配乐家”，能在这样塞满歌曲的电影中表现什么。说起来Barry的管弦编曲手法并不丰富，有时几乎是千篇一律，这多少会让人觉得他的管弦作品每一部听起来都很相似。不过由于旋律上的精雕细琢与超凡脱俗的唯美情怀，在这些风格雷同的管弦作品中，John Barry仍旧打造了几部傲视影史的经典名作。也许John Barry正是一名浪漫主义的性情中人，这几部相当杰出的管弦作品，几乎都象征了他生命中的重大历程。John Barry将１９８０年的《时光倒流70年》献给了他在四个月中相继过世的双亲，１９８５年的《走出非洲》则献给因意外而过世的弟弟派屈克，８０年代末期John Barry由于健康因素，导致作品产量锐减甚至停顿（据说是因为误食不合格的“健康食品”导致食道破裂），直到１９９０年才以《与狼共舞》复出，并即刻夺下金像奖，John Barry将这部作品献给三位帮助他度过健康危机的医生。

　　邦德音乐的爵士风情和浪漫管弦这两种典型的乐风，是一般乐迷对John Barry的基本印象。１９９８年John Barry发表非电影音乐的个人专辑”The Beyondness of Things”，也是以这两类的音乐风格为主。不过其实John Barry也写过不少兼具管弦气势与古典史诗美的音乐作品，其中大多是※※剧。１９６８年的《冬之狮》尤其是代表作，也是John Barry本人最喜爱的一部作品。《冬之狮》的故事发生在比音乐记谱更早的时代，John Barry全凭个人的研究和揣摩，塑造出他认为应该存在于那个时代，而且吻合故事情境的音乐，是一部相当精彩的史诗巨构，绝对能让熟悉Barry的乐迷大感惊奇。

　　John Barry最为不愉快的一次配乐经验，大概就是接下Barbra Streisand的《潮浪王子》，他与芭芭拉·史翠珊（Barbra Streisand）始终意见不合，而且他认为Streisand对配乐家的干预太多，他无法和人这般共事，所以最后John Barry还是决定退出这部作品，后来这部配乐由新秀James Newton Howard接手。至于谈到John Barry真正最想做，却没有机会做的电影音乐，John Barry则提出两部电影，一是史丹利·库布力克的《２００１年太空漫游》，坦白说这也是当代许多配乐家渴望能接下的作品，不过最后库布力克选择了古典音乐；另一部则是《天堂电影院》，John Barry说：当然，Ennio Morricone写的音乐很完美，我之所以希望能为这部电影配乐，是因为它的故事内容，俨然就像我的童年生活一般。

　　近年来John Barry的作品数量逐年递减，主要仍是由于健康考量。虽然每年只有一部左右的作品推出，仍旧令不少乐迷引领企首。他的近期作品有《桃色交易》，《终极密码战》，《魔鬼专家》等等。当迈入2001年——Beat Girl问世四十年后，Barry在电影音乐创作上毫无懈怠之相，最近的作品包括Cry The Beloved Rising及Enigma，专辑Moviola和The Beyondness Of Things、Eternal Echoes的成功，使Barry回到伦敦皇家阿尔伯特音乐厅指挥了一系列的音乐会演奏。

5. 亚历山大※※

收到后，这张几乎成了我很长时间最常听的电影配乐，这张范吉利斯较新的专集中，电子乐少了，取而代之的是雄壮无比的交响乐和人声。我喜欢前面两段，百听不厌。

以下内容由 zjize 于 2013-11-24 23:58 补充

　　范吉利斯在为《亚历山大※※》谱写、创作音乐时，依然以他最挚爱的电子合成键盘、打击乐器搭配管弦乐作为乐器主轴，冰冷的电子合声效在范吉利斯的巧手编排下，不但发挥了堆砌视觉的深度与广度的功能，同时也吸收了创作者本身对影片情感的折射，而隐隐的闪动着人性的光芒，当然在电子键盘闪动人性光芒之际，范吉利斯也没忘记运用大型合唱团合声为英雄献上崇高的颂赞。多样的打击乐器以及西塔琴、小提琴、定音鼓的搭配也都让这篇傲然出色的乐章显得更加生动。

给大家试听CD中的1，2，3段，最激昂人心的几段：
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以下内容由 zjize 于 2013-11-25 21:02 补充
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再来

高手如云，这个偶知道。所以才来班门弄斧，哈哈

切！！
你还是放弃的好，免得偶笑得不行了

还不知道强颜欢笑的是谁呢，嘿嘿

2. 1492 征服天堂
这张经常被视为老范最好的作品中，大气而雄伟的人声，广阔动听的音乐。基本可以作为老范音乐的典范。
（转）

1992年，大导演雷德利·斯科特 (Ridley Scott)在发现新大陆500周年之际拍摄了一部关于哥伦布生平的影片《1492征服天堂》。电影讲述的是哥伦布等一批探险者历尽惊涛骇浪、致命病毒以及种种艰难险阻的洗礼最终到达新大陆的悲壮故事，主演是法国著名的“大鼻子情圣”德帕迪约。影片拥有壮阔的主题、豪华的明星阵容和令人目眩的视觉效果，堪称一部超级史诗。 这种类型的鸿篇巨制，配乐想当然地应该交给JOHN WILLIAMS或JERRY GOLDSMITH这样的管弦乐大师来谱写，可导演独具慧眼地选择了电子乐宗师VANGELIS。 一部古典冒险影片，搭配电子配乐，会是一种什么效果？事实证明，Vangelis近乎完美地完成了重任，写下了一部气势宏大、勾魂摄魄、永载电影配乐※※的作品。时至今日，1492的配乐在艺术和商业上的成就均已远远超过电影本身，成为最广为人知的电影配乐之一、也是VANGELIS最杰出的作品之一。 专辑中最著名的曲目当然是主题曲“CONQUEST OF PARADISE”。全曲以清冽、幽远的美洲吹管乐器引出，营造一股神秘、怀古的情调，之后竖琴拨出波光粼粼的海景，在厚重的电子鼓节奏指引和铺垫下，一个庞大的合唱团无比壮阔而婉转地哼唱出脍炙人口的主旋律，唱至高潮处，一支由电子合成器模拟的大型乐队以全体合奏的形式奏出更加激昂、华丽的乐章，并逐渐转为钢琴的主奏。此后，合唱、鼓点、合成器以气势万钧、行云流水之势交错演出，展开了一幅壮丽、昂扬、宏伟的史诗画卷，眼前是一群伟大的壮士无视生死、向着人生的目标进发，令人心绪飞升、热血沸腾。 在专辑首发的三年之后，这首主题曲被德国拳击冠军 Henry Maske 用作个人主题曲，并在欧洲发行了单曲CD，很快占据了德国、奥地利、葡萄牙、荷兰、比利时等国音乐排行榜的首位，成为90年代销量最大的非流行乐曲。而今，几乎在所有国际体育赛事、大型公众庆祝活动上，都可以听到这首“征服天堂”。 其实，除了这首曲子，专辑中的其他曲目同样出色，特别是其中描写西班牙女王伊萨贝拉的小品，极尽优美、婉转之能事，展现出VANGELIS温婉、柔情的一面。
本帖最后由 zjize 于 2013-11-9 00:57 编辑

以下内容由 zjize 于 2013-11-24 23:32 补充
给大家试听CD中第2首，电影配乐中的经典之一

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1. 火战车
这张用作各种运动会的标志性音乐当然是老范的No.1。
转：在许多人眼中，这才是VANGELIS最脍炙人口、最成功的作品！ 主题曲“火的战车”，在全世界可以说已经被使用到了“滥到不行”的地步！国际上所有的赛跑转播，在挑选背景音乐的时候无一例外都会把它作为第一考虑。每当这段音乐响起的时候，我们脑中100%会浮现一群以慢动作奔跑的人（不少喜剧片就是因此喜欢选用这个曲子来搞笑）。前几天看CSI（犯罪现场），警察※※的越野比赛，主人公GRISSOM开着小车陪着参赛的女警，车里放的又是“火的战车”，搞得女主角都没心思跑了，哈哈。言归正传。
电影： 1981年奥斯卡最佳影片大奖之作。故事根据真人真事改编：1919年，犹太青年哈罗德·亚伯拉罕为了向种族歧视表示※※，决心参加1924年在巴黎举行的奥运会。另一位优秀短跑选手埃里克·利德尔，出身于苏格兰一个传教士家庭，是个虔诚的宗教信徒。他努力练习短跑则是为了上帝的光荣。经过一番刻苦的训练，两人均被选入英国田径队参加奥运会。一百米比赛定在星期日举行。利德尔因为这是※※※安息日，拒绝参加比赛。在四百米比赛时，林赛爵士主动把自己的比赛资格让给了利德尔，这个“会飞翔的苏格兰人”虽不习惯长距离比赛，但为了信仰——上帝的光荣，他奋力拼搏，终于赢得了胜利。亚伯拉罕也获得了二百米短跑的金牌，取得了作为一个犹太人应有的尊严。两人都为英国刻了荣誉。影片的名字来自英国一首脍炙人口的歌曲“把火的战车带给我”。
音乐： 尽管本片赢得了奥斯卡大奖，但今日已基本被人遗忘。影片唯一流传不衰的东西就是VANGELIS同样获得奥斯卡最佳配乐奖的配乐。这是影史最具代表性的电影配乐之一，也开创了电子音乐赢得奥斯卡配乐奖的先河。人们现在是通过这部配乐才知道原来还有同名的一部电影！ “火的战车”主题曲，一开始是合成器对火车疾驰音效的惟妙惟肖的模仿，非常的生动传神，令人耳目一新。随着一声如乱花碎玉般的键盘音效，舒缓、坚定、歌唱性的著名主旋律由电子钢琴行云流水地奏出，带来圣洁、壮丽的听觉享受。火车音效贯穿全曲，为音乐增添了摄人的动感。合成器与钢琴的应唱，使音乐情境无比的开阔。全曲完美地描绘了“人”向光明目标奔跑的执着和欢乐，令人难以忘怀。 除了最著名的主题曲之外，VANGELIS还为片中两位主角各谱写了主题，Abraham's Theme 是一个十分细腻唯美的主题；而 Eric's Theme 则呈现十分开阔的气质，本身亦成为一首著名的演奏曲。此外，唱片中还有Five Circle这样充盈优雅与美感的小品。 VANGELIS在这部作品中的成就，不仅在于他对电子合成器音色与表现力的开创性探索，更重要的是他通过音乐写出了来自人类灵魂深处的静谥与潜思、人性的骄傲与高贵，令人深深陶醉于音乐本身，而不是仅仅关注它的表现形式。这使“火的战车”成为最不容易被遗忘的金像奖最佳电影配乐。 最后再说一下这张唱片的音效。不少人是把它当作发烧碟来看待的，这也难怪，全碟除了优美的旋律和壮阔的意境，还有着近乎无限大的音场与合成器模拟的五光十色的音效。此碟有三个主要版本，除了我这张外，还有一种把奥斯卡得奖纪录的一行小字印在下方，另外一种就是MFSL的24K金碟。据说后两种的音效比



我手头的更佳，但相差并不太大。
以下内容由 zjize 于 2013-11-24 23:01 补充
给大家听他最出名的主题，CD第1首

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