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7个人让张家界举世闻名
7个人让张家界举世闻名1979年春，32岁的新华社记者杨飞慕名来到张家界林场，被这里的绝美风光所震撼。没过多久，一幅张家界风光照片登上美国《地理》杂志封面，成为张家界走向世界的最早证明。因为最早把镜头对准张家界、最早通过大量图片文字推介张家界，杨飞被张家界市※※评选为“特别贡献者”。

　　今年是改革开放30周年，恰逢张家界旅游发展30周年。饮水思源，张家界市※※今天在长沙举行“改革开放30周年与张家界走向世界”新闻发布会，首度评选出对张家界旅游发展居功至伟的7位“功臣”。他们是杨飞、吴冠中、黄永玉、陈复礼、叶文智、赵洪奎（韩国）、张同生。

　　张家界推向世界，国画大师吴冠□□□□不可没。1979年11月，他到张家界采风，写下了游记散文《养在深闺人未识》，把张家界比喻为一颗失落在湘西的风景明珠，引起各界热切关注。他的绘画作品《自家斧劈———张家界》，被法国立塞奇博物馆收藏。

　　著名画家黄永玉、香港著名摄影家陈复礼对张家界情有独钟。黄永玉第一个在香港举办了“张家界画展”。受他的影响，陈复礼慕名而来，他在黄石寨拍摄的名为《山鹰图》的作品，参加伦敦英国皇家摄影学会作品展览获得金奖，“张家界”的名字第一次在欧洲登陆。

　　如果说杨飞、吴冠中、黄永玉、陈复礼是早期把张家界风光推向世界的功勋人士。那么，叶文智、赵洪奎、张同生就是使张家界旅游走向世界的杰出贡献者。

　　以“策划大师”形象出现的叶文智先后策划了“穿越天门山”的张家界世界特技飞行大奖赛，俄罗斯※※张家界特技飞行表演等多项创意活动，赋予了张家界全球影响力。

　　赵洪奎，对中国人来说是很陌生的名字。2001年11月，时任韩国观光※※社长的赵洪奎应邀参加张家界国际森林保护节，回到韩国以后，凭借其在旅※※业的影响力，向韩国国民大力推介张家界，并在张家界掀起了一股强大的“韩流”现象。现在，每年到张家界旅游的韩国客人超过60万人。

　　张同生的名字同样不为人熟知，但“天门山”却无人不知。张同生正是天门山旅游公司董事长。这位来自天津的农民企业家投入巨资成功开发出天门山景区，使“天门山”成为继“张家界”后，张家界市另一个享誉中外的品牌。

“决定性的瞬间”序言
                     ------亨利·卡蒂埃-布列松
    “世上凡事皆有其决定性瞬间”(Il n'y a rìen en ce monde qui n'ait un moment décisif.)      ——红衣主教
莱兹（Cardinal de Retz）
        我，像许多孩子一样，带着一个布朗宁方盒镜箱闯进了摄影这个世界——我用它在假日里拍拍快照。从小，我对绘画充满热情。每当星期四或星期天——这是法国小学生不上学的假日，我就“干起来”。渐渐地，我摸索着各种不同的绘画方法，而这些方法恰好可以用于摄影。当我开始使用摄影机并开始思考摄影时，我开始严肃起来，不再拍摄假日快照，也不再给朋友们拍些无聊的照片了。我好像嗅到了什么，我急于把这个东西找出来。
　　后来有了电影。从一些伟大的影片里，我学会了如何看（look），如何审视(see)。皮尔·怀特（Pearl White）的《纽约的神秘》、D.W.格里菲斯（D.W.Griffith）的伟大影片《破碎的花朵》、施特罗海姆（Stroheim）的第一部影片《贪婪》、爱森斯坦（Eisenstein）的《战舰波将金号》和德雷尔（Dreyer）的《圣女贞德》，都曾深深打动过我。
　　后来，我遇见了一些摄影者，他们手中有阿杰特的照片。我觉得这些照片很出色。于是，向他们学习，我也买了一付三脚架、一块黑布和一架油光锃亮的4×3英寸胡桃木相机。这架相机用的不是快门而是镜头帽，曝光时用手先把它拿开，时间够了再盖到镜头上去。很显然，这个技术细节把我的摄影活动限制在了静止的世界里。别的题材在我看来不是太复杂，就是属于业余摄影者的材料。这时，我轻视这些业余者的题材，自以为这就是献身于天字一号的艺术了。
　　接着，我开始在洗澡间里发展我的这种“艺术”。我发现当一个摄影方面的万能博士（Jack-of-All-Trades）十分有趣。我对放印照片一窍不通，而且也不知道哪一种相纸能产生反差柔和的照片，哪些纸印出来的照片反差较大。我虽没有为这些事感到十分烦恼，但却常常因为像纸上出不来正常影调的影像而生气。
　　1931年，我来到非洲，当时我21岁。我在象牙海岸买了一架小型相机，在这以前和以后我都再也没见过这种摄影机，它是法国克鲁斯公司的产品。它所用的胶卷和35毫米的一样，但没有齿孔。在其后整整一年时间里，我就用它拍照。回法国后，我把这些片子冲出来——在非洲没法冲洗，因为在一年的大部分时间里，我都住在与世隔绝的丛林中——我发现潮气已进入相机，而我所有的照片都印上了明显的羊齿植物一样的霉斑。
　　在非洲，我得了黑尿热，现在只好等着病体复元。我到了马赛，依靠微薄的收入过活，但工作得很愉快。这时我发现了莱卡相机，它成了我眼睛的延伸，而从那时起，我就一直没有离开过它。我整天兴奋地在街上巡游，随时随地准备突然出击，坚决而准确地“套牢”生活——保持生活的鲜活。总之，当某种情景展示在我的眼前时，我总是渴望在一张照片的限定范围内，抓住它的全部精华。
　　那时，我还从来没有想到过拍摄摄影报道图片，也就是用一组连续性的照片来述说一个故事。后来，在看到了我同事们的工作和图片类杂志后，我对摄影报道才开始有了较多的理解。事实上，正是在我为杂志工作的过程中，我才一点一滴地学到了如何用相机做一个报道，如何拍摄一组图片故事。
　 虽然我还没有真正懂得怎么旅行，但我去过不少地方。我喜欢把时间花在这上面，在我从一个国家到另一个国家时，我总喜欢留些时间，来回味我所见过的事物。一旦到了一个新的国家，我总觉得应该长期定居在那里，同这个国家好好地相处下去。我不愿成为一个走马观花的全球旅行家。
1947年，5个自由职业摄影师——包括我在内——建立了我们的合作组织“马格南图片社”(MAGNUM PHOTOS)。
这个合作化企业把我们的照片提供给不同国家的杂志刊用。
　　从我端起相机算起，已有25年了，但是，虽然我已不再是个外行，我仍然把自己当作一个业余爱好者。　　
图片故事
　　究竟什么是摄影报道，是图片故事吗？有时，一张无与伦比的照片，构图是如此生动而华美，其中所包含的内容是如此吸引人，以至于这单张的照片本身就是一个完整的故事。但这可遇而不可求。能够使一个主题显示出它的光彩的因素往往是分散的——不是分散在空间里，就是分散在时间里。硬要把它们凑在一起就是一种“舞台式的安排”（Stage Management），我认为这是一种欺骗。但是，如果能用几张照片把主题的核心和它的光彩都表现出来，这就是一组图片故事；通过书页的编排，是能把分散在几张照片中的相辅因素重新组织起来的。
　　图片故事是脑、眼和心联动的结果。联动的目的，就是描绘正在演变中的事件的内容，并传达相应的印象。有时，一件事情的本身是如此地完美丰富，以致于必须从各个角度来拍摄它，以揭露它所表达的问题。由于世界是运动着的，因此你不能用一成不变的态度去对待一个运动着的事物。有时你几秒钟就能拍一张照片，有时却需要几个钟头或几天。但这其中并没有定规和程式。你的脑、眼和心必须时刻警觉，而且需有足够的体力。
　　事物本身向我们提供如此丰富的素材，所以，一个摄影者必须防止那种什么都想拍的倾向。我们必须从生活的素材中进行提炼——提炼再提炼，但必须有辨别力地进行提炼。在确定要拍照时，摄影者必须非常明确他该干什么。有时，你感到已经抓住了表现某一个特定环境或场合中最有力的照片，但你发现你自己还得继续拍下去，因为你不能预知下一步究竟会演变成什么样子，你必须等待，以防事物的本质会重新显现。与此同时，避免像一个机关枪手一样狂按快门、避免那些无用的纪录变成你身上沉重的包袱、搅乱你的记忆、损害整个报道的精确性——这非常重要。
　　记忆力非常重要，特别是在回忆那些在匆忙中抓取下来的照片的时候。当摄影者在演化着的事物面前时，他必须明确他没有遗漏任何有用的东西，他已经真正全面地把事件的全部内涵表现了出来。如果等到事后再发现，那就太晚了。他永远不能为了重拍一次而让过去的事物重演。
　　对于摄影者来说，需要做出两种选择，每一种都可能因选错而导致遗憾。一种是，当我们通过取景框看着被摄物的时候进行的；另一种是在胶卷冲出和印出照片来以后进行的。在冲印以后，你必须把拍得不错但没有强烈的感染力的照片剔出来。这时你会非常清楚地发现失败在那里，虽然已经晚了，但这个时候，你往往可以回想起你在拍这些照片时那种不合时宜的心情——是由于没有把握而犹豫不决呢？还是你和正在发展着的事件之间存在着天然的沟壑？或者是由于你忽略了和整个事件有关的细节呢？还是由于眼光不准，视力不集中的缘故呢(而这是最常发生的)？
　　对我们每个人来说，空间都是从我们的眼前展开，逐渐扩大以致无限。在我们眼前的空间或强或弱地刺激着我们，然后离开我们。但是它却可视地保存在我们的记忆里，并且在记忆里改变着风貌。在所有的表现手段中，摄影是唯一的能精确地把转瞬即逝的瞬间丝毫不差地固定下来的手段。我们摄影者就是和一些不断消逝着的东西打交道的，而当它们消逝以后，世界上没有一种发明能使它们重新回来。我们不能冲洗或印放自己的记忆。作家有细想的时间，他可以接受和拒绝，拒绝了再接受；在他把自己的思想写到纸上以前，他可以自由地把几个有关系的因素结合在一起。而他的大脑“忘掉”一些东西，也需要一个过程，并且他的潜意识也会把他的思想分类。但是对于摄影者来说，消逝了的东西是再也回不来的。基于这个事实，我们的职业使我焦虑和紧张。一旦我们回到寓所，就不可能把照片重拍。我们的任务是观察现实，差不多在观察的同时就把它纪录在我们的速写本——照相机里。在拍摄时，我们不应窜改现实，同样，在暗房里也不应该窜改原有的效果。这些伎俩，明眼人都会看破的。
　　在拍摄图片故事时，我们要像拳击比赛中的裁判员那样计分和记回合数。不管拍摄什么样的故事图片，我们总是像一个不速之客。因此，我们必须蹑手蹑脚地靠近目的物——即使对静物也要如此。轻软的双手、鹰一般锐利的眼睛，我们必须拥有。硬生生地挤来挤去不妥。而且，单凭尊重真实的光线这一点，也不应使用闪光灯——即使那里一点光线都没有。除非一个摄影者能遵守这些条件，否则，他就可能成为一个不可容忍的侵略者的角色。
摄影这行职业，在很大程度上依靠摄影者和被摄影者所建立起来的关系上。关系不好，或是一句错误的话和一个不妥当的态度，都能毁坏一切。当被摄者感到有些不自在的时候，我们的摄影机就无法拍到这个人真正的个性。要想拍好一张照片，并没有什么成套的办法，因为每一件事都各不相同，在拍摄照片时，既要去接近被摄体，又要求我们毫不引人注目。不同国家、不同社会阶层的人对摄影的反应的差别很大。例如，在整个东方，一个急躁的或赶时间的摄影者很容易变成被人嘲笑的对象。如果你已经被人察觉，甚至刚拿出测光表时就受人们注意，那么唯一应当做的事情是：暂时打消拍照的念头，并且亲切地允许那些飞奔而来的孩子们像芒刺似地附着在你的膝上。　
主题
与我们自己的天地一样，世界上到处都有摄影的题材——它们无处不在，我们不能忽略它们。所以我们必须清醒地对待世界上正在发生着的一切，忠实地对待我们自己所感觉到的一切。
　　主题并不等于是事实的收集，因为事实本身很少是有趣的。然而，通过事实，我们可以懂得它们的内在规律，从而较好地从中选择表达事实的实质性题材。
　　在摄影中，最微小的东西也能成为伟大的主题。人间渺小的琐事能变成乐曲中的主调。我们观察我们周围的世界，并且把它表现出来，这些事物本身具有形式上各种各样的有机的韵律。
　　有成千上万种方法把吸引我们的事物的精华提炼出来，这里不去逐个叙述了。取而代之的是，我们完全让事物自身保持着它的鲜活。
　　现在出现了一个不再是绘画所开拓的全新的领域。有人说这是因了摄影的发明。不管这种说法出自何处，摄影的确已经在这种造型艺术的领域中争得了一席之地。
　　被今天的画家所嘲笑的一类主题就是肖像。双排扣常礼服、军帽、马——对这些东西，即使最学院派的画家都会感到乏味。他们会对那些维多利亚时代的肖像画中的大排扣感到窒息。对于摄影者而言，也许是由于我们不大像画家那样注意作品的永恒价值，对这一点并没有太多的不快，而只会觉得有趣，因为我们所接受的是生活中所有的现实。
人们有一种想依靠肖像来使自己留传后世的强烈诉求，他们总希望把自己最好的影像留给后人，尽管与这种诉求杂糅在一起的，是对这种巫术的深切恐惧，一种坐在照相机前将自己的影像曝光在一种魔术般的物质上的怪异感觉。
肖像照片之所以令人着迷，其中的一个因素就是它能亦步亦趋地让我们认出某个人的形象。人的遗传多少是表现在外表上——酷似的程度往往使人把家庭相册上叔叔的照片错当成小侄子的。如果摄影者想把一个人拍得形神皆备，这位被摄者必须是处在他的正常状态中。我们必须尊重环绕着这个人周围的气氛，并把这人的生存环境与他的肖像融为一体——因为人和别的动物一样，有他们的生活环境。首要的是，必须使被拍者忘记照相机和那个使用相机的人。我认为，复杂的设备、反光装置和各种各样的附件足以把我们想抓取的那只“小鸟”吓得不敢飞出来。
　　还有什么东西比人脸上的表情更加变化多端和稍纵即逝呢？一张特别的面孔给予我们的第一个印象往往是最真实的；但摄影者要使第一个印象成为实在的东西，就应该和被拍摄者“生活”在一起。决定性的瞬间和心理学，同照相机的位置一样，是拍成一张优秀的肖像照片的主要因素。我觉得做一个肖像摄影师，为预约并付钱的顾客拍照，是相当困难的。因为，除了一两个艺术赞助者（Maecenas）[1]以外，顾客们都希望照片拍得比本人漂亮，而结果也就不再真实。被拍者对照相机的客观性抱着怀疑的态度，于是，摄影者所要做的事情就是要精确地研究被摄者的心理。
　 的确，在同一个摄影者所拍摄的所有肖像照片中，确凿无疑的身份感是显而易见的。摄影者要寻觅被摄者的身份感，同时也要表现自己的视觉感受。真正的肖像照片既不强调被摄者的温和，也不故意突出他的奇异，而是要表现出这个人的性格。
　　我倒很喜欢成行成列地贴在专拍护照的小型照相馆橱窗里的身份证照片，而不喜欢那些摆足姿势的肖像照片。至少，在这个脸上可以看出一些问题，看出一种简单事实的见证——而不是我们所追求的类似诗意的东西。　　　
构图
如果一张照片要强烈地表达主题，照片的形式之间就必须建立精确的相互关系。摄影意味着对现实世界中真实事物的有节奏的认识，因此，眼睛的作用是在纷纭复杂的现实世界里寻找和集中注意那些特别的题材；摄影机的作用仅仅是把眼睛的决定纪录在感光片上，我们看以及了解一张照片其实就像看一幅绘画一样，一眼就能瞥其全貌。在一张照片里，构图是眼睛所看见的各种因素在同一时间内结合并有机配合的结果。既然内容和形式是不可分的，因而我们也就不能事后耍聪明，为了构图而把某些东西叠印到基本素材上去。构图必须有它自己的必然性。
　　由于被摄体的运动而产生的瞬时线性，从而使摄影有了一种新的可塑性。我们协调地工作，就好像我们事先已预见到生活本身发展的道路一样。但是在运动的内部，在某个时刻运动的各项因素会趋于平衡，摄影必须稳稳抓住这个时刻，把这种平衡固定下来。
　　摄影者的眼睛不断地在观察。他的头稍稍移动一点，就要能使线条重叠在一起。膝盖稍微弯一下就能改变透视。把照相机靠被摄物近点或远点，就可以抓住细节——他可以使细节服从于他，也可能对细节无能为力。但他构图的时间差不多和按快门的时间一样短，其速度就等于一个反射动作。
　　有时你等待着、迟疑着，等着什么事情发生。有时你会感到，一切条件都有了——但好像还是少了样东西。但那该是什么东西呢？也许有人忽然走进了你的视野。你通过取景器跟着他前进。你等了又等，最后总算按下快门——终于离开——你感觉到自己确实抓住了某些东西(虽然你不知道为什么)。之后，为了证实这一点，你会去放大那张照片，分析其中的几何图形，你可以发现，如果快门是在决定性的瞬间释放的，你必然已本能地完成一个几何图形，要是没有这种几何图形，照片就会既没有形式，也没有生命。
　　构图虽然是我们必须持续注意的事情，但在拍摄时，它却只能产生于我们的直觉，因为我们是抓取那些稍纵即逝的瞬间，而其中所包含的全部相互关系都是不断变动的。在运用黄金律时，摄影者唯一的“罗盘”是他自己的一双眼睛。不管什么几何分析，什么图解，都只能在（由于其本质的天性）照片已经拍摄、冲洗和印放以后来进行——而且只能用于对图片的事后检讨。我希望永远不要有那么一天，摄影器材店不会出售夹在取景器上的图解格子；黄金律也永远不要蚀刻在我们的磨沙对焦屏上。
　　如果你想通过剪裁获得一张好照片，就意味着几何上合理的平衡关系的死亡。此外，想通过在放大机上改变构图补救一张构图很差的照片，也是不可能的，如此一来，视觉上的完整性就不复存在了。关于拍照的角度，我们说得很多，但是唯一有效的角度是构图的几何角度，而不是由摄影者为了获得特殊效果而把肚子贴到地上或做出其它滑稽可笑的样子所歪曲而成的角度。　　　
色彩
在谈论构图时，我们考虑的一直只是象征性的颜色——黑色。黑白摄影是一种变形了个摄影，也就是说，它是对事物的抽象表现。在黑白摄影里，一切价值都被置换了，因而也就为我们提供了更多选择的可能。
　　彩色摄影带来了一系列直到今天仍然难以解决的问题，由于彩色摄影本身的复杂性以及它相对的不成熟，其中一些问题甚至难以预见。现在，彩色胶卷乳胶的感光度仍然很慢，因而用彩色胶卷的摄影者就产生了一种只拍摄静物的倾向，或者运用强烈的人造光源。在拍摄近距离的物体时，彩色胶卷的慢速度缩短了视野中的景深，这个缺点常常使构图流入呆板。最主要的是：彩色照片中的背景模糊不清，这让人很是不快。
　　彩色正片有时候看起来非常悦目，但是下一步由制版工人接管了。在彩色印刷上，要想让制版工人理解摄影者的意图，充分的交流是非常必要的。最后就是那些性能无常的油墨和纸张了。一幅在杂志上或者半精装版本中印刷出来的彩色照片，有时给人的印象就像描画得非常拙劣的解培学挂图。
　
的确，图片或文件的彩色印刷品现在已经达到了在某种程度上与原物逼真的地步；但是，要让彩色趋向于呈现出真正的生命力，那就是另一回事了。我们还只是处在彩色摄影的幼年时代，但是，所有这一切并不等于说，我们就不可以对这些问题产生进一步的兴趣，或者索性坐下来等着完美无缺的彩色胶卷——连同使用时必要的技能都包装在里面——掉进我们的怀抱里，我们必须继续探求属于我们自己的方式。
　　要准确地预见彩色摄影在摄影报道中如何发展虽然是一件困难事，但它似乎的确需要人们在思想上有一种新的态度，一种有别于研究黑白摄影的方法。就我个人来说，我多少有些担心，这个复杂的新因素会损害黑白摄影经常抓取的生命和运动的效果。
　　要在彩色摄影领域真正有所创新，我们应该改变和调整各种彩色，用这样的方法来实现印象主义者所规定的定律范围以内的表现自由，这些定律即使对一个摄影记者来说也是很难规避的。(例如共时对衬定律：每一种颜色都会以它的补色来填补与它相邻的空白处；假若两种色调包含着一种为这两种色调所共有的颜色，那么这种颜色就被并列的两种色调所减弱；两种补色并列在一起，则两种补色的效果被强调，但是两者混在一起则互相抵消，等等。)要在照片的平面上表现出空间的自然色彩，就会牵扯到一系列极其复杂的问题。有些颜色确实会吸收光线,而另有一些颜色会反射光线。因此，有些色彩确实看上去会前突,而另有一些则看上去则会退缩。我们必须能够调整各种色彩之间的彼此关系，因为各种色彩在自然界中是一种有纵深感的安排，而在平面上——无论是画还是照片——又是另一种安排。
　　快照给我们带来的许多困难在于我们没法掌控被摄物的运动；在彩色摄影报道中，真正的困难则在于我们不能控制主体物的各种色彩之间的相互关系。要想出其他棘手的问题当然并不难，但也可以肯定的说，摄影的发展和它技术的发展是密切相关的。
技术
　　化学和光学持续不断的新发现，在相当程度上扩大了我们的活动范围。这些新发现也不断应用到我们的摄影技术中，让我们不断提高。但是，在使用技术手段处理主题方面，仍然存在着一堆顽固的迷信观念。
　　当你必须掌握技术并用它表达你的所见时，它当然是非常重要的。为了把你的视觉有效地记录在胶卷上，你自己的技术技巧必须具有创造性和适应性。但是从最终的结果计，或者说最根本的证据是最后洗印出来的照片；否则摄影者就会喋喋不休地谈论那些差一点就会拍到的照片——但这不过是一个怀旧者眼中基本上不存在的记忆而已。
　　摄影报道这个行当从无到有，不过区区30年的时间。摄影报道的成熟得益于便于操作的手持照相机、大口径的镜头以及为电影工业所生产的微粒快速胶片。照相机对我们来说是一种工具，不是一种美观的机械玩具。机械性能的精确对日常工作所遇到的焦虑与不安有可能是一种意想不到的补偿。但不管怎么说，人们对技术问题的关心太多，而对如何观察却考虑得太少。
　　如果一个摄影者对他的照相机感到满意，而这架照相机也很适合他的工作，那就够了。至于照相机的实际操作，比如光圈、曝光速度以及其他类似这样的技术，应该像开汽车时换档那样熟练自如。而有关这些操作的具体而精巧的细节，哪怕再复杂，也不应该是我今天所要讨论的话题，因为在与照相机、精致的橙黄色的牛皮套一起提供的操作说明书上，厂家已对这一切用像军事术语一样的语言作了准确说明。假若有人把照相机说成是种美丽的小玩意儿，那么至少我们的谈话应该超出这个范围。同样的道理也适用于暗房里如何制作和为什么要制作精致的照片的问题。
　　在放大过程中，最关键的是如何通过再创作还原拍照时的价值与状态，为此甚至要改变照片的色调以便和摄影者按动快门那一瞬间的意图相一致。重新建立眼睛所继续认定的光与影之间的平衡也是需要的，正是基于这些理由，摄影创作的最后一关发生在暗房里。
　　我一直对有些人关于摄影技术的想法觉得很有趣，——这种想法表现在过分地追求图像的清晰。这难道是一种着了魔的热情吗？或者，按照这些人的希望，运用这种“错视画派”（Trompe-I’oeil）一样的技术，就能离把握现实更近一些？在另一种情形中，他们又恰恰离开了真正的问题，像另一个时代的摄影师那样，总是习惯于把所有摄影弄得虚虚糊糊，以为唯有这样才算是“艺术的”照片。
　
顾主
　　照相机让我们获得一种视觉记录（Chronicle）。对我来说，这就是我的日记。我们这些摄影报道者是些给世界快速提供信息的人——这是个充斥着偏见与杂音的世界，但也是个渴求信息的世界，人们需要照片给他们带来的指引。作为摄影师，我们在拍照过程不可避免地要对我们所见到的事物进行评价，而这正意味着一种巨大的责任。可是我们必须依靠印刷业，因为对那些图像类杂志而言，我们就像是技工一样，提供的应该是最原始的素材。
　　对我而言，出售第一张照片(给法国《观察》（VU）杂志)的确是一个令人难忘的经历。那是我和杂志结下不解姻缘的开始。是杂志把我们的摄影公诸于众，也是杂志把我们介绍给了公众；他们知道怎样把图片故事按摄影者的意图发表出去。但是，不幸的是，有时他们也会歪曲照片的本意。杂志确实能够按照摄影者展示的那样发表他们的作品，但摄影者也冒着为了迎合杂志社的口味或需要而改变自己的风险。
　　在一个图片故事里，文字说明应该为照片提供合乎语法的上下文关系，要彰显任何照相机力所不逮的事物。不幸的是，在助理编辑的工作室里，错误防不胜防，而这些还不止是那种简单的拼写或可笑的用词方面的错误。而读者常常会把这些错误归咎于摄影者身上。这样的事情的确在发生！
　　照片要经过图片编辑和版面设计人员之手。编图片编辑必须从一般包括30张左右的照片中选出能组成一个图片故事的照片。(这就好比为了能够做出一系列引述而把一篇文章分成不同的段落那样)。图片故事也像小说一样有它一定的结构。图片编辑挑选出来的照片会根据他们认为这些照片所能引起兴趣的大小，或者根据可供发表的页数，被编排在两页、三页或四页的篇幅里。
　　版面设计人员最重要的艺术才华在于他知道如何从一堆照片里挑选出最特别的一张，而这张照片值得用整页或跨页印刷；同时也在于知道在什么地方插入一张在故事中能起到承上启下作用的小照片，(摄影者在为这组图片故事拍摄这些照片时就应该考虑到怎样使这些照片得到有效刊用)。版面设计人员常常需要对一张照片进行剪裁，只留下照片重要的部分——因此，对他来说，全页的统一或全部内容排列的统一也是最重要的一件事情。当版面设计人员能够一个图片故事完整的意义在版面上恰如其分地展示出来的时候；当他把照片安排得恰到好处，并且在每一页里都有自己的结构和韵律的时候，摄影师简直要对他们感恩戴德！
　　当一个摄影师在杂志上寻找他的图片故事时，他是非常忐忑不安的。
　　除了在杂志上发表外，还有另外的方法可以用来交流我们的摄影作品，比如说摄影展；而图书这种形式则是最具有永久展览意义的形式。
       我已经说的够多了，但是也只是谈到了摄影的一个形态。摄影有很多形态。从放在钱包夹层里褪了色的快照，到光鲜明快的广告目录册，以及介于这两者之间更多形态的照片——都是摄影。我并不想为摄影下一个人人都能接受的定义。我只为自己的摄影下个定义：
　　对我来说，摄影就是在一刹那间对构成事件的意义以及恰如其分表达这个事件意义的精准无误的结构形式同时确认下来的方式。
　　我相信，通过生活实践，我们对自己的认识会与我们对周边世界的认识步调一致起来，这个世界能改造我们，而我们也能够影响这个世界。我们必须在这两个世界——我们的内在世界和我们的外在世界之间取得平衡。这种持续相互作用的结果是，这两个世界趋于统一。而这就是我们必须表达的世界。
        不过这里只谈到了照片的内容。对我来说，内容与形式不可分割。我认为形式是平面、线条和色调三者相互作用的严谨的组织。唯有运用这种组织，我们的概念和感情才变得具体而又有感染力。在摄影里，视觉组织只能萌芽于发展的直觉。

CCD指标的秘密

有位同事打算购买数码相机，看中了索尼的DSC-P92，理由是，如此500万像素级别的产品，只要3000多元，够划算。
　　
很多普通的消费者，正像这位同事，在选择数码相机时，第一眼看中的就是CCD像素个数，第二眼也往往是最后一眼，看的就是价格。两者皆看中，购买的决心就基本下定了。然而，这个被许多消费者看重的CCD，却有着许多普通消费者并不了解的秘密。

到底需要多少CCD像素？

CCD，是英文Charge Coupled Device的缩写，中文译名即“电荷耦合器件”。从功能上看，它负责将镜头传来的光信号转换为电信号，类似于普通光学相机的胶片。
　　
CCD光电转换是通过CCD上面布满的许多感光点（MOS电容）来实现的。一张图片，就是通过这一个个的感光点来描述其色彩、亮度与灰度的。

对CCD感光点，我们通常的另一种描述是“像素”。理论上，像素越多，拍摄时就能使被拍摄物的影像分得更精细，对图像的描述也会更精细。也就是说，要提高图像的分辨率，最直接的方式就是提高像素个数，即CCD感光点的个数。

正是由于这个原因，CCD像素的个数，构成了数码相机成像质量的一个极其重要的决定因素——甚至，被绝大多数人当作了唯一重要的参数，尤其是在普通消费者那里，“唯像素论”已经变成了主流消费观念。开头的例子中，那位同事，就是了为500万像素，甚至连变焦能力和镍氢电池都可以容忍。

那么，在实际应用中，我们究竟应该如何看待像素的个数呢？
　　
有人说，如果要达到普通35mm光学相机的画面质量，数码相机的像素至少要到千万以上。这句话的另外一层意思好像是，即使如600万像素级的高档家用数码相机，其成像质量也无法与普通的光学相机相比。
　　
但事实并不完全如此，上面的比较是不公平的，因为所有的一切皆取决于我们的应用。在一些特殊的行业，比如出版、影像、广告行业等，它们经常需要将图片放得很大。对这种应用，即时目前最先进的千万像素级数码相机，与传统光学相机相比，也捉襟见肘。而在家用领域，却极少有把照片放大到7寸以上的需求——即使7寸照片，200万像素也完全满足需要了。
　　
下面列出一组分辨率、像素与实际成像大小的关系：600×800=48万像素=3寸照片
700×1000=约80万像素=5寸照片（3.5×5英寸，毫米规格89×127）；
800×1200=约100万像素=6寸照片（4×6英寸，毫米规格102×152）；
1000×1400=约150万像素=7寸照片（5×7英寸，毫米规格，127×178）；)
1200×1600=约200万像素=8寸照片（6×8英寸，毫米规格152×203）；
1600×2000=约310万像素=10寸照片（8×10英寸，毫米规格203×258）；
1600×2400=约400万像素=标准照片（8×12英寸，毫米规格203×304）；
1600×2800=约400万像素=宽幅照片（8×14英寸，毫米规格203×356）。

（注：以上分辨率是相应尺寸照片所需要的分辨率，可能与数码相机所能调节的分辨率档次略有不同。一般地，图片的分辨率乘积就是所需像素的个数。在同一相素数情况下，所能成像的最大尺寸也大致相差无几。比如，300万像素产品，其可调节的分辨率档次在数码相机中可能表现为2048×1536，也可能表现为1600×2000。）
　　
从上面的对比数据我们可以看出，对于普通家庭，如果没有特殊的放大需要，那么，300万像素应该是一个性价比都比较好的产品档次，甚至，200万像素也说得过去。如果在一种较低价位上，片面追求高像素值，那就极有可能损失相机的其他功能，而这些功能，比如变焦能力、微距拍摄能力、镜头质量、芯片处理速度等，对数码成像的质量而言，同样是极其重要的。这也是为什么有些300万甚至400万像素的数码相机，所拍摄的画面质量倒不如部分200万像素级产品高的原因。现在的一个市场趋势是，许多厂商正利用用户对像素的盲目崇拜，玩起了像素升级的游戏。当然，升级的代价是成本的迅速增高。即以索尼的P系列看，其P52、P72与P92相比，除了像素由300万增加到500万外，功能几乎没有其它质的改变，然而，就是这个像素的变化，就引起了价格从2500元到3500元的变化——几乎增加了1000元！
　　
为了迎合用户对像素的偏好，有些厂商还在插值像素上大做文章，比如说富士的SuperCCD技术。而插值像素的真面目是，通过软件运算得到新的像素数，从而提升画面的分辨率。由于新像素不是CCD的物理感光点产生的，也即不是对画面的真实描绘，虽然画面可以翻倍地增大，但画面质量必然有所降低。因而，购买时一定要搞清楚光学像素与插值像素的值到底是多少。

被人忽视的CCD大小

如果拿索尼的MVC-CD300与P92这两款产品放在一起比较，我们就会发现，前者是300万像素，而后者是400像素，但前者价格却比后者高了近2000元！个中原因在于，除了镜头的不同外，CCD面积的大小也是影响数码相机成像质量的一个极重要的因素。MVC-CD300是300像素，CCD面积为1/1.8；而P92是400万像素，CCD面积才只有1/2.7英寸——像素多的面积小，像素少的面积反而大。

　　
在选择数码相机时，只关注CCD像素数的消费者可能忽略了CCD面积这个更为重要的参数——可能，还有人把CCD的大小理解成了显示屏LCD的大小。而有的产品似乎也不太愿意告诉消费者这个参数，干脆不标明自己CCD的大小。
　　
CCD面积的增大意味着什么？

在同样的像素条件下，CCD面积不同，也就直接决定了感光点（MOS）大小的不同。感光点的功能是负责光电转换，其体积越大，能够容纳电荷的极限值也就越高，对光线的敏感性也就越强，描述的层次也就越丰富。相反，如果感光点的体积过小，就容易出现电荷溢出的现象，使画面出现噪点。

不仅如此，CCD的大小还直接决定了焦距的长短。数码相机由于CCD面积远小于传统光学相机的35mm胶片，因而，它的镜头焦距就可以做得很短。如果增大了CCD面积，则必然要带来镜头焦距的变长，这自然会提高生产的成本。同理，如果CCD小一些，那么，相机的在焦距变短的情况下，也能做出类似长焦的效果，当然，其拍摄图片的景深也会大打折扣的——这也是家用数码相机拍摄景深无法与专业相机比美的一个重要原因。
　　
基于这一点，有些数码相机玩家并不看好那种仅升级像素个数却不改变CCD大小的做法，他们认为，如果CCD面积相同，倒不如去买像素值低的产品。如果再联系上面对照表中的数据，在CCD像素处于一种浪费的状态时，这种说法不无道理。
对于专业数码相机，其CCD面积往往做的比较大，比如尼康D1x，其像素仅为547万，但价格却高达3万元左右，一个重要的原因是其CCD面积高达23.7mm x 15.6mm。与之相较，我们前面说过的索尼P92，尽管其像素为400万像素，比D1x仅少100多万像素，但其CCD面积却只有1/1.8英寸（即8.1mm x 6.64mm），远远小于D1x。

对于300万级的家用数码相机，一般CCD的大小为1/2.7英寸——即使400万像素级产品（如索尼的P92）达到了1/1.8英寸，但考虑到100万像素的增加，其MOS的体积并没有增加，CCD的相对面积也没有发生变化。但如果300万像素级的产品，其CCD面积却只有1/3.2英寸，那么，其成像质量肯定要打折扣；而有的虽然标称像素值很高，比如部分国产300万像素级产品，但却不肯标明其CCD大小。对于这两种情况，消费者在购买前一定要问个清楚。

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逆光摄影具有极强的艺术表现力，深受摄影者喜爱。要拍出好的逆光作品，对光线的把握至关重要。就太阳为光源来说，它的光线每时每刻都在变化，尤其是在光线强度、角度以及色温等方面的变化，对逆光拍摄有着重要的影响。要熟悉不同光线的特点，把握好其内在规律，掌握好拍摄时机，如此在拍摄中就可游刃有余。
　　拍摄不可盲目进行，要先搞清拍摄意图，再决定选用何种光线、构图等等。一般来说拍摄光线分为两大类：自然光源(阳光)和人工光源。
　　着重来说一下自然光源，为了便于把握，把它分为三个时段。
　　第一时段为日出日落时分，光线与地面的夹角较小（约为O°－30°），强度弱，对逆光拍摄是很有利的，尤其是拍摄较矮小的物体时。色温低，能较好的烘托气氛和意境，使作品形成一种暖色调。需注意一点，在日出日落时，光线的变化很快，壮丽景色瞬间就从眼前溜走了。要充分加强前期的准备工作。
　　第二时段是在日出后和日落前两个小时，此时阳光与地面约成30°－80°角。如果天气正常，光线较强烈，进行逆光拍摄会遇到强烈的晕化，不利于表现事物形态。应尽量避免直接面对光源来拍摄，多采用其它物体的反射光束拍摄，即可减弱光的强度。
　　第三时段是正午时分，这时光线与地面基本处在垂直状态，光线十分强烈，对逆光拍摄极为不利。可以利用前景或被摄物作自身进行遮挡，使阳光形成强烈的放射效果。记得有一幅拍摄自由女神的佳作，就是在正午时间，作者适当的遮挡，巧妙使强烈的太阳刚好处在自由女神高举的火炬后面，形成强烈的放射效果，犹如火炬发出的耀眼光芒。这样既较好的调节了光强度，又增加了作品的艺术魅力。
　　若遇到坏天气，要扬长避短，在不利的因素中寻找积极的契机。如在海边或湖区，一般水气、雾气较大，能见度低，但若合理的利用既能柔和光线，还可更好地表达意境。

【美文共赏】
1 不要在接触摄影之前去反复琢磨自己主要拍什么次要拍什么不会去拍什么,想也是白想,更不要以此得出个什么结论而去决定买什么器材了.100%的人不会在学会开车之前问自己会去哪条街不会去哪条胡同一辈子出几次车祸闯几回红灯.摄影的道路是在未知中,依靠兴趣探索前进的,完全不必人云亦云,附庸风雅.

　　2 不要迷信要拍好某种题材就一定要装备某种器材,譬如说拍人像就得85/1.4,拍风光就得16-35/2.8L,拍昆虫就得100/2.8MACRO~~~你会成为败家子一个.广角也可以拍人像,长焦拍的风光更有特殊味道.所谓某款镜头是人像头,某款镜头是风光头,这样的广告词都是用来欺骗业余消费者的~~~

　　3 相机是用来制造视觉享受的,不是用来砸核桃和遇到歹徒自卫反击的.尽量选择轻便实用的相机是比较务实的,当然,外型要漂亮,起码和自己的外型要相得益彰.

　　4 所谓一镜走天涯的镜头最好不要买,因为你很没有可能会走天涯,如果你有条件走天涯,就更不能用诸如24-300这样的镜头拍东西了,为什么?问问买过这样镜头的朋友就知道了,他们正郁闷也说不定.

　　5 没有任何基础,也没有兴趣研究相机基本知识的话,不妨先选择数码口袋机,要能手动调节光圈的,不要买傻瓜机,不要买胶片入门机.因为你一旦发觉自己真的越来越有灵感,你会痛苦地再花一笔钱买更好些的相机,这是定律.而现在从胶片入门,也是过时的做法.

　　6 网上的好看照片,包括论坛里的精品照片,特别是数码作品,,几乎都有后期的精心制作,这也是摄影不可或缺的一部分.所以在论坛里,有心请教DX的话,应该多从他们那里诚恳的挖掘PS****,而不是采访他们按动快门一瞬间的灵感是哪里来的------我的意思是,灵感是很难学会的,而技术是共通的.

　　7 参加各种拍摄活动固然可以迅速提高水平,但是不能进一步提高水平.摄影是门孤独的艺术,不论是人像还是风光,独立思考之下才可能有独特风格的令自己满意的作品.所以,我的观点是,想多交朋友,就多参加活动;想长进摄影技术,就尽量单练,自己悟自己的,其乐无穷.

　　8 既然是玩摄影,就不必遵守太多的教条,可以先沉浸在自我满足后,再慢慢接受其他人的意见和建议,毕竟摄影是主观艺术嘛.当然,得到更多人认可是种让人上瘾的享受.我的意思是,不必太把别人的评价当回事情,没有人比你自己理解自己的摄影追求.

　　9 拍人像,不要从美女帅哥开始,那会让你有种惰性.真正的美女帅哥怎么拍都好看.建议先从老的和丑的拍起,而且拍这样的模特心理压力小,一般也不苛求你拍的多好,而他们一般也知道自己不怎么上镜,而你一旦拍好了,多有成就感!

　　10 在摄影论坛评片,对于新手来说,更不要去吹捧DX,妄图以此换来DX好感而教你几招根本就是白搭,正确的做法是,合理拍砖,带着质疑去提问~~~DX们往往会使出浑身解数澄清他的创作理念,这样,就提高更快了.

图片文件大小并不反映图片的质量
jpeg是有损压缩，压缩比越大，文件就越小，丢失的信息就越多，这个丢失是丢失的像素的质量，像素数量并没有减少或增加。所以，兆数增加，并不意味着可以出更大的图。

对于一个已经是JPEG格式的文件，其前次压缩已经丢失了信息，通过其他软件处理后存为低压缩比的形式，只意味着这次压缩丢失的东西会少一点，而前次丢失的东西并不能找回来，所以，整体而言图像质量并不会提高。

根据文件兆数来判断图像质量是不合理的，虽然质量高的图片文件体积应该大些，但这是自身对比而言，并不必然。反过来更不确定，就是说，兆数大的图片未必质量就高，例如，噪点多的JPEG图片体积就会很大，而画面干净的照片，压缩比大一些，兆数就少。

慢慢学习知识贴……

谢楼主！

关于胶片
这两年越来越多人玩数码，但也有不少玩数码的开始回头玩胶片了。这里不谈数码与胶片的优劣。尽量避免胶片、数码大战。

胶片究竟是玩反转还是玩负片。其实一直有一个小小的误区。通常有人说反转片专业、负片业余。其实要客观分析两类胶片的优劣应从几个方面来比较：
1、观片：
反转片大多是以幻灯片观赏为主，这是所有介质（包括数码）无法比拟的优势。记得我在大一的时候，老师讲建筑，通常把他们在国外拍摄的片子通过幻灯放映出来，那效果非常震撼。现在终于拥有120幻灯机了（甚至有些大侠还玩更大片幅的幻灯机），那打出来的效果更加震撼、细节更加丰富（场地和屏幕要足够大，至少3M以上），这也是玩摄影最有魅力的一种方式，三朋四友聚一起，在大屏幕上观赏幻灯，那个毒呀，毒翻了多少英雄豪杰。而负片是无法直接观赏的，只有扫描再投影或者出片子观赏。数码片子或者胶片数码化后通过投影仪放映，其1024或者再高一点的分辨率是远远无法和幻灯机直接光学放映出来的分辨率相提并论。由此比较，反转片明显胜出。
2、数码化：
由于早期电分机不能对负片进行扫描，所以专业摄影只能拍摄反转片获得印刷制版所需要的复制大片幅正片（那时的电分机功是为了拷贝印刷用规格的正片，而不是现在为了获得数码化的文件从而数码出片）。正是这个原因，导致了人们的一个说法，专业拍摄反转片、业余拍摄负片。当然反转片贵、负片相对便宜也是这个误解的原因之一。现在扫描仪普及了、档次也高了，若是论扫描而言，除非非常细心并匹配合适的软件，反转片的扫描效果是略优于负片的（高档专业扫描仪和电脑高手除外）。从这个角度比较，反转片小胜负片。
3、出片：
其实很多人忽略两种胶片的出片比较了。按目前商业化出片的主流，都是数码化后再数码出片，负片、反转片其实没有多少区别。两种胶片都经过：扫描——PS——转送到出片的数码冲洗机——数码冲洗出片，这样的数码出片中间过程多、设备环节多（扫描仪硬件、软件的不同、电脑显示器的差异、PS操作差异、电脑文件与数码冲洗机的色彩管理匹配、数码冲洗过程的色彩管理等等），因而效率高的同时，其结果是色彩、层次、立体感、质感等损失太大了，往往照片的直观感觉是非常塑料感。一段时间后，严谨的摄影者发现，高档光学精放出来的照片品质远远高于数码出来的照片，从色彩层次、立体感、细节等方面相差不是一个档次。但反转片直接出片（CIBA工艺）的确太昂贵，目前国内也暂时只有“成都叁壹”一家经营。大多数人、大多数片子都不敢用这个方式出片，除非特别满意的片子，要送展、或者将自己的得意之作放大送朋友，花费几百元作几张，到还算是不贵。而光学直放的负片效果不仅明显优于反转片数码出片的效果。而且有价廉（胶卷便宜、冲洗便宜、放大便宜）、宽容度大等优点。从出片来看，负片胜出。
4、拍摄：
反转片的宽容度是一个非常头痛的问题，谁也不敢保证你的暴光是准确的(所以很多人是采用包围暴光的无奈办法)，借用“黯淡的光辉”兄的一句话，暴光只有合适，没有准确。既然没有准确的暴光，反转片的效果则大打折扣了。从这个角度比较，负片在有非常大的优势胜出。
补充：
5、分辨率：
胶片因颗粒等原因，按分辨率大小排序：黑白负片——彩色负片——反转片（同规格胶片比较）。从这个角度讲：负片胜出。当然现在由于使用负片的人越来越少，市场急剧萎缩，很多商家放弃了负片的高质量冲洗，因此冲洗负片的效果很差，除了管理（JS）有关系，也与设备投资有关系。市面上大多是传统滚轴式冲洗机，对胶片的伤害比较大，胶片药液的工序也不干净。但象“成都叁壹”等专业商家采用意大利“泰诺莱”专业吊挂式负片冲洗机（与高档次反转片吊挂冲洗一个原理，只是工艺是C-41），胶卷冲洗质量问题可以得到解决了。光学精放一直市场上有存在，高级发烧友自己投资放大设备也不十分昂贵。当然高品质的放大可以交专业的光学精放商家完成，价格也和数码出片差不多。

【小贴士】吊挂冲洗和传统彩扩店冲卷机冲洗负片的区别
C-41吊挂冲洗与传统彩扩店冲卷机的有很大的区别，主要是在冲洗原理及工艺上有许多的不同，就设计原理而言，彩扩店冲卷机讲究的是效率，冲卷量非常大，吊挂冲洗量却相对小，时间长，仅仅适合高标准要求的专业负片冲洗，不适合大业务量的民用冲卷。从冲洗工艺而言，吊挂与传统冲卷机的主要有如下区别：
1、显影：首先高档的吊挂冲洗机显影温度的精度一般控制0.1度，同时采用氮气搅拌药液工艺（打2秒气、停3秒，直至显影工序完成）。这个类似E-6反转片冲洗工艺是为了保障显影液的活力，使显影更加充分、均匀。
2、漂白：采用的是空气搅拌药液方式，从而保持漂白液的活力。漂白工序长达6.5分钟（彩扩店冲卷机一般是19秒—3.5分钟不等，由于时间短，胶卷乳剂还没有完全完成化学反应就转移到下一个工艺），使金属银充分转化为卤化银，从而胶片成品的颗粒更细、色彩更加饱和、暗部层次和细节更加丰富。
3、定影：空气搅拌6.5分钟（彩扩店冲卷机一般是19秒—3.5分钟不等）。
4、水洗：这个工艺是一般冲卷机和彩扩店冲卷机最容易忽略的环节，吊挂是使用经过净化的水，不断进水的同时空气搅拌，水洗更加彻底、干净。照片非常通透。
直观区别吊挂和彩扩店冲卷机出来的片子，以135为例，彩扩店冲卷机片头是咖啡色，高档吊挂冲洗机出来的片头是黑色的。由于专业负片相比一般民用负片的化学乳剂药厚很多，建议追求高品质效果的影友尽量用专业吊挂冲洗。
   最近，我外出采风开始同时拍摄反转片和专业负片了，反转片用于放映幻灯，负片用于出片，这样相比包围暴光还保险些同时还不贵。

闲话相机收藏
我经常和爱好摄影的年轻人聊天，侃摄影创作，也侃摄影器材。
       大多的年轻人现在使用数码照相机，而对传统照相机不大了解，更有根本不知道传统照相机的结构和原理的。虽然现在摄影不大使用传统照相机，但作为一个爱好摄影的人，还是应该学习了解传统摄影器材和传统暗房技术的，现在大学的摄影系课程里，仍然少不了这些教程，说明这些内容是一个摄影人必修的课程。
       传统的摄影器材如今已经使用不多，很多老的摄影爱好者，甚至当年那些从事专业摄影的工作的同志，梦寐以求的尼康FM2、佳能A系列的机器因为经济条件而没有实现，数码时代已经来临，这些当年的经典相机，令人怀念。
       笔者在临沂桃园电子广场看到一家数码照相机柜台，一台代卖的8成新玛米亚120单反，标价1200元，另一柜台代卖的尼康FM2标价1000-1200元，一些名牌高级的变焦镜头更是便宜的令人不可置信......，这些经典机当年可不是普通摄影爱好者玩得起的东西，而如今被当作古董※※※※，令人感叹。或许它们可以当作藏品列入藏家的收藏，但如果用它搞创作仍然无疑是利器。
       收藏相机，目前是否是个最适宜的机会呢？照相机收藏的前景会如何呢？笔者最近了解了全国最大的照相机收藏群体沈阳那边的信息，他们也正处于慌乱时刻，有人耐不住，已经开始把原来高价买进的藏品流血甩卖......看来数码相机对传统相机的使用和收藏冲击是巨大的。
      不管数码风暴来的多猛，但我认为那些已经绝后了的传统名机仍然有收藏使用双重价值的。一般在光比较大的环境下和风光、人像摄影,传统胶卷照片过渡得细腻是数码相机的照片所不如的。
       目前国际市场的感光胶卷还不可能马上退出※※舞台，而且近段时间，感光材料市场还可能会因为受数码印相冲击的萎靡，随之带来国际性涨价的可能。
       收藏是一种文化，是一门学问，是一种乐趣，也是一种痛苦和艰难。但可以肯定，照相机收藏是一个很有意义的事情。
       我建议对照相机不很熟悉的朋友还是先学习后藏，不要盲目的投资，特别是设想做长线投资收藏的更应该注意。 若是非常爱好摄影研究，不妨花很少的钱买套名牌传统相机，既能使用，又能收藏。
     1979年到1990年之间，我因为工作的关系，对摄影投入了很大的精力，并着迷于各种老相机的收藏。当时工资才几十元，我却敢花800多元买一架老的禄莱福莱120照相机。其间连续共买了德、苏、日各式照相机约30多架，并因为相机的收藏认识了江西大学新闻系的留苏老教授王练老师，通过书信来往，得到了他的很多支持和指点。不过后来经济的原因我“悬崖勒马”了，感觉投资不起这个内容的收藏，可我因此学会了对传统机械相机的修理技术，解体拆修过好多复杂的单反、旁轴平视取景相机，这个算是唯一所得。
       从我的经验看，照相机收藏者必须深懂这些传统照相机的结构和原理，并能具备一定的修理技术和能力。我不建议对传统照相机很陌生的年轻朋友马上以此为主搞这个方面的收藏，如果你很爱好它，准备对传统照相机的结构和原理作深入研究，在这个方面试图作点学问，这当然可以收藏研究，如果只是感觉好玩而已，搞一两架也未尝不可，但开始搞最好不要涉及太深，否则自己会进退两难。
       传统照相机经历了100多年的发展※※，不断地发展和进步，其中日本尼康、佳能、潘太克斯、美能达、理光等大公司的产品，70年代后突飞猛进，推陈出新，在传统照相机的设计制造中，应用了高科技电子技术和微电脑技术，使得其雄霸世界照相机市场。
       虽然现在数码照相机不断推出更新的品种和功能，并日益普及，但传统照相机在一些特定领域内仍然具有它的特殊必要性和实用性，如医学、教学、科技研究、航空航天、复杂环境的探险等方面仍然在使用，它具有数码相机不能替代的功能与作用，这一点我们还是应该明白。

谢您的支持！

浅谈上网礼节
【相关讨论】
熟悉Netnews/Usenet的可能都知道Netiquette这个单词，它来自于network etiquette，直接翻译为“网络礼节”，但我觉得翻译成"上网礼节"更合适。
Netiquette起源于早期Usenet Newsgroups从几个学校走向全球的时候，一夜之间从一小群非常紧密的学者聚集的地方变成全世界(北美为主)的学校和大公司的网上社区，尽管还是在一个比较小的圈子力，因为不是所有公司和学校的电脑网络提供Newsgroups。中文里的那句“林子大了什么鸟都有”也在Newsgroups上应验了，谩骂，人身攻击等现象也常常发生。结果还是一帮学者忙活了半天编写了一份《网络礼节》，新上网的理应都要读这篇文章。可惜最早的那篇《网络礼节》已经找不到了。
万维网(world wide web)的诞生把虚拟网络世界带到普罗大众的家里，可以想像网络礼节更成为一个重要问题。与互联网的商业化一样，网络礼节也变成了一个商业机会，有关这方面的书籍也出了不少。
可惜的是这方面的中文资料不多。有感于当前论坛上的一些行为，我的朋友挑选了Virginia Shea写的一篇《网络礼节》节选意翻译出来，仅供大家参考。

网络礼节很简单，总共有十条：

Rule 1：Remember the Human
礼节一：记住人的存在
互联网给予来自五湖四海人们一个共同的地方聚集，这是高科技的优点但往往也使得我们面对着电脑影屏忘了我们是在跟其他人打交道，我们的行为也因此容易变得更粗劣和无礼。因此《网络礼节》第一条就是“记住人的存在”。如果你当着面不会说的话在网上也不要说。

Rule 2：Adhere to the same standards of behavior online that you follow in real life
礼节二：网上网下行为一致
在现实生活中大多数人都是遵法守纪，同样地在网上也同样如此。网上的道德和法律与现实生活是相同的，不要以为在网上与电脑交易就可以降低道德标准。

Rule 3：Know where you are in cyberspace
礼节三：入乡随俗
同样是网站，不同的论坛有不同的规则。在一个论坛可以做的事情在另一个论坛可能不易做。比方说在聊天室打哈哈发布传言和在一个新闻论坛散布传言是不同的。最好的建议：先爬一会儿墙头再发言，这样你可以知道坛子的气氛和可以接受的行为。

Rule 4：Respect other people's time and bandwidth
礼节四：尊重别人的时间和带宽
在提问题以前，先自己花些时间去搜索和研究。很有可能同样问题以前已经问过多次，现成的答案随手可及。不要以自我为中心，别人为你寻找答案需要消耗时间和资源。

Rule 5：Make yourself look good online
礼节五：给自己网上留个好印象
因为网络的匿名性质，别人无法从你的外观来判断，因此你一言一语成为别人对你印象的唯一判断。如果你对某个方面不是很熟悉，找几本书看看再开口，无的放矢只能落个灌水王帽子。同样地，发帖以前仔细检查语法和用词。不要故意挑衅和使用脏话。

Rule 6：Share expert knowledge
礼节六：分享你的知识和快乐
除了回答问题以外，这还包括当你提了一个有意思的问题而得到很多回答，特别是通过电子邮件得到的以后你应该写份总结与大家分享。

Rule 7：Help keep flame wars under control
礼节七：平心静气地争论
争论与大战是正常的现象。要以理服人，不要人身攻击。

Rule 8：Respect other people's privacy
礼节八：尊重他人的隐私
别人与你用电子邮件或私聊(ICQ/QQ)的记录应该是隐私一部分。如果你认识某个人用笔名上网，在论坛上未经本人同意则将他的真名公开也不是一个好的行为。如果不小心看到别人打开电脑上的电子邮件或秘密，你不应该到处广播。

Rule 9：Don't abuse your power
礼节九：不要滥用权利
管理员和版主比其他用户有更多权利，他们应该珍惜使用这些权利。游戏室内的高手应该对新※※下留情。

Rule 10：Be forgiving of other people's mistakes
礼节十：宽容
我们都曾经是新手，都会有犯错误的时候。当看到别人写错字、用错词、问一个低级问题或者写篇没必要的长篇大论时，你不要在意。如果你真的想给他建议，最好用电子邮件私下提议，人都是爱面子的。

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做男人是辛苦的! 房子,车子,女子,票子,每一样我们追求的东西都是得之太难,失之太易...

做男人也是幸福的! 世间总有数不尽美好的事物在某处翘首弄姿,等待我们去发现去欣赏...

做荡男又是更幸福的! 对于美好的事物,宅男只懂得天长地久,荡男却只要曾经拥有. 林子里那么多树,荡男们才不抱着一棵不放. 轻轻的我走了,正如轻轻的我来了. 挥一挥衣袖? 那境界还差了点儿,荡男们一眨巴眼就消失了 ...

然而房子太贵车子太快,女子太难懂票子太难攒...

没事儿,荡男们还有机子和镜子...

小家碧玉如佳能,风尘女子如尼康,光鲜亮丽如索尼,高贵典雅如莱卡,明眸善睐如蔡司,在拥有她们之前,每一个都是荡男们在深夜独处时YY的对象,一旦拥有后便是荡男们之间高谈阔论互相炫耀的资本. 而当新鲜感快速褪去后,荡男们又将她们如烫手山芋般甩开,并迅速开始寻找下一个目标. 当然,这并不妨碍这些美人被其他垂涎已久的荡男接手.

无忌荡男俱乐部正式成立并从即日起开始招收会员！

条件：不限年龄但限性别，不限器材门派但必须热衷捣腾, 不限上图质量但追求上图数量 ...

荡男俱乐部会员花名册:

alin555, 黯无天日，不孤单的北半球, bc362, closerdan, corneachen，峰子, 害o虫wewe, 含笑出刀, 化名，jasonx, justinlee, 郎笑藕丝长, LFT, 岭湖葱, 票根, 色而不淫，沙尘有梦，SODICK, sysmax, 天赋有限, 无忌小泡菜, 愿镜头筒早日用塑料，咱家是猫, zhouzhi, Z氏CX6330, 左岸咖啡

——名单按字母顺序排列, 俱乐部建立伊始，人员名单请各会员发扬自我检举和互相检举的YD精神积极补充

荡男经典语录

引用:
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原文由 化名 发表

现在岁数越来越大，喜欢的女人也越来越不张扬。
最开始明白男女这回子事的时候，因为当时所处的时代和条件，全中国甚至全世界都是以正统或者称之为传统女人为主流的，正统女人，大家都知道，俘获她是一个很慢的过程，甚至需要各方面学习，取得足够经验才能够获得一些成就感的。

所幸随时间的推移，社会越来越进步，产生了很多前卫、时髦的现代女性，而且大多年轻，充满诱惑力。最关键的是，很容易得手，也就是花点钱的事情。
凭着年轻和死缠烂打的精神甚至工作机会的便利，亲近这样的女孩子对我来说是一件很容易的事情，总之，到手更容易，因此也从来没想到珍惜，如此这般的很直接的拥有抛弃、拥有抛弃。
老话说得好，容易到手的往往不是好东西，这几年的很真实的验证了这一条定律。快餐式的女孩子在那个晚上一定可以和你上床，也一定能到高潮，而且很快很直接，都不需要你的玩味，不需要你来烘托情绪，在一种或者激情或者暖洋洋的气氛中申请的看着她，不，这都不需要。
你只需要脱下裤子，抬头一看，女孩子早就脱光了，一切准备就绪，你只需要做扫射的工作就够了。而且，这样的女孩子随便你用各种传统的非传统的方式、体位来蹂躏她，不但毫无怨言，而且配合的还真不错。
要命的是，完事之后，一点期待感也没有，女孩子的反应当时倒是有，而且反应很快，时间很短可以说瞬间就到了高潮，然后呢？没有然后了！一种空荡荡的感觉。

与这样的女孩子交往，时间越长，越对上床失去了兴趣，每次云雨，味道就象跟干猪肉一样。而且每次，这样的女孩子反应都很一致，过程一模一样，无聊啊，真的无聊。
而那种我现在又开始喜欢的女人，需要你去爱护她，关怀她，了解她的性格和特点，知道你拥有她之后，许多微妙的性格我可能依然没有了解，虽然凭着精力，也可以随心所欲的ML，但是一番云雨之后，这样的女人却没有什么大的反应，但终于过了几天，你才会从她的眼睛里面，肌肤之后，对你的和谐上感觉到了自己前期努力的结果。当然，也可能因为你的技巧，这个女人最终什么反应也没有。

所以，我卖掉了所有的数码，重新喜欢上了胶片摄影方式―――――这个传统的女人。
不过，数码这个现代小女孩，偶尔搞过来一用，或者应急还是不错的。另外，对于年轻人学习奇技淫巧也不错，但是要是说，搞定了现代小女孩，就以为懂得女人，那就是真的有点不知天高地厚了。

总之：
性交容易做爱难

名词解释：
现代女孩子＝数码相机
传统女人＝胶片相机
高潮＝出片子
性交＝照相
做爱＝摄影
上床＝照相或者摄影的过程
随便做个比方，大家可别想歪了

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引用:
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原文由 jasonx 发表

CN的东西都玩得差不多了，徕蔡之路也在慢慢走

她就象个默默服侍你的小媳妇，一切都给你做到最好。但是，总让人觉得缺点激情。而且，我对这小媳妇的外表，一直不是很喜欢，觉得有点平庸。
SO, 我一直垂涎着尼康这个臭毛病很多的荡妇....

J:我觉得C的18-55超级狗头色彩比徕卡舒服
M:你找个阴天拍拍花草，或者弱光小品啥的。。
J:要是套头做工好点，我才他妈不用徕卡
J:试过了 还是狗头好
J:徕卡去死吧
J:ZF郊外不如AF郊外柔，ZEISS也应该去死
J:CN万岁！！！
M:你要轮回了
J:不过我还是用徕蔡，谁让CN做工这么狗呢
J：CN去死吧！！
(J=Jasonx;M=咱家是猫)

徕卡这个贵妇，从来都不是第一眼美女，她的风韵是要慢慢体会的。

小媳妇，只有无聊了想X一把，才会顾得上她
荡妇，跟她一起就想X，但是X完就懒得多看她一眼
贵妇，就算不X，抱着她跟她聊聊天，也是绝佳享受，X起来，就更爽了

我不介意强X你的七妹
你也可以诱X我的3512
丘舵用的是MP?
一起轮X得了

我在甘肃农村吃牛肉面，2块钱一碗，真tm好吃啊 ...

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原文由 黯无天日 发表

实在是觉得这么多年花了这么多钱在NIKON上，新鲜感逐渐淡去，同时又木有人给立牌坊，着实亏得慌，于是寻思伸手去摸摸邻家小妹依旧水嫩的脸庞，也算是不枉费此生，死后不至于阎王爷问起来才想起从没红杏出过墙。

还能相信天长地久吗？最起码在相机上，我是再也不信了，人心是叵测的，包括我自己。短短的一年前甚至几个月前我都会信誓旦旦地说这些个第一时间买到手的 ZF啊、这些个费尽心力还要天时地利人和同时福神罩顶才能收到的新新的F4S、F3们，全都是我今生的唯一。可是短短几个月后呢，甚至是一转念之后呢？曾经的机神、至高无上，全都瞬间崩溃了。

那一年，当FM2和那个著名的套头28-85在手上的时候，沉甸甸的，我早已忘记在那些月入百元的岁月里，是如何地筹集到这8000多元的天文数字的，那时候心里的神是F4，那时候甚至根本没有想过“天长地久”这四个字。

那时的时间过得似乎比现在要慢，“很久”之后，我有了F80，终于有了第一台AF相机，终于有了第一个横跨28到200的全能镜头，那个时候还没有发烧的概念，虽然已经开始在这条路上踩了浅浅的几个脚印。然后，开始心怡于3倍以内的小光圈变焦镜头，开始有了24-85/2.8-4，接着是廉价的大光圈变焦，图丽的20-35/2.8，以及第二代XGP。接下来是定焦们，35/2、50/1.4、85/1.8，和向往以久的F4S，虽然成色并不好。

这时候体会到了二手的好处，也为自己逐渐升温的发烧找了个更好的理由——“我烧，我不亏钱”，于是数码、胶片、手动、自动，虽然仍在一个品牌内，但是已经分不清算是几修了。直到终于，想起自己在摄影本身并没有太大的进展，“那么我总要手里有点什么东西值得炫耀啊”，看到了崭新的F4S们、看到了ZF们，于是又想起了天长地久这码事，于是，新的、以及牛头们开始进入视线。

买ZF、买17-55、买XZP。

然后...再卖掉...其实过程也还是相对漫长和痛苦的，但是概括来说，就是——折腾。

现在，终于又轻装上阵了，手里的收集了半天的东西又出掉七七八八，只剩下小小几样了。去玩玩SONY、玩玩ZA，然后再回来NIKON，然后呢？不管以后终究会怎样，至少，我是再也不会相信，有天长地久这回事了...

轻轻地咬SONY，第一口就很爽，那天135ZA寄来的时候，一层一层打开包装，直到镜头入手，我靠，冰凉刺手、黯然销魂！

那冰凉的纯金属的手感啊、那细腻得像是江南女子肌肤般的阻尼啊、那沉甸甸的重量感如同它的色彩般厚重油润，当遮光罩旋转数十度咔嗒一声滑入扣环的时候，整支ZF泛起青色的光，你知道可以开始在它敏感的身体上轻轻滑动你的手指了，而它将带给你想要的一切，超乎预期......
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原文由 愿镜头筒早日用塑料 发表
我 怎 么 看 着 JS语 录 ， 越 到 后 来 越 象 是 在 掌 自 己 的 嘴 巴

我 是 无 法 GOING DOWN了 ， 这 段 时 间 把 自 己 的 东 西 歇 了 ， 借 了 不 少 别 人 的 东 西 来 玩 ，本 来 以 为 拿 着 MP自 己 就 能 成 大 侠 ， 没 想 到 我 越 用 居 然 越 讨 厌 ， 真 TM重 ！ R系 更 是 ，更 大 更 重 ， 手 感 好 ， 做 工 精 致 的 东 西 还 是 不 会 欣 赏 ， 我 楞 是 觉 得 忒 难 看 了 ， 也 没 闻到 那 传 说 中 的 香 槟 味 ， 不 过 ， 底 片 倒 真 的 可 以 放 很 大 。

回 头 还 被 同 事 取 笑 了 一 番 ： 你 丫 不 过 是 一 根 大 棵 一 点 的 葱 ， 还 真 以 为 自 己 成 蒜 了 。

哇 靠 ~~~

我 仿 佛 看 见 JS在 前 面 向 我 招 手

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原文由 无忌小泡菜 发表
泡无忌以前，我觉得幸福的生活就是：每年有年休 能有个十几天的假期，能带着DC拍点到此一游；

到无忌之后，才知道：原来，单反要玩N修（N>双） 镜头要全套的，而且还要手动到自动、焦距要从20-600、不但要变焦，还需要定焦。角架要捷信的，云台至少也是冈仁波齐的。然后，出去拍片自己能背完全部设备的都不能算摄影师,至少、、、、、 背上背一个，腰上别一个，手上再提两，那才算照相啊    
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原文由 sysmax 发表

BBQ说我狠符合,于是来这里报个名了...
我的志愿是把CNSPL各家的当红花旦都□□□□一次...能算上荡么?

最近流行※※,刚开始把L的屁股塞扫C的身体里...这下开始琢磨着这这丫塞到N的身体里了,毕竟那个D3真是让人YY啊...要不是BBQ让他的218mm裸体诱惑我,我还真干下这种罪恶滔天的行径了...还是先看看无敌□□□□□□性感不性感再说...

前几年的确是穿过一阵的,那年头,把红色的内裤穿在外头,别提多风骚啊
但后来穿到第二百(D200)条的时候,红裤叉歪了...所以以后干脆不穿了,现在流行把红裤叉别在头上,就是人家说的红圈头...

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原文由 不孤单的北半球 发表

200/1.8，为了这个镜头，我几乎放弃了手头整个成型的sm系统。。。
青春没有后悔，这就是200/1.8！！
135/2L，速度、色彩、焦外、做工、性价比。。综合起来完美的镜头
仔细的品尝，发现85L与众不同的味道

拍人像只有上面三个镜头是不够的，你还需要一支14LII

徕卡50/1.4 e60，用过之后才能知道为什么一个标头也能好的令人发指

索尼135/1.8za，即使不是最好的人像头，也一定是最好的之一

索尼85/1.4za，出生在135za阴影下，85za继承了众多85/1.4的光荣传统，你不是一个人在战斗，也许当sony的全幅出来之后大家才能知道你有多好

。。。

向我用过的伟大的宾得、尼康、佳能、美能达、索尼、徕卡、东西蔡司、富士、理光、奥林巴斯、福伦达、爱展能、亚西卡还有一些不记得的相机品牌 致敬
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原文由 closerdan 发表

我们年轻的时候，总是热衷于不停的向比我大的那些哥们儿们絮絮叨叨的说自己喜欢某个女孩一样，反反复复地说同一个女孩的同样几件小拇指、眼神儿那类的琐情，不断重申--那些事情在我的眼里多美多纯真...... 我们长大后，才发现，我的成熟哥们儿们是多么的得体和矜持，从来也不打断我的叙述并貌似也一同沉溺于梦中。其实，他们想的是：这个傻小子！多美多纯真有个蛋用，很黄很暴力才有效果嘛。

现在我主要用carl zeiss jena20/2.8、cz planar 50/1.4、super takumar85、cz planar 85/1.4，smc takumar135/2.5（后期）leica R35/1.4 R35/2 R50/2 R90/2.8 后宫佳丽三千宠幸了个遍，后来我终于发现，里面还有5万多的美女等着我呢，鉴于我的“精”力和我的“才、财”力。算了，我也看透了，玩过那么多镜头无非就是我想体会宠幸后宫佳丽3000的感觉,最终，留下的也就是一两样俘获你心灵的，它不一定最贵，应该你有归宿感的。是最NB的。

2008年的早春，我背着老婆不远万米来到soho跟一个荡男约会，他叫jasonx，从此，我的器材有了天翻地覆的变化。从收破烂的变成了人贩子，--原来都是农破铜烂铁、现在的变成了折腾俘获人心的尤物。不多说了，还是那句话，我跟jasonx兄说过，“精”“简”--- 简于形而精于神。

周星驰说，我，其实是个演员 ... 荡来荡去，弄到最后，浑身上下看起来完全像个剧务．

我的器材到此为止，希望别再荡了，岁数不小了，该收收收心了。（仅仅是□□□□，别理我）

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原文由 票根 发表
LEICA镜头特别是老镜头,有点像大师制作的茶壶.都能装半升水,但彼此之间却不是一回事,有的适合泡红茶,有的适合陈年普洱.有的干脆就适合收藏.

相对而言, 很多大批量生产的镜头就像是可乐, 有355ML听装,有600ML瓶装,还有2L特惠装..价格不同,里面东西却都一样的.

看楼下折腾云台,不才也很喜欢折腾这个东西,就MARKINS和冈仁波齐,我分别有2个和3个...其实没必要,完全是为了对比看看哪个更好. 其实都很好,冈仁波齐以前的产品发生过故障,关键时刻让我的LINHOF几乎无台可架,最后竟然被NB-3A那个小东西顺利完成了任务...但近期的产品质量和性能有了明显的提升,前些日子弄了个NB-2B白色的纪念版,非常好,几乎就是工艺品.

MARKINS 当然也非常好,Q3和M10都值得拥有,手感做工极佳.不过目前手里的这两个云台还没经历过严酷环境的考验,不敢乱说.

如果手里有长焦镜头,一定要弄个WIMBERLEY, 推荐SIDEKICK, 如果是400-600MM的重炮,H2是终极之选.用WIMBERLEY HEADII和SIDEKICK架长炮拍照是一种享受,严重向各位推荐. 不过我用SIDEKICK的机会比较多, HEADII买来两年尚未开苞.

个人体会云台这个东西也是要一步到位的...否则就是浪费钱. 不过一步到位的这个"位"字很难把握,很有可能导致像我这样的云台的数量超过使用云台次数的"悲剧".

本来决定不烧云台了,结果前一阵子被忽悠上8X10,8X10还没影呢,就先弄了个曼附图405....

生命的乐趣就在于折腾,有的时候折腾起来比拍照本身更有意思.

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原文由 色而不淫 发表
俺虽然也有2个冈仁波齐，但是MASRKINS只是玩过，始终没有买进，因为俺现在几乎不用球台了。曼富图405今年刚买了一个，替代了年老体衰的 410；金钟的云台实在乏善可陈，不过看到PH-285可互换左右手调节杆不错，还是买了一个；捷信的云台G1276M和G1377M被俺骂过好多次了，不过G1570M实在不错，先后两次买进；为了架重型4*5，不得不去找RIES，看到国内竟然有仿的，而且还有改进，于是又掏钱购进；至于三脚架，乱七八糟大大小小可能有10多支，唉，朋友们最喜欢跟俺借三脚架了，型号比店里还多。

其实一直觉得120系统比135系统好玩，因为120结构更多样化一些，各家的特色也更鲜明些。

俺最早入手的120系统是禄莱6008I,后来又折腾过6006，镜头包括50、80和150、2*镜；
之后入手的是宾德67II系统，这套大135真是不错，以至于俺先后折腾了2大套，从45、55-100、90、165、300ED、2*镜，当过一阵子宾德67II俱乐部的管理员，后来还是全出了，实在受不了那咵嚓一下子的巨大震动；

富士GSW690III是一台很实用的大135，镜头素质真的很好，镜间快门也十分轻柔，6*9的大片幅也很适合风光表现；

哈苏看着漂亮，用着实在很一般。不管是503CW还是501C，50、80、120微距、180，以及203FE和FE50/2.8，俺对哈苏实在没留下啥好印象。

宾德645N2短暂玩过一阵子，怪不得影楼用得多呢，真的跟135自动机器没啥区别，除了装卷烦一点，换卷要勤一点；

短暂的玩过一阵子杨氏612+施耐德65/5.6，根本没机会去新疆或甘南，还是出了；

林好夫的技术70虽然是座机的结构，不过因为片幅是6*9，还是算在120系统里面。俺到手的那三只镜头65/5.6、100/2.8和180，都TMD的速度不准，气死人了，出！

富士GX680俱乐部虽然是俺开的，但是这套东西用得还不是很熟，80+125+180的配置也只能是满足影棚内静物拍摄的需要。要不是那只50的广角一直找不到，说不定这一大套也就保留下来了。

玛米亚RZ67II是俺一直保留着的120系统，50ULD的素质丝毫不亚于哈苏50，比宾德45要好一截。90、140MICRO和180的搭配，也能应付最严格要求的静物拍摄。再找一只75移轴，俺就耐心的等适配的数码后背降到俺理想的价位了。

潘太康没玩过、博朗尼卡没玩过、基辅没玩过、折叠机没玩过......120系统还有好多课要补啊！
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原文由 咱家是猫 发表

初识国色，觉高不可攀，或自惭形容猥琐，难匹其貌；或自问囊中羞涩，难供其需，于是退而求其次：流连与庸脂之间，耽溺于俗粉之畔，如是若干载，直至某日，忽而惊觉：庸脂俗粉，绝非吾之所欲也。惟有国色乃吾良伴，遂遣而散之，揽国色，亲芳泽，闻娇语，偕以游天下，乃识人间至乐，无逾于此，庸脂俗粉，自不稍存眼中矣。
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原文由 天赋有限 发表
相机和女人还真有点相通之处： 买得起未必用得好，得到人未必得到心，没钱不行但金钱永远不是万能的。
照相容易摄影难，性交容易做爱难，和谐恩爱老夫老妻最可贵。

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原文由 含笑出刀 发表
如果你爱一个女人，就用NIKON给她拍照，这会让她每一个动人眼神光彩照人；如果你恨一个女人，也用NIKON给她拍照，那会让她每一个青春豆豆无处藏身……

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引用:
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原文由 郎笑藕丝长 发表

男人与镜头，焦段是男人的JJ光圈是女人的BB...

但凡玩镜头的男人都有一个过程，此过程与一个人的成长经历是一脉相承的...
具体一点儿就是男人一生的性爱里程...当然了这里也不排除一些另类的猛男...

1、三十岁以下的男人，尤其是刚入门的壮小伙，都喜欢套头或是一镜走天下的镜头，就像刚娶了新媳妇，此时的男人喜欢伸缩自如的焦段，且越长越好，很不得从 10到300全整了，哈哈可充分去张扬其JJ的能力，此时的女人更是激情风骚，来吧，你的焦段越长她的光圈收得就越紧...真乃是配合的无衣无缝，翻云盖地，博得个月满花芳...
2、四十到五十岁的男人，此时本人也该是事业小成了，他的女人也功德圆满为其延续了烟火，她的光圈也不似当年那样收缩自如了...此时的男人就要去享受那恒定的光圈了...但他们还是要去张扬他们的焦段，用他们各个焦段的定焦大炮去充分蹂躏那恒定的光圈...
3、六十岁以上的男人，玩够了耍爽了，哈哈，体力也差不多了，回归原本，都是一些25的35的50的小焦段了而且都很虚伪的去追求所谓的超大光圈，很不得都搞成1：1的...其实那是他们的一种无奈...甚至再整几个旁轴...哈哈，那就是要□□□□了...

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无忌荡男俱乐部MSN群: group201930@msnzone.cn

荡男俱乐部征集更多会员经典YD语录，希望各会员继续发扬荡男本色之YD精神自我检举和互相检举   

[bc362 编辑于 2008-07-11 16:34]

[转帖】如果你爱一个女人，就用NIKON给她拍照，这会让她每一个动人眼神光彩照人；如果你恨一个女人，也用NIKON给她拍照，那会让她每一个青春豆豆无处藏身……

本文经编辑刊登于《中国摄影》2008年第5期，有不少删改

更多片子：http://blog.sina.com.cn/hongjun0130

彼岸花坝上人像：候 鸟 -- 随风远去

不合规外链图片,不直接显示，谨慎点击

[/url]阳光丽人

一、

一直以来，NIKON镜头都以锐利、反差大著称，这本是个优势，然而因此却有一个观点——NIKON家不适合拍人像，特别是大头美女，画面硬，不够柔美。特别是数码以后，与胶片时代不同，机身算法在成像的风格上起到了重要作用，相比较CANON的“柔和”而言，N家的锐利、饱满似乎并不讨巧。这其实是个见仁见智的事情。在数码暗房技术日益普及的几天，这一因素更不足以成为拍出靓片的障碍。特别是对于专注于环境人像的摄友，有别于糖水片肤色理念的色彩表现提供了更宽泛的发挥空间。

这里先来聊一下色彩模式。一般Nikon提供三种色彩模式，分别为I、II、III。模式II是最自然的。只有在Adobe RGB色彩空间才能用。如果相机没有独立的色彩空间设置，你选了模式II也就把色彩空间设为Adobe RGB了。在多数相机上，选择模式I和III在两种色彩空间就把色彩空间设为sRGB了。模式I增强了除肤色系列色（特别是红色）之外的饱和度，可以鲜艳的图片又使肤色显得自然。模式III增强了饱和度，特别是红色和绿色。同时还略微改变了红色和绿色的色调，显得更生动。这一特点似乎类似于反转片，Velvia、E100VS胶卷似乎可以作为色彩模式III比较极端的诠释。

那人像究竟应该选哪个呢？一般来看应该是I。但经过一段时间对比，我在使用中更倾向于选择III。JPG直出看，感觉I虽然比较柔和，但肤色表现相对平淡，甚至感觉缺乏生气，据我观察可能是色彩中减弱了R的数值，G、B比例的提高使肤色透出一种暗淡。反倒是用色彩模式III拍出的片子相对比较“润泽”，有血色，使正张片子散发出活力。为便于图片上网交流，我一般的默认设置是模式III和sRGB，因为在显示屏上浏览时色彩比较鲜明。但是在拍风景或野生动物时，如果用Raw拍摄，并只打算用一种设置时，我建议选模式II和Adobe RGB，色彩更为丰富，在Capture NX里面可以很方便地转换为模式I和III。

秋日的美丽记忆这里是一个平台，让喜欢人像的朋友能有个探讨交流的地方，展示的摄友风采，提高人像摄影水平。机身、镜头不限，胶片、数码均可，单反、DC两便，只要是人像就可以贴。希望能多见佳作。评论图片及PS技巧的也欢迎。

二、

弗洛伊德曰：夫行动者，皆源于性。推而广之，关乎摄影之事，无论所摄者何物，施摄者何求，盖出于性之所使，情之所至。其间尤以人像为甚。天地者，万物之逆旅，开阖有致，高远※※，如伟岸男子，观之励志，宜摄之；光阴者，百代之过客，变幻莫测，似窈窕女子，世间之尤物，吹弹得破，温婉动人，观之怡情，宜尽摄之。
模特是性感的，于是人像摄影是感性的。

人像无疑是摄友们最感兴趣的题材了。如何拍好人像、用什么样的器材才能拍出更出色的人像，是绝大多少摄影者都会思考的问题。人们普遍认为，在传统器材中人像摄影最好的焦段为85、105、135mm，这个焦距段比较适合人像摄影，各个光学巨人都有自己专业人像镜头。

其实人像镜头从来没有一个严格的定义，就像从来没人告诉你美女到底长什么样子，任何焦距的镜头都可以拍好人像，从超广焦的17到328，控制出色的镜头永远都是人像利器。也许是由于85等几个焦段比较容易上手，画面比较干净，想不出糖水都难。简单是美，于是乎人们奔走相告谓之“人像头”。这对于被掐头去尾的17、300们似乎并不公平。

所以这次准备将自己所用的17、35、50、80—200等几个焦段都念叨一下。由于在镜头和技法方面并无很深的研究，前期只做感性的表象交流，作为一个引子，期待各位方家的具体阐述。

相对于棚拍，我还是更喜欢环境人像、自然光自然状态下的人像，虽然不如商业片那么精雕细琢，但别有一番清爽风味。Sunny Beauty

三、

聊聊人像我常用的几款镜头

AF85/1.4D

老实说，对于NIKON镜头，最令我心动的始终还是85/1.4，每次看到她那明亮、绚丽的大眼睛，就升腾起一种霸王上弓的冲动。她的前组大口径镜片泛出淡黄色的温润色泽，幽幽如江南女子之明眸似水。而抚其外表，镜身纯金属的质感入手冰凉，沉甸甸的重量感如同北方汉子的肩膀，结实厚重，出色的做工让人信赖。这种集温柔与硬朗于一身的独特气质，同样表现在她的成像上。焦内如刀锋般锐利，这一点秉承了NIKON镜头的一贯风格，而焦外又表现得异常柔美，特别是在f1.4-f2的大光圈下，背景似奶油般渐次化开，虚幻朦胧。Nikkor AF 85mm f1.4D不仅成像优异，而且色彩还原很好，画面明快而油润，特别是在阴天和弱光的情况下，仍然表现的清亮、通透。

我始终认为拍人像还是选择定焦镜头的好，变焦镜头会对你的人像构图造成一定的紊乱。即没有“镜头感”。 恐怕没有一个摄影者会在取景器中如同对待定焦中的影像那样，去仔细审视变焦镜头中每一个焦距的特性，应为变焦镜头是“无级变速”的，焦距是许许多多的。如果摄影者从中选取个别焦距加以研究，那实际上他就是在研究定焦了。是拿变焦当定焦来使用了，这就如同现在的我，17-35镜头只用17-24-28-35，是一种对已购进镜头的妥协，无奈而被动。牺牲了变焦的本质特性，换来少换两次镜头的些许便利。

说到定焦和变焦镜头的选择，这一直是摄影爱好者关注的话题。诚然，任何焦距都可以拍片子，但人眼对于画面应该是有最佳观赏视角和景物透视关系的，在光学及镜头发展史上，研究机构和厂家一定是经过反复实验验证过的，有经典焦段拍出的片子最符合人眼的生理构造。就如同黄金分割律，大于或小于黄金分割的比率都是无处不在的，它们就如同非经典焦段拍出的片子，无法触碰到我们神经最敏感的区域，不能激发强烈的神经脉冲，因而也就无法使观赏者产生从认可、感叹、佩服，到赞美、震撼、颤栗，以至抓狂、疯狂、癫狂、痴狂甚至高潮等等一系列生理及心理反应。

于是，采用合适的经典焦段，再配合画面所捕捉到的决定性瞬间，一幅摄影传世之作就会由此诞生。这也就是为什么大师们的作品多是用定焦镜头完成的，应该说，从某种意义上，不是大师们选择了定焦，而是定焦造就了大师……

先以50mm焦距为例，当我们以标头去拍摄一幅照片时，确定光圈f4。当我们移动相机，前后上下左右构图时，某程度上可以看作是拿着一个定制好视角、景深和透视角关系的“像框”，去套取我们需要的理想画面。此时的画面视角不变，且因为在一定光圈下，景深也已确定，那么，这时摄影者只需要通过构图和曝光，即能使物距、虚实和透视得到所希望的均衡的处理。即当定焦通过前后移动来实现取景范围的改变时，除物距外，景深、视角、透视角（非透视位置）是不发生改变的。

而使用变焦的时候，虽然面对同一场景，但由于为了构图，或躲避不希望进入镜头的物体，使用者一般更倾向于简单的通过拧变焦环来达到目的，但这时摄影者很可能不经意间忽略了一个重要变化，即这时候的景深、视角和变形都已经发生了变化，这些重要指标的些许变化难免对成像产生影响，特别在广角段，这些影响势必更加显著。
应该说，相比于变焦，定焦更能够培养摄影者对诸多摄影要素的运用能力，对摄影语言的表述水平，凝固对我们、特别是初学者非常重要的“镜头感”。涂满金色阳光的面庞，配以蓝色草帽，小美变身加勒比风情的美女……午夜的精灵

AF50/1.4D

50/1.4是我用的比较早的Nikkor镜头。关于50标头，已经有太多的大师阐述了他的非凡之处。优异的成像、经济的价格，给出所有镜头中一个最佳平衡点。

观其外表，50/1.4比较低调，并不像85/1.4们那样华丽夺目，只是相比50/1.8略具质感。但其成像还是相对饱满润泽的。也许那个年代不讲究“亮骚”，50/1.4之流的意外面世是为了有志于“布式”摄影艺术的男女青年扫街，其体型之小巧，对被摄者来说没有任何的侵犯性，能够最大限度的拍出自然、生动的人文片。在初学者参加比较多的集体外拍活动中，小定焦系列基本都被淹没在长枪大炮之中，尽管他们多数情况下可以在画质、表现力、冲击力等诸多方面让小白IS、17-55、24-70们花容尽失，但必须要承认，对手外观的粗大和身价不斐毕竟容易赢来模特的眼波，从而在“拍摄垂青率”方面弥补不足而间接提高了出片几率。因此，客观的来说，用小定焦和大变焦参加集体外拍活动，两者拍到好片的概率大致相当。如此说来，小变焦镜头一定要抱着平和的心态，重在参与反倒能有惊喜。

我现在的50/1.4主要是用于户外环境人像，有时候室内长头耍不开，用50半身人像也比较适合。当然如果谈到突出主体人物、背景虚化，那绝对不是它的所长。至于焦外二线性的问题，就要注意选择背景，尽量干净，大面积的植物或暗景最好。由于50焦距短，也不适合近距离拍摄，一般应在1.5米以外，否则MM的脸部会有变形，所谓的“船首效应”。
在APS上，由于倍率的原因，50/1.4要想拍全身环境人像已经不太容易了，这一功能似乎该下传给35/2或广角们更合适。沧凉中的美丽

AF 80-200/2.8 ED IF小钢炮

那谁谁不是说了吗，“如果你不拿出个又黑又粗的大家伙，MM都不会正眼夹你”。别看50、35们在山林之间轻松快活，可到了MM面前，还得凭这家伙撒野。虽然是玩笑，但小钢炮冰凉的金属镜身、深不可测的大眼睛任谁看上去都那么踏实，可靠。这一点比小竹炮娇嫩的亚光外皮更能征服MM。

虽然我没有亲自拆解过小钢炮，但据资料上看他的镜片全部是玻璃的。这一点相对于其平和的价钱显得弥足珍贵。针无两头细，为了轻量化以便安装USM、AFS等超声波马达，提高对焦速度，现在的许多自动镜头都已大量加入塑料镜片。除非是一些万元以上的“牛头”，这一内在品质变化直接反映在镜头重量上，28-70/2.8、17-55/2.8、24-70/2.8等“牛”头无一不分量十足。然而沉重的大尺寸玻璃镜片使其对焦速度并不令人满意，如佳能的85/1.2。玻璃镜片的透光率、精密度、抗变形能力及膨胀系数等等大大高于塑料镜片，诸多光学因素造成其成像的通透感自然远非塑料镜片可比。这就是为什么虽然从标板分辨率数字上看，实验室里出来的数据往往“狗牛”不分，甚至在某些小光圈下还出现“狗牛”倒挂的现象，但实际使用起来出片的色彩差异、通透感、甚至成片分辨率还是有天壤之别，过来人一看便知。无怪乎手动头的玩家都津津乐道老镜头的成像、德头（玻璃更优）的成像，其中奥秘就在于此。厂家为了销售，基本不提镜片的材料，最多在不经意处描述为诸如“玻璃模铸非球面镜片”（玻璃）或“复合型非球面镜片”（塑料）。有鉴于此，小钢炮的成像之鲜艳透亮是无需置疑的。

成像不大看得出次于定焦，由于ED玻璃的缘故，色散控制应强于老专业定焦。曾经有几次片子100%看有些糊，我怀疑是否“软”，可只要把胳膊架窗台上，200段f2.8都ok。因此建议拍糊了片子，先从基本功查起。

与17-35的情况类似，拍人像我一般只用XGP的80、105、135、200四个焦段，而且是有意识的，这样对换用定焦时有好处。当然，拍花卉什么的无所谓，对长焦来说，这种影响相对要小很多，因为视角变化相对小了。注意力只要放在构图上就行了
。
曾一度中180/2.8的毒，欲用85和180两个头换下小钢炮。不过牛变的一个优点割舍不下：省鞋，不用腿动变焦，在拍花卉等不便前后移动的环境下更灵活，不用频繁的换头也省CCD清洗费。另外，箱子里需要有这么个大家伙，踏实。当然，如果你偏爱抓拍，认为拍到比拍的好更重要，那么变焦镜头灵活多变的特性使其更加适合捕捉精彩瞬间。

其他一些优点：
1、抗造！前端有橡胶防护圈，防碰撞；密封好防水滴溅。
2、片子不过硬的时候，你还可以对人说“阿拉要是用小竹炮……”云云。尽管理论上XGP单纯于成像上应该更好（小钢炮11组16片，小竹炮15组21片。相差5片之多。我们都知道玻璃透光率并非100%，光线每穿过一个镜片都会有反射、吸收、折射的损失，5片镜片有10个镜面反射 + 5个镜身吸收 + 5个折射精度损失，结果可想而知。当然我们可以指望厂家用更优异的玻璃材质、更出色的加工精度、更完美的镀膜工艺、更高端的电脑运算来弥补。摄影有这么一个规律，照片一旦拍模糊了，任何软件都无法将其回复清晰。那光线损失呢？！）。
3、出来的片子视角不至于显得太单调，可以比较多变。这是变角的一个非技术性特点。同时可以和模特始终保持在适合的距离便于沟通，而不必过远不便沟通或太近有压迫感。

如果非要说缺点的话：
1、大、沉，不便携带。如果你不喜欢负重的话。
2、没有AFS、VR。如果你觉得特需要这些硬件支持的话。
3、小竹炮用家忽悠的时候，你难免有些感觉掉队的心理落差。这玩意是最要命的……
4、不如XZP好卖二手。

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荒原的色彩

凸凹有致的AF 35/2 D （ZF25/2.8）

客观地说，镜头感相对于广角到中焦应该比长焦更重要，35、50的大师们能出经典的一大因素，我想就源于他们在正式拍摄前的选景、布局、场景安排等前期工作时，已经在头脑中勾画出成片的大致模样，包括画框、视角、景深控制、模特姿态、站位等，而前三者无不涉及镜头焦距选取。如果没有对备选焦距特性的深刻认识——镜头感，是难以想象的。（鉴于个人修为的原因，目前的讨论仅限于通俗的人像摄影，还并不涉及更加深层次的肖像摄影领域。）

对一个“严谨”的摄影师来说（请原谅用了这个多少有些虚张声势的词汇），选用哪个焦段并不重要，镜头是否具有出色的光学表现力和主体刻画能力无疑是他最看重的，只有在这样的基础上，摄影师的构思和意图才能得到充分展示，焦段所具有的独特魅力才能完美发挥。各个镜头对人像的表现特点不同，一般来说135/2们经由焦外美化突出主体、85/1.4更将人物描绘得活色生香，50/1.4的眼神亦真亦幻，35（25/2.8）们
的视界却称的上是凸凹有致，而这一切不过是达成完美影像的途径。35mm镜头优秀的光学素质对于各种题材都有非凡地表现力，控制得当的透视变形能够凸现诱人身姿，同时与17、28mm相比可以达到广角端最好的大光圈虚化效果，层次分明。

曾看过一些介绍日本人像摄影的文章，据说拍人像他们多使用24-70焦段这样的变焦牛头，也不乏广角变焦，而非135定焦或85这样的“专职人像镜头”，究其原因，恐怕要归结于日本人对于身体的“高度关注”。

体态是流动的气韵，彰显人的内在品质。背景虚化柔和的甜美“大头照”或半身照，也就是我们常说的“糖水片”，无疑能充分表现出人物的细微情绪（有别于相对富有内涵的“肖像”），但也难免局部和片面；而全身或环境人像，通过仪态的注释，加入诸多肢体语言，全面的传达人物所具有的多重气质。以女人为例——进取的女人，端庄挺直；开朗的女人，雍容饱满；优雅的女人，惟美动人；温婉的女人，柔和舒展。

体态是女人魅力的物化，动静之间、举手投足、曲线质感无所不在。女人的美不止在脸蛋，男人更是如此。寻找和诠释出不同模特的独有气质，是人像摄影师最重要的贡献。
所谓“颜色之美不及体态之美，体态之美不及气质之美” ，就在于此，颜色（即相貌）、体态、气质是人像摄影的三个层次。初学者一般多留恋于颜色之美，而随着技艺和理念的逐渐成熟会将眼光逐步放开。35mm镜头对体态的表现近乎完美，也提供了通往气质之美的最佳路径，贾高人之运用，35mm片子虽不一定鲜艳亮丽，但人物必然传神。这就可以理解那些35mm经典肖像片、人文片会如此引人入胜。中山公园--Anita

17-35广角人像（ZF25/2.8，暂时不追14-24）

关键词：表现力
套用伟人的一句话：表现力是摄影师的，也是模特的，但归根结底是摄影师的。很多人将片子的平淡归于模特身上，是很片面地。无经验的模特习惯于甜美的面对镜头，于是100个摄影师都收获同一种甜美；有经验的模特多摆出冷峻的造型，于是100个摄影师收获同一种冷峻。即便是许多资深摄影师，在单独拍摄某一特定模特是，也难以逃脱拿出与其他资深雷同作品的尴尬。
但是在一个大师的镜头中，即便同一个模特也是千姿百态的，哪怕是一个刚出道的少女，也很快会被调教成百变天后。理想的模特，不过是能够快速领会摄影师的意图，凭借自身的素质和对人物的理解，恰当表现出设定环境中人物所需行为、形态或情绪的角色，而这一切有赖于摄影师的调度。将构筑影像表现力的重任放在模特稚嫩的肩上是很残酷和不绅士的。摄影师不应该仅仅是精彩画面的记录者。因为对于眼前美景的简单定格，应该是到此一游者的标准特征。

据说《国家地理》的摄影师用广角比较多， 因为他们不甘于平庸的视角。

广角镜头的一个显著特点就是被放大的透视变形能力，摄影师不能够简单的回避，如果中规中矩的使用广角镜头拍人像，一律采取中距、平视机位，如长焦那样，必然会扬其所短，简单的丑化人物，这就是很多新人感叹“广角人像难控制”的主要原因。广角人像的一种风格就是善加利用变形，来表达某种戏剧化的情绪，或突出某种视觉效果，或营造夸张的现场气氛。构图、机位、取景角度，三者相配合，才能有足够的视觉表现力。
另一方面，也应避免单纯追求夸张的变形而忽视应有的画面内涵，否则新鲜感一过，镜头难免将被束之高阁。广角拍MM首先给人的感受就是视角冲击，用好了能表现的很精彩，但美不美，看多了会不会引起胃部非正常蠕动直至痉挛？谁用谁知道！

其他一些淡事：
1、直角取景器是个好东西，在低角度拍摄时能省一些置装费和洗衣费。NIKON原厂直角取景器大约1000多元，海鸥的我在五棵松问过，好像300左右，也能达到2倍放大，清晰度还不错。
2、广角人像在很多情况下人物所占画面比例较小，易出现天空等背景明亮而面部曝光不足，此时补光会有较好的效果。广角人像一般只能用外拍灯或闪光灯进行补光，反光板比较容易穿帮。U2外拍灯最好，SB800也基本够用。
3、用灯扑光压暗天空的时候一定要注意，人物与其他物体之间要有足够的距离，避免同时照亮，既无法突出主体，也造成平光生硬的问题。
4、注意选择背景，尽量干净通透，有层次有立体感。
5、多用F8-11小光圈，底角度拍摄难免对焦困难等问题，大景深有助于缓解对焦不精确的清晰度问题。
6、如果构图时不得已将人物安排在画面边缘，致使美女面部变形，一定要在后期找回来，须知在这种情况下美女心理扭曲的程度会远大于面部，“送出一张照片换来一顿海扁”的情况时有发生！

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《Lost direction 迷 航》 之 《爱，放手》

AFS 28-70/2.8（AFS24-70/2.8）
这类牛变没啥好说，拍片吧Seek dream 寻梦故园

[myh 编辑于 2009-01-31 10:35]

美文同赏
最近，身边和网上的一些好朋友，呼吁反对对照片进行PS处理，我想谈谈自己的一些看法，与朋友们讨论，相信更多的人对问题更有体会。

一．摄影本身就是更多的主观创作活动。

对于多数摄影作品来说，主观的色彩更多一点，即便是新闻、纪实、人文、风景等也依然存在着你的拍摄倾向。比如：我去印度拍摄，95%的镜头对准了印度的落后，看过照片的人就会对印度的落后印象更深刻。又比如：一个美丽的景色，也许是摄影师等待了几个月拍摄出来的结果，而普通人见到的几率也许只有5%，照片并没有反映出95%的自然状态下的“真实”面貌，所以，经常有人感叹照片很好，实际没有那么好。有些人在拍摄的时候着重体现颜色、有些着重体现形态等等其实都包含着摄影师的主观色彩。

二．什么是照片的原汁原味？

再来看看原汁原味，标准是什么？如果以人的正常视觉来衡量，那么135相机的50mm标准镜头更接近“真实”。用长焦和广角镜头从严格意义上来说其实已经脱离了“真实”。拍摄者选用不同的胶片和冲洗方法，对颜色的处理更是不可能完全意义上的“原汁原味”。

三．照片PS处理和胶片拍摄没有本质区别。

胶片拍摄为了达到控制照片颜色的目的，选用不同的滤色镜和胶片来实现。一些胶片对绿色表现的更好，一些胶片对肤色表现的更好，为了增加照片的饱和度还可以选用反转片。在镜头前加用滤色镜更是对颜色与成像的直接处理。至于多次曝光、多次加颜色片的闪光摄影、暗房处理等更是不用说了。给模特化妆与后期的磨皮处理有本质的区别吗？
其实，胶片拍摄与照片的PS处理没有本质的区别，只是控制手段不一样罢了。胶片机要在镜头前加滤色镜，数码照片可以在PS里加。无论反转还是负片，在你得到底片或负片的时候，已经在冲洗店里进行了调整（颜色倾向、曝光调整等），而数码照片需要用PS来调整颜色与感光分布曲线。

四．数码摄影与PS处理也许要求更高。

数码摄影与胶片摄影很多东西是相通的，当然有其独特的特点。18%灰的测光、中性灰的颜色基准、颜色的补色理论等，依然要求有扎实的摄影基础。
人们只看到了数码摄影按快门简单的一方面，其实，数码摄影的宽容度比胶片更低，对曝光的要求更严格，一但过曝就很难挽回。同时，对摄影过程需要控制的环节更多，胶片摄影有一部分是交给摄影冲印店来处理的。

五．为什么要进行照片的PS处理？

无论是胶片还是数码摄影由于不能完全满足摄影师的需要，因此，各种前期和后期处理孕育而生。对于数码摄影来说，由于数码相机的发展还不完善，后期处理是无法省略的环节。比如：拍摄出来的照片普遍比胶片机反差要弱，不做反差和锐度调整效果较差。数码片在暗光下噪点比较多，你需要进行去噪点处理。至于一些朋友反对的磨皮，如果模特化妆精美或皮肤完美无缺那还需要吗？

六．数码摄影与照片PS的核心是什么？

其实，单从PS技术来讲并不复杂，买本书看看就行了。但为什么调出来的片子还是差别很大？原因有二点：一是摄影师对照片的颜色缺乏敏感性，明明偏色的片子自己看不出来，自然也无从调整了；二是自己根本就不知道最终想要什么样的片子效果，是肤色更偏暖一些？还是背景更暗一些？自己都没想法，很难出理想的片子。
有的甚至说：我不会PS，所以我出不了好片。但是PS并不能代表一切，比如：照片的题材、拍摄视角、人物的表情等等，这些都是前期应该努力的。

七．人像照片PS的秘诀。

来蜂鸟玩大概有2年多了，刚开始的时候，根本对人像摄影没有太多的认识，拍的片子也奇差，独往独来、lm3885、gliff、1962、LHP等的作品一直是我学习的榜样，包括后来的我是痒痒、深绿、音子、大卫、power88等，你能感受他们的拍摄严谨与敬业。相比之下我的拍摄还是太随意了一点，出有意思的片子有点难。因此，多拍是前提、是基础，没有数量提高质量有点难。从2004年2月开始用300D以来，拍的数量多了，实践的机会多了，就能有进步。对多数影友来说，参加摄影拍摄活动是一个比较好的提高途径，一是不用化精力去找模特，一是可以看看其他高手是怎么拍摄的，一是可以与一起拍摄的人做照片对比找差距。

其实，照片的PS只是一个辅助手段，还是要注意前期的拍摄，如果拍的片子没意思、角度不好、模特表情不好，后期你再怎么处理也无法补救。说说我的体会吧：

1）前期拍摄你就要想到后期的效果，数码摄影是一个全过程的控制，拍摄感觉很重要。
比如要拍摄颜色艳丽的片子，你在选择绿色背景的时候，就可以考虑模特穿粉色、蓝色的服装，点缀黄色的饰物。这样片子整体就比较明快，以明快为情绪的片子，模特该有怎样的表情与肢体语言？决不能拍摄完了，再根据感觉处理照片，那样有可能照片的形式与表现内容脱节。
还有的时候，一些片子并不细腻，也不通透，但喜欢的人很多？为什么？因为，拍摄表现的颜色、情绪和视觉效果更好、更有意思~！这就是摄影的感觉~！

2）拍摄的用光、颜色控制与清晰度。
如果前期拍摄的补光不好，造成很多噪点；焦点不实，造成片子不清晰，颜色控制不准造成效果出不来；这些都是影响最终成片的大敌~！清晰度是照片通透的最基本因素~！你知道怎么让照片拍的更清晰吗？

3）对颜色的把握。
是不是真的会把照片颜色调的很准了？中性灰的调色方法你会了吗？很多时候片子看着不舒服，全是颜色惹的祸~！人对颜色最敏感~！

4）采用适当的格式拍摄。
采用RAW格式拍摄，尽管出来的片子反差和颜色平淡一些，但细节丰富，为后期PS打下很好的基础。可以无损失的调整色温、曝光（2级）、饱和度、锐度等为冲洗大幅面照片创造了很好条件。进入PS软件后再对照片的反差、颜色和锐度进行调整。

其实，相对来说，蜂鸟上多数朋友的PS处理基本还是围绕让照片颜色准确与通透上，适当对模特皮肤进行磨皮修饰，一点都不过分，合成照片的还很少看到。