雪山下的房子

远处的风景

日落

多谢多谢···难得有人喜欢我的东西。^_^

杀人老师上的课感觉多好的！
虽然我几乎跳过所有文字......

《画故宫者》

《盖.伯丁的摄影作品》

他将幻想、欲望、消费与期望大胆地夸大并予以凸显，通过悉心设置的叙事氛围，引领观众进入一个充满魅力、欢愉、危险和焦虑的奇幻世界。

盖.伯丁（GUY BOURDIN 1928－1991）是20世纪最具影响力的时尚摄影师，他选择了用最短暂的表达形式———时尚杂志来创造神奇的瞬间，并打动了一代又一代的读者。他为影像领域作出了具有转折意义的贡献，其影响至今不衰，被认为是20世纪视觉文化领域最大胆、最有创新精神的艺术家之一，在艺术、时尚、广告和生活等多个方面都有着独特视点和非凡的成就。

诱惑并吸引我们的不是时尚本身，而是时尚的形象。———盖.伯丁（GUY BOURDIN）

盖.伯丁最初形成自己的风格是在二战之后的法国。当时的法国禁忌森严、审查严格，保守的社会气氛大行其道。当时的他对Edward Weston,Man Ray和Magritte等人十分痴迷。他吸收了广义上的超现实主义元素，特别是大胆、自由的表达方式。作为一位文化知识渊博、富有灵感的创作者，他开始在艺术上表现出一种特立独行的新颖视角。

　　在20世纪50年代之前，盖伯丁在艺术上的追求主要以景观、静物和行人摄影为主。1955年2月他出版了第一本受《VOGUE》（法国版）委托而完成的书，从此他开始与国际知名时尚杂志合作，经过30多年的努力，时尚摄影这一视觉艺术门类终于在盖伯丁的手上进入了一个全新的境界。

　　盖伯丁通过时尚杂志这一媒介在影像创造方面表现出了高超的技艺和魔幻般的诱惑力。他成功地创造了一种配有含蓄叙述的图像，能够让观赏者瞬间沉醉在服饰和珠宝营造的美丽氛围之中，并屈服于潜意识中的拥有欲望，并将之迅速转化为实际的购买行为，世界各顶级时尚杂志于是无不趋之若鹜。

　　盖伯丁是一个充满了幻想和自由想像力的人，他用极大的热情探索人内在自我发出的真正声音和欲望的含义，并寻找作为每个人自身存在最普遍特质的理想化的美、脆弱和性别元素，然后利用豪华的装饰来展现时尚，而并非仅仅依赖其摄影作品主题。盖伯丁的时尚摄影核心是与商业形象塑造本质的对抗。传统时尚形象是塑造美丽和包装其主体元素，而盖伯丁的摄影作品却体现了另外一种激进的理念。他作品的基本意义在于他对时尚的独特理解，即：诱惑并吸引我们的不是时尚本身，而是时尚的形象。他的摄影作品扩展了当时时尚摄影构成元素的界限，并在今天仍然对新进的时尚摄影师们保持着启发和影响。

20世纪70年代是盖伯丁创作的重要时期。在那个社会改革，性解放，资本主义的空虚，消费文化的过度，媒体力量的提高，暴力充斥电视和电影里的时代里，盖伯丁也到达了他工作的最巅峰的状态，他的构图变得更开放，优美和煽动，完全突破了传统时尚摄影的桎梏，并与之形成强烈反差。他将幻想、欲望、消费与期望大胆地夸大并予以凸显，通过悉心设置的叙事氛围，引领观众进入一个充满魅力、欢愉、危险和焦虑的奇幻世界，通过对隐喻和现实矛盾的运用，与生命和死亡崇高而非理性的本质进行了深入的对话……

　　盖伯丁时尚摄影首次来到中国，在享有盛誉的北京中国美术馆和上海美术馆作回顾展出。展览分为三个部分，囊括了他各个时期的重要作品，尤其是1970年代的代表作。第一部分是彩色的现代照片，而第二部分则包括了一组没有人类形象的视觉素材并藉此对盖伯丁作品主体的更隐秘空间进行探索。第三部分首次展出盖伯丁1985年为法国《Vogue》杂志在中国摄影的图片，这个系列纯法国味道的时尚图片以中国最负盛名的地点作为背景，表现出其作品独有的深厚涵义和吸引力，在中国观众的眼中，更备添亲切之感。

　　尽管没有亲自到场，盖伯丁都对观赏者发出了邀请，并为他们提供了一个找回真实自我和身份的机会。所有的照片都讲述了与盖伯丁有关的故事，风格激进的图片世界、现实的情感表现和对智力的挑战正是他与观赏者进行交流的途径。

盖.伯丁生平

1928 12 月 2 日生于巴黎 7 rue Popincourt. 原名 Guy Louis Banares

1929 由 Maurice Desire Bourdin 和他母亲 Marguerite Legay 收养并抚养成人

1948-1949 在法国※※服役，并第一次受到了摄影训练。住扎在达卡，塞内加尔

1950 在巴黎 Galerie , Rue de la Bourgogne 举行了第一次素描和水彩画展

1952 在巴黎 Galerie 29, 29 rue de Seine 举行了摄影展。 Man Ray为他的画册写了引言

1953 用 Edwin Hallen 为笔名在巴黎 Galerie Huit , 8 rue St. Julien-le-Pauvre 举行摄影展

1954 在巴黎 Galerie de Beaune , 5 rue de Beaune 举行素描展 分别在 1954-55,

1955-57 向 C.S. Association UK touring exhibitions 提供摄影作品，在伦敦 Whitechapel Art Gallery 展出

1955 首次时尚摄影出现在法国 Vogue 杂志 2 月刊 在巴黎 Galerie des Amis des Arts, 26 cours Mirabeau 举行素描作品展 以 Cats 为名的集体作品展，在巴黎 Galerie de Seine, 24 rue de Seine 展出 在巴黎 Galerie Charpentier 举办水彩画展

1956 在巴黎 Galerie de Seine, 24 rue de Seine 举办素描作品展

1957 在纽约 Peter Deitsch Gallery, 51 East 73rd Street 举办水彩和素描作品展为 Vogue 威尼斯国际摄影作品双年展的集体展出提供摄影作品

1961 与 Solange Louise Geze 结婚。参加名为 Le Photographe en face de son metier 在巴黎 Salon Nationale de la Photographie 展出

1965 在巴黎 Galerie Jacques Desbriere , 27 rue Guenegaud 举行素描展

1966 提供摄影作品参加科隆 art fair Photokina

1967 盖伯丁的独子 Samuel 出生 第一个Charles Jourdan 鞋子广告 第一次为 Harper's Bazaar 提供时尚摄影和照片

1969 参加在巴黎 Galerie Delpire , 13 rue de l'Abbaye 举办的 l'insolite et la mode 展览

1971 妻子 Solange Louise Geze 去世

1972 第一次为 Italian Vogue 提供时尚摄影作品

1973 为巴黎 MAFIA 广告公司提供广告摄影

1974 第一次为英国 Vogue 提供时尚摄影

1975 拍摄 Issey Miyake 的广告

1976 为纽约 Bloomingdale's 百货公司制作内衣目录 Sighs and Whispers 为 Gianfranco Ferre 的 Baila , Gianni Versace 的 Complice & Callaghan 和 Loewe 拍摄广告

1977 第一次为 Vogue Hommes and 20 Ans 提供时尚摄影 摄影作品参加名为 The History of Fashion Photography 的巡回展，该展在美国的 International Museum of Photography, George Eastman House, Rochester, New York, and San Francisco Museum of Modern Art 展出

1978 为 Claude Montana 拍摄广告 摄影作品参加科隆 the art fair Photokina为 Issey Miyake and Yashica 年历拍摄

1980 Pentax 的年历拍摄

1981 Charles Jourdan 最后一次广告 第一次为 Linea Italiana 提供时尚摄影作品

1982 为 Gianfranco Ferre , Lancetti , and Roland Pierre 拍摄广告 提供摄影作品参加纽约 Color as Form 在 the International Museum of Photography, George Eastman House 举办的摄影展

1985 为 Emanuel Ungaro 拍摄广告 拒绝了法国文化部颁发的 the Grand Prix National de la Photographie 大奖

1986 摄影作品参加科隆 the art fair Photokina 86

1987 与法国 Vogue 终止合同 第一次给 The Best 提供摄影作品 为 Revillon , and Chanel 拍摄广告

1988 因为 1987 年的 Chanel 广告，获得了由 Annie Leibovitz , the Internatio nal Center of Photography, New York 颁发的 the Infinity Award 为巴黎 Triennale International de la Photographie 提供摄影作品

1991 3 月 29 日在巴黎去世，享年 62 岁

《沃纳镜头下的多彩印度》

德国摄影师沃纳.曼斯霍尔特背着他的徕卡M6相机踏上了印度次大陆西北部这块古老而神秘的土地，就在那一瞬间，他被满目的艳丽春色俘获了心灵。

几个男人扛着副梯架走来，上面放着一具裹着白布的尸体。送葬队伍走到葬礼地点，他们将在那里焚烧那个男人的尸体。面对眼前的这一切，沃纳曼斯霍尔特只顾举起相机狂拍。火葬堆上已经架好了木柴，人们把尸体上佩戴的饰物一一摘掉，同时朝拍照的人投以愤怒的眼光。

摄影师心中不由地升起一股愧疚之情．怀着敬意朝后退去。沃纳曼斯霍尔特非常想近距离地捕捉这个印度葬礼的每一个细节，但他深知自己能深入到何种地步，也了解何时应该退回来。沃纳曼斯霍尔特，是德国达姆施塔特的一名律师。摄影和旅行是他一生中的两大嗜好，用他自己的话说：”异域的一切都是一个人应该学会欣赏的。”

他的足迹遍布全球大部分地方：纳米比亚。古巴、印度尼西亚．巴厘岛。墨西哥和哥斯达黎加。几平每次上路他都和自己的那台徕卡M6相机形影不离。如今沃纳曼斯霍尔特已是第二次被印度次大陆吸引而来，不仅仅是因为这里的异域风光和光怪陆离的宗教文化，最令沃纳曼斯霍尔特心动的，则是印度人”对于生命强烈而直接的体验”。他说：”那里的人们是如此开放，如此充满好奇心以及情感和感官的体验。”最后还有一点，也是很重要的一点，就是那里的人对于鲜明的色彩的热衷．这一点尤其令沃纳曼斯霍尔特迷恋不已。

印度西北部的拉贾斯坦邦以丰富的旅游胜地和重要的名胜古迹闻名——庄严华美的宫殿群落．历经千年的军事要塞．还有举世闻名的泰姬陵．这些景点都是值得游览的地方，但它们都没能吸引住沃纳曼斯霍尔特的眼球；而在往返于焦特布尔(Jodhpur)，斋沙默尔(Jsissimer)，斋普尔(Jaipur)和阿甲(Agar)等城市的旅途中，他完全沉迷在另一种影像中。

他更像是以一种观察者的眼光去漫游这个国度，这里的人们几乎完全都生活在街头巷尾：光鲜的对比和刺目的阴影构成动人的构图，日常生活的琐碎片断被生动地浓缩在故事性的照片中。正是通过这种方式，他捕捉到了疲惫的印度人把头枕在柴堆上的那一瞬间，还有一个老人背靠墙壁蹲坐着读报纸的侧影——他可能是以那个姿势蹲了一辈子。

彩色摄影，沃纳曼斯霍尔特已经做了30多年，他一直感觉色彩这种媒介代表着一种更为清晰的表达方式，是生命力和健康的象征。当年沃纳曼斯霍尔特的父亲也有一台徕卡相机。父亲曾为一位光化学家工作，还经常用”徕卡“给婚礼、洗礼仪式和生日庆典等活动拍照。后来那台相机遗失在二战中，但父亲的徕卡情结却伴随着更大的抱负遗传给了他的儿子沃纳曼斯霍尔特。难怪沃纳曼斯霍尔特对亨利一卡蒂埃布列松的这句话深表赞同：”摄影，就意味着把头脑、眼睛和心灵结合在一起。摄影是一种生活方式。”

《蒂姆.史密斯：——为亚裔人造出黑白世界》

摄影师蒂姆.史密斯住在英国威尔士的一条多民族杂居的小街上，正是这条小街引发他着手拍摄，成就了一个庞大的项目——一本名为<不列颠的亚裔人)的摄影画册。与其他摄影师镜头下的亚裔群体不同的是，他的作品全部是黑白的。

走近亚裔人

上个世纪80年代，对于正在在学习摄影的蒂姆.史密斯来说，住在英国威尔士新港市Docklands区的那段日子是他一生中最为重要的时期。正是在那段时期他萌生了一个想法，这个想法最终改变了他的职业生涯——他开始了一个庞大的工程，庞大得如同他个人※※上的一场十字军东征，主宰了他随后22年的摄影生涯。

1981年，蒂姆在爱丁堡大学攻读完自然科学学位后便决定改行，这并非突发奇想：大学期间蒂姆就曾给学生报社拍过很多照片，从此他迷恋上摄影，打算日后做一名职业摄影记者。于是，毕业后第一年(1982年)，蒂姆就在著名的纪实摄影学校报了名(这间学校由玛格南图片社的摄影大师戴维赫恩创办．以前隶属新港市高等教育局格文特大学，现在隶属威尔士大学)，进入一个为时两年的摄影课程班学习．从此义无返顾地走上了摄影之路。

“当时我的偶像是尤金理查德、史蒂文麦凯瑞和伊恩贝利那样的摄影记者。我希望自己也能像他们一样去拍照。”蒂姆回忆说。在蒂姆实现这个梦想的过程中，新港市街头的一些怪客帮了他不少忙。和很多其他的大城市一样，新港市的街头也有不少怪客出没——这些人好像比摄影院校的学生更了解摄影艺术。“那些怪人肯定被一批又一批摄影专业学生拍过上千次了，比如有个老顽童，他在市场外面摆了个卖报纸的小摊．这个人简直就是每个摄影专业学生的梦中人。他成年累月地被学生拍，现在更像是个职业模特儿，而不是什么卖报纸的小贩了，”

43岁的蒂姆回想起这个人来仍然忍俊不禁，”他甚至会给那些刚学摄影的学生做指导：，噢，不，你不是想要我这样，你一定是想要我这样。，最后学校禁止学生再去拍他了，因为他已经知道怎样能让学生拍出一张张好照片来!”

学摄影的那段时间，蒂姆和两个学工艺美术的学生一起租下了新港市多尔芬街上的一间房。“那条街有很多台阶，将近200米长，一直通到下面的码头。课余时间我总爱在那条街上拍点照片。那条街真是个多民族混居的地方——你能碰见威尔士人、苏格兰人．西印度群岛人、巴基斯坦人，各种你能想到的人都有可能碰到。那段时间我给各个种族的人拍照片，后来把目光集中在亚洲人身上。一开始我只是把它作为学院的作业完成，没想到后来竟一下子整理出了60多幅作品．还在伦敦的公共福利局举办了一次摄影展览。”

“其实这个事情做起来并不困难．谁都可以去拍摄这个题材，”蒂姆说，“不过我很幸运，因为就在我住的那条街上．就能碰见来自全球各地的人。在英国，你只要把相机带上街就能拍出有意思的照片来。”

构建黑白世界

从摄影院校毕业后．蒂姆获得了英国公共福利局的资助．重新回到新港市——他要拍更多的照片，把他拍摄的有关亚裔群体的为数不多的作品继续扩充成一个庞大的专题。”刚开始学摄影的时候，我梦想着成为一名新闻摄影记者，或者能给(国家地理》当摄影师，但等到我毕业的时候，我意识到也许我不能一步就跨进梦想的那种工作中。但正是通过这个街头摄影项目，我慢慢意识到：在报纸和杂志之外，还有一个精彩的生活空间等着我。”
不久后蒂姆从纽约印象画廊接到了一份佣金，于是他来到英国西约克郡的布雷德福特市定居了下来。“突然间工作开始接踵而至，”他说，”这让我意识到：我以后不会完全靠拍新闻照片谋生．有一些摄影师是只吃新闻摄影这碗饭的，但我并不是那样的人。”

蒂姆把布雷德福特作为他摄影征途的起点，他首先联系了当地的传统文化保护中心，这个组织同时也是布雷德福特画廊和博物馆的一个下属分支。蒂姆解释说：“他们把人们的生活用磁带记录下来，收集被采访的人的老照片，最后整理出一个完整的档案夹。于是我就向他们建议说；我能拍一些反映这些人目前生活的照片，新的照片可以和老照片配合在一起存档。我就是这样毛遂自荐的。”传统文化保护中心立刻采纳了他的建议，让他加入到他们的工作中。直到现在，蒂姆仍然每周花两天时间为这个中心工作。

随后蒂姆被聘请参加了一个采访和拍摄布雷德福特市亚裔群体的项目。他从这项工程中整理出一本影集<Here to Stay(扎根于此)》，并于1994年出版发行。蒂姆因此成为一位小有名气的摄影师而被众多亚裔群体所接受：“就好像一扇门被打开了．我开始接到全英国各地拍摄亚裔活动的工作，其中还包括为伦敦博物馆拍摄伦敦绿街(Green Street)的摄影工程。“

蒂姆说；“亚裔群体人与人之间的相互联系非常紧密．紧密到不可思议的地步。我在约克郡布雷德福特有一些邻居就是亚裔．他们从来没有去过约克郡河谷．但却去过伯明翰．卢顿、曼彻斯特和伦敦。我经常会借由他们之间的联系去拍摄其他城市的亚裔人，最后我发现他们这种人与人之间的密切联系简直太管用了。”

蒂姆从1989年开始在布雷德福特市的Guzelian新闻社工作。他也是专职为该社提供可大幅刊登的高画质照片的四名摄影师之一。蒂姆说：“我拍的照片曾经在《卫报》、《电讯报》和{泰晤士报》之类的报纸发表。那段时间我每周为这家新闻社工作5天，剩下两天做自己的工作。“ 他笑着又补充说：”我总是说我最多在这家新闻社做10年——结果我在离10年还差3周的时候才离开那儿。”

由于Guzelisn新闻社的工作需要，蒂姆几乎游遍了整个英格兰北部，这也给他带来了很多拍摄亚裔群体的机会。但是，虽然他的拍摄作品在逐日增多，仍然还有一些重要的活动和场景他一直没有机会涉及。最后他通过他认识的一些亚裔熟人，筹划了一次从英格兰南部到苏格兰的旅行，以便把缺失的环节一一补全，其中就包括亚裔群体中一个重要的民俗活动——梅拉节※※。这是一个在夏季举办的露天※※，全英国各地的印裔人都会参加。蒂姆一连跑了布雷德福特、曼彻斯特、莱斯特和苏格兰四个地方，才把这一活动用相机记录了下来。”在这种露天※※上能拍到非常棒的照片，而且还能认识很多新的亚裔人，通过他们你还能联系到更多人。”他说。

“从那之后我意识到了一点：在我之前还没有谁在全英国范围内拍摄过亚裔群体的专题。但我也明白，作为一个摄影师，你永远不可能完成像这样的一个专题，它实在是太庞大了，而且还在不断地延续。就我个人而言，我绝对不敢宣称自己已经把全英国亚裔群体的所有内容都拍摄完了，这话我绝对不敢说出口。”

亚裔群体一直以来都以封闭著称，蒂姆又是怎样设法让自己融入其中的呢?蒂姆解释说：”其实对于大多数群体或社区而言，一旦你真心诚意地表现出你对他们的生活方式感兴趣，你就会受到他们的欢迎。不过自从‘9．11’之后，很多亚裔群体都遭受了社会舆论的；中击和责难，现在你想拍摄这个社会群体的话，还得拿出像样的成绩来证明你的实力和善意。80年代初进入亚裔群体还比较容易，但现在很多时候他们都会问你：‘为什么你要给我们拍照片?如果你能拿出自己拍的照片．和他们真心诚意地交谈，一般情况下他们还是愿意接受你的。很幸运的是我在全国都有一些关系很好的亚裔熟人，我还能拿出两本已经出版的影集给他们看。”

22年前蒂姆开始构建这个黑白两色的庞大世界，直到今日这个世界仍然是黑白两色的天下，完全没有变化。蒂姆说：“人们总是说亚洲人的生活中自然而然地充满了各种艳丽的色彩，但我想突破色彩的外在形式，直接触及真正的人和事物本身。我只想用黑白两色来表现所有的事物，用这种方式去震撼人心。”

梦想连着亚裔人

22年这么一路拍下来，蒂姆已经用了将近1500卷胶片。他的室外摄影全部使用依尔福FP4胶卷，室内和光线较暗处则都使用依尔福HP5胶卷。为了编辑这本影集，他一共挑选出300张照片，最后又精拣出120幅。这些照片大多是用传统相机配用20毫米、28毫米、50毫米．135毫米和200毫米镜头拍摄的。现在蒂姆开始使用尼康F100相机，另外又添置了20—35毫米的短距离变焦镜头、50毫米的定焦镜头，以及80—200毫米的变焦镜头。除了为布雷德福特的传统文化保护中心工作以外，蒂姆偶尔也给布雷德福特的剧院和市※※拍照。”在布雷德福特的生活的确把我和摄影以外的、世界的其他方面联系在一起。现在我正在考虑做一些新的专题．我已经想出了一些不错的点子，但基本上还是以亚洲人为中心的。”

蒂姆有一个关于亚洲人的计划听起来很是超现实——蒂姆打算在英国的湖区拍一部亚洲式的好莱坞影片。“这个计划听起来确实有些奇怪．”他说．“有个叫赫里辛克罗山的明星——他在印度人心目中的地位就像布拉德皮特或汤姆克鲁斯那样，他将和两个美女明星一起在整个英国湖区跳舞。通常他走到哪里都会引起一阵不小的骚动，但在英国不会有问题，因为在那儿没人知道他是谁。”这部”亚莱坞”影片也会被整理成一本影集发表吗?”不，不会的——那种做法已经太老套了。我要搞的应该是一部，钱来坞，影片，哈哈，我要到巴基斯坦的拉合尔去拍，把它弄成一部巴基斯坦的好莱坞大片。说不定我能从这部‘钱来坞’里面赚上一大把钱呢!”

欧诺.费耶荷(ERNO FEJER)

欧诺.费耶荷1945年出生于匈牙利，是匈牙利著名的摄影家，1993年曾获匈牙利国家文化部颁发的鲁道夫巴娄奖。

欧诺.费耶荷将自己用于拍摄静物的空间称之为“洞穴”。“此一狭窄的空间最后成了类似在洞穴深入绘制象形文字的画家所创造的纯粹而完整的工作室。就像费德利区那间窗户钉上木板的工作室，这个房间成为我从事创作的神圣空间。一个心灵的暗喻。我想像的空间，我专门建立世界观的工作室。”
　
最近再度欣赏夏定的静物，给了我做这些实验的灵感。我一直在寻找通往“初始”的视觉漏洞。当我独自关在四面皆墙的房间里工作着，以兴奋而友善的方式去熟悉那些感觉得到与感觉不到的东西时，突然想到了将视觉讯息隐藏在照片中的可能性。我逐渐发现了线索，我必须放松“观看”的方式。我把注意力同时集中于事物的外在与内在，重新组合定义此一类型之范畴，企图从中发现自己感情上令人动容的“恐悲剧症”。我只希望能确定自己与被迫存在之道德启示之间的关系。

对我来说，创造这些静物的平方公尺成了“大空间”里真实而具象征性的部分，如果运气好还可以感觉到某种自主。我生命中所有的工作日都可以停工；只有不能转换的知觉在这些经验的哀伤中传达着。这些平方公尺成了感伤沉思之所，在这里，照片在人造的静默中源源而出。

此一狭窄空间最后成了类似在洞穴深处绘制象形文字之画家所创造的纯粹而完整的工作室。就像费德利区那间窗户钉上木板的工作室，我这个房间成为我从事创作的神圣空间。一个心灵的暗喻。这个地方成了我的藏身之处，我的想像空间，它变成了专门建立世界观的工作室。对我而言，这个房间可以让我清理一下我和某些人、某些事物和观念彼此间的关系。我这个“洞穴”的建造工程是内部与外在同时进行的。

这些照片中都看得到我的这个事实纯粹是力的结果。在四面都是墙的空间里移动是很困难的。不论你是谁：摄影家、模特儿、说故事的、或者操控者，结果都是被捕捉并且存留在照片之中。你掉入了陷阱之中。无路可逃。毫无希望。表现主义与隐藏。犯人与受害者混而为一复归于照片。

《给富士山换个造型   克里斯,斯蒂尔一帕金斯》

看了这个题目，不要以为是哪位类似于包裹德国国会大厦的行为艺术家又打起了富士山的主意。其实是本编辑看到帕金斯(Perkins)拍摄的一组富士山照片才有感而发。也许是爱屋及乌的原因，这位拍遍了世界各地的英国摄影师在娶到了一位漂亮、贤惠的日本妻子后，又惦记上了日本的象征——富士山。本编辑从小就看到很多富士山的图片，但无数张
富土山的作品却总是千人一面，都是那种风花雪月的甜俗之作，日本摄影师的创新能力可见一斑。 帕金斯(Perkins)作品的“高明”之处在于他把富士山与日本人的生活紧密地结合起来，很好地诠释出富上山是神圣的，但又是日本人生活的一部分!

作者的话

我的妻子是日本人。所以我有机会对日本有了更多的了解。富土山是日本的象征。我拍摄了很多以富土山为背景的照片。拍摄这组照片的灵感来自一个著名的日本画家的绘画。这幅画描绘的是100多年前日本的社会生活。

日本人拍摄富土山总是拍摄富士山在月中、在雪中、在樱花盛开的时候，总之在富土山最美丽的时候。他们不会把富士山作为社会的一部分去拍摄。我想这和日本人对富土山的感情和崇拜的心理有关。而我不存在这样的问题。作为一个外国人，我既可以欣赏它的美丽，也可以客观地审视和评价它。

富士山附近既有高尔夫球场、温泉浴池，也有儿童乐园、农场、高速公路、大型工业企业。可以说，富士山周围浓缩了日本社会的各个方面。而千百年来日本人就是在富士山脚下繁衍生息，创造出辉煌的日本传统文化和现代工业文明的。所以，这组作品中，每一幅都用富土山作背景。它的意义很明确，日本人的成就和日常生活与富士山息息相关。
　
摄影师简介

克里斯.斯蒂尔一帕金斯(Chris Steele-Perkins ) /英国

帕金斯1947年出生，1949年随家人从仰光搬到伦敦。 1967至1970年就读于纽卡斯尔大学心理学专业。大学时代，他就担任了学生报纸的摄影师与图片编辑。1971年，他回到伦敦成为了一名自由摄影师，1973年开始了他第一次出国拍摄工作一一跟随一个救济组织去孟加拉国。1979年，他加入玛格南，开始了在第三世界国家摄影工作。帕金斯的摄影报道得到了公众很高的赞许，并赢得了许多大奖，包括大不列颠汤姆霍普金森新闻摄影奖(1988)，徕卡公司奥斯卡巴纳克奖(1988)，罗伯特卡帕金奖(1989)。

帕金斯始终认为，新闻摄影是一种工具，它能让人到一个地方，在一个地方，经历一个地方。

《米谢尔杜杰德组合》

一加一等于一

一加一等于一。从上到下，从下到上，由此至彼，往往返返。如果我说的一切都无法让你满意，那么至少在听信我的第二种说法之前，先接受我的第一种说法吧。把玩照片，结果它们的内容、结构、空间，都立刻以无可挑剔的矩形完成了伪装。请别再继续强迫自己相信：每张照片都是一个证言，一则真实的讯息。好追根究底的米谢尔杜杰德四处漫步着。一条出轨的线、一幅景色、粗糙墙面的一道阴影、从背后望上去的人们，都让他忍不住按下快门。

就是这么把影像给捕捉住的，美丽、愉快、诱人。偶尔，一张卓越的样片会把纯粹的美景变成“艺术摄影”的实证，从而进入善意的博物馆之殿堂。不过如此一来不啻抹杀了促使摄影家按下快门的那股生命。照片本身和被摄影魔法永远静止了的短暂美景是一样的美丽，离出发点却如此遥远。试把两张照片并列着，或者把一张置于另一张的上面，立刻就有了迷人的无声对话。当图案的联想延伸至文学，成对的照片之间就产生了冲击；无法翻译的字眼。隐藏在普通设计下的细节，此起彼落的手势，少许鲁莽的痕迹，对阳光不顾后果的爱恋，或开或阖的假门，有嘲弄也有形式的意味。

米谢尔杜杰德戏耍着陈腔滥调，也嘲笑这种象征的老套。他把互不相干的影像配对，让它们另辟话题。就像一张画谜里头的许多小故事，他一方面提供我们基本资料，另一方面又任我们捏造故事的寓意。是象征吗?还是启蒙主义、嘲弄、语言?随你决定，随你把玩。成对的牌在眼前，赏金遍地，好戏上场，让我领着你去分享。

这一切不过是为了嘲弄摄影在过去几年里不断6，司的所有问题：架构、论述、物质、原型、修辞。而最大的问题是摄影的领域，它完全受制于那强迫性的矩形。

米谢尔杜杰德由照片之环境得到启示，他开始思考摄影的问题。身为电影工作者、热爱斗牛与东方，他玩弄着影像，完全着了迷。除了拍摄广告、工业影片、艺术影片或短片，以较慢之步调进行的摄影是琐碎景色的累积，这些成对之影像在摄影上的新创，就跟电影附加情节般的同属必要。米谢尔杜杰德就是如此这般毫不强迫地令照片开了口。
　
　
“真正组合”的时代

电影与摄影两者交替进行的结果，让我有了这批作品。

把一张照片和另一张并列，它的作用就像一部片子续集里的附加情节，结果不是加强、削弱了原剧本的精神，就是完全走样。

不卖弄任何技巧，完全遵循最简单的摄影文法，我利用这种差距侵占了那始终固执于表达现实的影像。所以我之拍照，正如同画家一开始的涂鸦之作，或作者家随手记下的大纲。在机会与警觉之间保持平衡；献给这个世界和它的众多光源。
照相的初步动作只不过是反应了眼睛所引发的情绪——不管它普通还是特别，根本无从晓得这张新照片会找到什么样的邻居。

接下来的动作则是无限期的重读我的档案；深入观察的结果促成了这些奇特的结合，但是即令是确定了的结合，也仍然会有无穷的变动。

从知性的沉思乃至天马行空——也许就在冲洗盘里，任何一种组合都有它的趣味和故事。
如果这项研究只是为了要发现一种新情绪——纯感觉的、象征性的、偶尔带点幽默或纯叙事的，那么实在没有理由去终止这些令人晕头转向的可能j哇。它会成为你个人的看法。
宽阔的白色空间既能区隔又可结合两张照片。不过照片本身的意义若非彼此相抵就是互有所补。

这种“组合”真实的地方包括了你自己所感觉到的现实，以及放在一起的那些东西所引出的现实。惟一会变成真实的是那些你的想像力让你看见的东西。是你的视觉认知，以及你的看法，创造了这个“真正组合”的新时代。

——米谢杜杰德

《蜜拉.塔比纪扬》

“人类科技表现虽臻巅峰，但我们依然感觉欠缺些什么——倒不是因为我们可能已丧失了这样东西(现实吗?)，而是我们再也看不到它了；实际上我们并不曾征服这个世界，而是这个世界征服了我们。”(尚.波德芮拉，《完美的罪行》，第71页)在不确定的未来，商业都会中的某一刻。一座“表象”城市，城市本身及其“替身”、人类及其复制品之间并无差异。复制品是完美的幻影——遗传学和语言学的聚合。波德芮拉形容此复制品为“执行的替身，一种超稳的、设定程式的、完美的叙述机器，提供所有实物符号并缩短变
迁”。 (波德芮拉，《模拟》，第146页)

一座模仿的城市——引证之美学，加上死沉的时尚!复制品既无过往，也无记忆。它们没有可预见之未来——只有现在。另一方面，这座城市又企图追忆往事——※※，但却缺乏关键性的领悟。

一座商品的城市。利己主义被推展至极限。这座城市受到私人安全※※——武装复制品——的保护。企业大军在其他星球上开拓殖民地。公司行号于空中销售股份。天然食物已经过时。“白种人基因”在热烈销售中。电脑虚拟性爱已“正常化”。“快乐”有配方供应。回忆可以买卖。复制品“要求”拥有情绪——变得比人类更具人性。婴儿也是工厂制造的。

一座本质是死亡的白色城市。不再是差异的问题，而是“冷漠”。大企业已耗尽手段。死亡不再是生命的自然过程。特权人士的生命获得延伸，非特权人土的生命则遭到减缩。
一座没有※※、没有欲望、没有幻想的城市¨司题不再如波德芮拉所言：“是生命的变迁，亦即最大可能之乌托邦，而是关乎生存，亦即最小可能之乌托邦。”(波德芮拉，《完美的罪行》，第 47 页)，然而，生存的代价几何?此刻人们所关心的不是过时的有机体战胜机械的浪漫胜利，而是我们是否有足够的空间去接纳天生才智与人工智慧，去容纳地球及其替身!

米谢.苏克一查诺斯基

米谢.苏克—查诺斯基开始从事摄影工作不久，即以1971年至1985年间在墨西哥沙漠拍摄的系列作品扬名世界。这批作品的杰出表现受到普遍的认同，也因而成为欧洲及美国各地主要博物馆的珍藏。然而这项成功也有不利的一面：这位年轻的摄影家面临了极大的艺术家之危机，而不得不停止拍摄系列作品。

他继续在较接近社会记录传统的领域工作，却也从来不忘去规划自己的拍摄计划。即使在这样的工作当中，我们也经常可以见到属概念性的手法。他的记录式的摄影计划通常以探讨第三世界人民的状况为主。

1995年，十年来的头一次，米谢.苏克—查诺斯基回到自己摄影生涯之初，于墨西哥拍下许多作品的那些地方。驱使他这么做的并非乡愁，而是内心强烈的欲望，希望重新获得以往那股卓越的艺术创作力量，去掌握并探究观看摄影的本质。

米谢.苏克—查诺斯基自己一个人连续工作了几个星期，终于为自己找到纯粹的观看方式，这一点对创造纯粹之视觉影像是绝对必要的。摄影不必传达讯息；现实被描绘成一个形体，纯粹而基本，一个视觉的感动。

这个新作品于1998年出版，书名《景色》。该作品由巴黎Baudoin Lebon艺廊代理，于全世界发行。

米谢.苏克一查诺斯基 1949年生于荷兰奥斯特豪特。于皇家艺术设计学院和圣胡斯学院念摄影与平面设计。1 970年毕业后开始从聿自由投稿的摄影工作。1972年首次于国外展出黑白摄影作品系列，地点为伦敦坎登艺术中心。他的概念性作品曾于多所重要博物馆展出，包括纽约现代美术馆、旧金山现代艺术博物馆、巴黎欧洲摄影博物馆，以及阿姆斯特丹StedeIijk博物馆。这些作品被集在四本书中出版。他所做的社会纪录分别以八册书出版，报道作品也散见各报章杂志。他的作品由巴黎Baudoin Lebon艺廊代理。

多佛.维德拉

青春期

对我们每个人而言，去回忆自己迈入成人世界的那段历程，确实不是件容易的事。然而，我们却经常不自觉地将这个回忆和我们“初次的感受”联想在一起；例如，父母亲第一次加诸于我们的不公，第一次在照镜子时意识到自己是社会的动物，在公众场合我们也有个人的形象，突然意识到性别的差异以及随之而来的身体变化，精灵的世界变成理性的世界，奇妙的混乱转变为成年期特有的霸道的秩序等。

这一系列的照片令我们想起那些“初次的感受”，文章使用第一人称，叙述一个青少年告别童年世界的回忆，至今仍令人痛苦地回忆。

这些影像经整理成为七组互相对照的照片。每一组的第一张都跟这位青少年的真实世界和日常生活有关，另一张则刻画一个想像的世界，这名青少年的想法、心理的投射和幻想。
这个计划是我和妹妹阿娜伊合力完成的；家庭的亲密联系使得我们俩可以分享很多这样的感受，就跟在家里实际发生的情况一样。

根据她的印象，我们重新设计类似这些情况的场景，偶尔也加入一些最有助于达成我们目标的影像。文字部分由我根据妹妹的叙述写成。

这个主题可视为我以前拍的“母亲的花园”系列的延续，那个系列也采取了影像与文字结合的形式。

多佛.维德拉 1955年生于智利圣地亚哥。1975年离开智利，赴比利时学习广告摄影。1991年回到智利，开始拍摄“青春期”系列。为智利“国立摄影中心”创办人之一。1994年开始另一系列作品“困在圣地亚哥”。1995年拍摄“领土”系列。于智利国立美术馆举办作品回顾展“我不在的这些年：1971—1 991”。1996年出任“摄影协调中心”负责人，并筹组第一届智利摄影月。作品曾于“1986年巴黎摄影月”、“1991年阿尔国际摄影节”， 第二届及第三届“拉丁美洲摄影月”展出。

亚历山大.维诺维卡（Alexander Vejnovic）
　
提起德国杜塞尔多夫的亚历山大.维诺维卡（Alexander Vejnovic），大家就会想到那位以拍摄时尚而蜚声国际的摄影师，美国、墨西哥、牙买加，南非，当然还有欧洲的《选择》、《内衣》、《潜水》等杂志，以及《艺术品买家日历》、《计算机图片》等都能见到他的作品。2004年的美国迈阿密“巴塞尔艺术展”、法国巴黎艺术馆，2005年的德国“艺术科隆”展也都曾展出亚历山大的作品。

有人问摄影最吸引他的是什么，亚历山大回答：“正是光之情色，曼妙的人体能够在照片中活色生香。”多年来他醉心于摄影，不改初衷。才华出众的技术水平，全情投入的画面设计，把模特的性感、亲昵用影像来表达。

水下摄影是亚历山大全新的尝试，为一些杂志、时装公司和※※※※拍摄的作品，已经成功地为他树立起又一块金字招牌。他的水下摄影作品还于2004年获得了“佳能领先时尚摄影奖”。今年4月初，亚历山大正参加在美国迈阿密广播电台“VOX”个人专题节目的制作。

谈到涉足水下摄影的起因，亚历山大说：“从事时尚摄影期间，我有机会去世界各地旅游，特别喜爱那些蓝色梦幻般的大海和白色沙滩。每到海滩，我必定会去潜水，而且养成了一大嗜好，奇妙的海底世界对我产生了难以抗拒的魔力，所以我不断下潜。”
后来，潜水教练知道了他的职业，问他：“你怎么不试着在水下拍拍时尚照片？”
“说真的，我从没想过这事儿，恐怕别人也没这么干过。”

于是亚历山大试着去了解水下摄影，他看到的作品都是鱼、植物、贝壳珊瑚、海底沉船……但就是没有时尚的。看来，新课题要留给他去开辟了！他甚至自我调侃道：“多多少少也算给时尚摄影创了个分支呢！”

接下来，就要寻找一些潜水爱好者。“谁都知道好的潜水员不一定长着一张上镜的脸，所以我只能和那些漂亮模特软磨硬泡。”

“知道那有多难吗？哪怕是在水下睁开一次眼，或者是一个微笑都是很难的。困难的开端让我总算明白了为什么水下时尚摄影没人干，但是没有其他办法，惟一的出路是培训专门的‘潜水模特’为我所用。”

作为摄影师，亚历山大还有一大堆新问题需要面对，包括怎么处理水压？怎么处理相机的失重？怎么弄出鲜亮的颜色？怎么找到合适的光线？但是重重阻碍没有挫败亚历山大，他乐观地说：“我视水下摄影为生命中了不起的体验。请到晶莹剔透的水世界里来，和我一起看失重状态下的人体戏剧吧！”

小店背上背着的与怀里抱着的

我镜头里的1对恋人，从年轻热恋，1直到鹤发童颜时

当他们步入夕阳岁月的时候，又一起回到了当年热恋时的地方......回忆那美好的时光。（只是座次变换了,而且那椅子后面又种了1棵树）

《优素福. 卡什》
　

优素福. 卡什是一位有国际声誉的肖像摄影家。住在加拿大的首都渥太华。 许多到过渥太华的名人，都以能获得一张卡什拍摄的肖像为荣。西方许多著名 的艺术博物馆都设立专柜收藏卡什的作品。

卡什的原籍并不是加拿大，他1908年出生在土耳其的阿美尼亚。1915年至1918 年间，土耳其发生了一场民族间的仇杀，卡什与1924年随舅父纳卡什避难到加 拿大。纳卡什发现卡什在摄影方面颇有才华，就把他送到美国的波斯顿，跟著名 的摄影师格乐学艺。 卡什的肖像照片，确有其自成一家的独特风格。他爱用一台8x10英寸的大相机， 配上一个结像十分清晰的爱克塔镜头，拍照时光圈缩得很小，并采用8x10英寸 的大页片。因此，他的肖像照片，张张都能做到层次丰富，影纹清晰，质感强烈， 皮肤上的纹理、毛孔、胡须，全都历历可数。

在表现人物的时候，他除了关注任务脸部的表情之外，还特别注重手的积极作用。 尤其是在拍摄那些经常运用双手来表达思想的感情政治家、音乐家、画家时，总是 设法把人物的双手组织到画面里去，进一步扩大和丰富肖像照片的表现力。 在灯光的运用方面，卡什不象通常照相馆那样求平求稳，而是大胆处理。他的主光 和辅光的光比，有时大到1：3、1：4，有时主光仅仅被用来勾勒出人物的轮廓，人 物的面孔大部分处在阴影之中，但阴影部分又有非常丰富细腻的层次。 卡什属于这样一种摄影家：他不仅仅满足于用精良的摄影器材和掌握熟练的摄影技 巧与技术，而且力求具备丰富的知识、广泛的兴趣和爱好。卡什认为，只有这样才 能排出有深刻内涵、动人心魄的肖像作品来.

蒂娜.曼多蒂

　　在西方艺术界和摄影界，蒂娜.曼多蒂这个名字往往与著名摄影家爱德华.韦斯顿联系在一起，因为她曾与韦斯顿过从甚密，但人们更为关注的是她在摄影方面取得的杰出成绩，她的作品为她在20世纪摄影史上占有重要一席奠定了基础。蒂娜采用铂盐印相法印制的照片存世极少，这种照片每幅平均售价大约100，000美元，受到许多世界最著名的艺术收藏家们的偏爱，这其中包括电影明星麦当娜。

麦当娜曾资助举办蒂娜曼多蒂的摄影展，并计划将蒂娜的形象搬上银幕。1993年，蒂娜曼多蒂的作品“水仙花”以189，500美元卖给一位艺术经纪人，在蒂娜摄影生涯中，极少拍摄这种质朴的照片，所以现在成为收藏家竞相争购的目标。蒂娜曼多蒂后期拍摄的充满激情和美感的妇女、儿童、美洲土著和普通街道生活的照片甚至可以与米开朗基罗的壁画相媲美。
　　
最近，在俄勒冈一家农场发现了100幅蒂娜曼多蒂从未面世的照片，这些照片存放在一个旧皮箱里，这则消息一经传出，自然引起了图片市场极大震动。负责蒂娜曼多蒂摄影展览的山姆说：“这次发现对所有图片收藏家来说都是梦寐以求的事。”蒂娜曼多蒂的摄影展览已于今年夏天在法国阿勒斯摄影节首次展出，并将于11月15日在芬兰赫尔辛基市立艺术博物馆展出。这次发现也可以看作是蒂娜.曼多蒂艺术生涯和现实生活中的一段佳话。
　
蒂娜曼多蒂是20世纪早期的电影演员，1921年首次为韦斯顿做模特。1923年，蒂娜曼多蒂与爱德华韦斯顿和韦斯顿的大儿子查德勒一起去墨西哥城。韦斯顿告诉他的妻子和3个孩子，蒂娜将负责管理他的肖像工作室，并照顾查德勒。伴随着第一次裸体摄影展，韦斯顿就演绎了他与蒂娜的传奇故事。1926年，流言最终导致韦斯顿与妻子婚姻的破裂。
　　
蒂娜曼多蒂与韦斯顿到达墨西哥不久，韦斯顿教她如何使用相机。她开始拍摄人像和展览艺术作品。受意大利工人阶级血统的影响，蒂娜曼多蒂还是一位反※※※主义者。她后来又有了新男友，但与韦斯顿仍是要好的朋友。他们继续交流摄影作品和心得。这一点在蒂娜现存的信中得到很好的证明，信中对韦斯顿新拍的贝壳和青椒系列照片大加赞扬，并对自己的行为道歉：生活中有太多的艺术……结果作为摄影家，我没有留给生活其余的东西。
　　
蒂娜曼多蒂的政治信仰确定了她的艺术方向，她把镜头对准街道、※※、※※、普通工人、母亲和孩子。作品出现在展览和杂志中。纽约《创造艺术》杂志编辑计划报道墨西哥文艺复兴时，就向她索要一些表现墨西哥农民生活的照片。
　　
1927年，蒂娜曼多蒂与一位古巴革命者坠入爱河，在与蒂娜散步时被暗杀。两年后，蒂娜曼多蒂在未经审判的情况下被捕入狱，后以妨害国家安全为由被美国※※驱逐出境。1929年12月，蒂娜曼多蒂发表最后一次政治声明，组织了一次记录墨西哥生活的摄影展。这次展出的照片奠定了蒂娜在艺术史上的地位。
　　
1940年初，迫于形势需要，蒂娜.曼多蒂不得不放下相机，投入反※※※战斗中。她先后在莫斯科、巴黎、西班牙等地从事地下斗争近十年，1939年，返回墨西哥。1942年，蒂娜曼多蒂参加完一个社会※※，乘座出租车回家的路上，突发心脏病身亡，享年45岁。

《歌唱家，艺术家，图片收藏界的传奇人物——埃尔顿.约翰》


　埃尔顿.约翰绝不像一些艺术收藏家那样，把收藏图片当作是投资的手段。他把近十年中购买的经典摄影图片都收藏在他的私人画廊里。今年秋季，埃尔顿约翰在亚特兰大High艺术博物馆将展出其大部分收藏照片。亚特兰大艺术经纪人琼杰克逊鼎立支持了这项展览。
　　
埃尔顿约翰可以说是近十年中，世界收藏20世纪和当代摄影作品最有影响的私人收藏家之一。然而，对公众来说，埃尔顿收藏的范围、种类和数量绝对是一个谜，事实上，埃尔顿收藏的单幅照片在2500幅以上，并且这一数字仍在上升。埃尔顿本人作为公众人物，对他的了解也知之甚少。
　　
这其实正是埃尔顿所希望的。摄影对他来说纯粹是个人爱好,他的藏品经常是采用匿名的形式通过拍卖购得。琼杰克逊作为他的艺术经纪人之一，曾亲自参与了多次拍卖活动。
　　
即将于11月4日在亚特兰大High艺术博物馆举行的埃尔顿约翰收藏摄影作品展，有助于公众了解埃尔顿对摄影热爱的程度。
　　
此次展览展出的大约400幅照片是从埃尔顿的藏品中选出的，这也是埃尔顿摄影收藏作品第一次面世。为配合这次展览，还刊发了一份长达200页、包括156幅照片的硬皮目录。展览设计的风格与埃尔顿住宅布置颇为类似，埃尔顿仅在亚特兰大的公寓就悬挂有900多幅照片，其它住宅也是从房顶到地板都挂着照片。照片是用普通黑框，白色衬底装裱的，展览特别复制了埃尔顿住宅，包括家具布置、书籍陈列，当然还有照片。 埃尔顿对摄影的热爱开始于他意识到要开始过新生活的时候。具有直接、真实和冲击力特点的摄影成为他新生活的象征。
　　
1991年，他在拜访其朋友阿兰和玛丽.特瑞斯.潘瑞时，这两位法国Le printemps de Cahors摄影节的组织者向他推荐了霍斯特的作品。后来，洛杉矶经纪人戴维Fahey又应邀给埃尔顿展示其购买的照片，戴维回忆说，埃尔顿被霍斯特具有抽象美和简洁特征的照片吸引了，这位伟大的歌唱家立即决定购买霍斯特的照片，这是他第一次购买作品。尽管埃尔顿约翰参与了上千次商业摄影图片运作，但他从没有把摄影当作一种艺术形式，直到1991年新年前夜。
　　
当时，埃尔顿在亚特兰大刚买了一所公寓，琼杰克逊的画廊因假日关闭，埃尔顿的经纪人打电话给她，问她是否愿意为他们打开画廊，毫无疑问，她立刻答应了。埃尔顿买了许多照片作为礼物，这一传统现在仍然继续着。很明显，他对摄影有很强的兴趣，希望※※※※摄影※※和摄影艺术家的情况。当他离开画廊时，他抱着整整一大摞摄影画册。后来，我发现埃尔顿是个“贪婪”的买主，尤其是对关于摄影家的传记的画册特别感兴趣，他收藏的艺术画册和杂志现在也已达到上千本了。
　　
有一些人生来就具有成为严肃收藏家的潜质。每一个收藏家在年轻时就显示了这一点。当埃尔顿还是小孩时，埃尔顿收藏关于体育和音乐的杂志，后来收藏磁带，当他有钱后又收藏汽车。
　　
他对摄影最初的兴趣源于其多种形式和时装照片。他收藏了大量由霍斯特、赫伯瑞茨、布鲁斯.韦伯和其他一些人拍摄的男性裸体照片。他同样拥有大量女性裸体的照片，特别是20世纪20年代到30年代间的经典照片。基于埃尔顿对时装的兴趣，他对精美的时装照片，特别是从20世纪50年代起拍摄的照片，如此着迷，就不令人奇怪了。在埃尔顿的家里，到处可以看到欧文佩恩、诺曼帕金森、威廉姆凯勒和弗兰克哈沃特拍摄的照片。卧房里挂着40×60英寸由理查德阿威顿拍摄的“Dovima和大象”和两幅30×40英寸凯勒拍摄的时装照片。
　　
在20世纪90年代早期，琼开始向他推荐现代主义风格的经典照片，在那个时候仍然有数量众多的珍贵作品在市场上流通。琼意识到在今后几年内获得这些照片是有困难的。埃尔顿的兴趣被现代主义风格的照片的抽象形式和大胆实践所吸引。他第一幅真正昂贵的照片是曼瑞拍摄的“玻璃泪珠”，是在1993年花193，895美元购买的。他在伦敦的索斯比拍卖行看到这幅照片时，毫不犹豫地买下它。这也是他第一次破拍卖纪录。埃尔顿如果强烈渴望拥有一幅照片的话，那么他会尽力得到它，除非是照片本身有问题或者是价钱太昂贵。
　
在纽约的拍卖会中，对琼来说以埃尔顿的名义参加拍卖愈加困难，因为埃尔顿知名度越来越高,并不断创造新的拍卖纪录，像曼瑞等人的照片拍卖纪录都是他创造的。当时看来，埃尔顿所付的金额好象很高，但是现在他以前的大胆行为得到回报。市场对于这些经典照片的需求不断增长，而高质量的照片却相当匮乏。这在一定程度上也是因为大批富裕的收藏※※，像埃尔顿约翰造成的。琼杰克逊在埃尔顿收藏照片初期就为他工作，她说收藏照片对埃尔顿来说并不仅仅是娱乐，而是严肃学术和情感的追求。他知道他收藏的2500幅照片全部摄影者的情况和这些照片放在哪里。如果这些照片放在别的地方，埃尔顿会想它们的。
　　
起初，埃尔顿收藏的所有照片陈列在他亚特兰大面积达1800平方英尺的公寓，但是因为照片数量不断增加，空间就显得狭窄，这也是使他注意收藏小幅照片的部分原因。后来，他在法国的尼斯买了住宅，照片数量甚至超过了亚特兰大的收藏。现在，在英国伦敦等地的住宅也存放着他收藏的照片。　
　　
埃尔顿经常光临的在美国和伦敦的画廊，包括安迪.考瓦画廊、Tim Jefferies' Hamiltons画廊、David Fahey的David/Klein画廊和Jay Jopling的白色俱乐部。在旅行中，如果时间允许，他还会参观当地的画廊。受埃尔顿的影响，其合伙人David Furnish也对摄影产生兴趣，这起源于欣赏照片和阅读画册，进而发展到与艺术家、作家和经纪人打交道。
　　
埃尔顿广交朋友，欢迎艺术家来他家和花园参观和工作。即将在High艺术博物馆开展的展览不仅仅是一次摄影展，也是一位收藏家对摄影激情的展示，他不仅渴望与其收藏照片生活，而且希望与朋友，乃至公众分享他对这些照片的热爱。

比特-G-巴拉兹(Peter G. Balazsy)


美国新泽西州摄影家比特-G-巴拉兹极富特色的摄影作品被称为水照片（Watergraphs），他成功地将自己拍摄的人体、城市风景和静物画面通过手工绘制形成一种暖调的、影调丰富的画面。

巴拉兹的作品采用摄影转印法：他在拍摄时使用一般的35mm照相机，彩色反转片。随后，他将反转片投影到波拉或是富士的一次成像胶片上，在胶片显影过程中，再将影像“转印”到新的材料上，这些材料可以是纸、丝绸或是尼龙。最后再通过手工着色完成最后精炼的转印图像。

尽管巴拉兹所学的是电子和计算机专业，在艺术上却是自学成才的。他的作品除了有敏锐的艺术观察力外，他的实验技术也预示了摄影技术发展的一个新领域。尽管他的作品被描绘成“画意的”，但绝不同于数十年前被现代主义所批评的传统的画意摄影家的作品。
他的一半以上作品是女性的肖像和人体。为了避免色情，他创造了带有明显视觉吸引力的画面，细腻的，复杂的，揭示一种优雅时尚和人类形态的多样性。他将传统的人体摄影进行了革新，以寻找一种诱惑和魔力替代对人体的震惊。

而他的都市摄影和静物摄影则产生另外一种倾向：一种※※感的，一种“新画意”，其形态和主题都和早期艺术的深层底蕴相当吻合。

他对材料的开发和示范以及对摄影媒体艺术质量的敏感，包括色彩，线条，影调，乳剂的纹理，纸张的肌理，都和着色作品本身相当吻合。这样，对于他的创作手法而言，摄影不再是一个简单的可以着色的作品，而是通过转换的手法将摄影从传统的意义上解放出来，这些材料上的解放不仅仅是一种肌理的转换，更是一种观念的变革，可以说是在摄影界进行一场平静的革命，尽管摄影家没有什么宣言或是声明。

《赛格福瑞德.曼尼埃塔》

赛格福瑞德.曼尼埃塔,1947出生于德国，1954年随父母移民澳大利亚，现为澳大利亚昆士兰州格里菲斯大学昆士兰艺术学院的讲师。已从事了多年的风光摄影。他以艺术家的敏感表现了澳大利亚美丽风光的细微之处。

曼尼埃塔说他的作品展示了他个人每新到一处首次见到某些风光的特殊感受。从12月11日起，从赛格福瑞德.曼尼埃塔作品中精选出的一百多幅代表作在※※美院美术馆进行展览。本次展览持续到本月20日。艺术评论家保罗.卓利对他的作品给予了这样的评论，“场面宏伟或风景独特实际上都不是曼尼埃塔的特色。他的作品拍摄的对象大到一望无边，小到可以把玩于掌心，比如一片叶子，或一个贝壳。但无论大小，作品给人的感受都是艺术家与景物间持久，用心，耐人寻味的交流。它们给人一种神秘，超俗的感觉。这不仅仅是因为景物别致，如出仙境，更因为景物上清清楚楚地打上了艺术家情感的烙印。”在本报51期9版这位澳大利亚老人将与您共约自然。

《世纪航拍——严-阿赫迪一白赫唐》

自古以来，人们习惯于从大地看苍天，而从天空看大地，是个什么感觉？一直是是人们向往而又感神秘的事情。上一个世纪初，法国摄影家那达赫先生从热气球上拍摄了世界上第一张从天空中俯摄大地的照片。这个照片上的地方就是巴黎郊区的小镇毕耶芙赫，也就是今天的法国摄影博物馆的所在地。100多年后的今天，法国摄影家严-阿赫迪一白赫唐先生又在世界上76个国家、历时数载，拍摄了十万多张反转片，把本世纪末的世界奇观，展现在世人面前，引起了极大的震动。除了法国之外，有十多个国家先后举办了严先生的航拍影展。他的画册，被十多个国家争相出版，作品也遍布全世界的各大报刊杂志。我取得唐先生的授权，在《大众摄影》上发表此组作品。

由于严先生的摄影视角独特，往往给人们一种全新的视觉感受。如他在法国拍摄的沿海小岛上的心型风景照。如果你有幸走到这个森林旁边，也不会感到身边就有一个由于盐、碱、游淤而自然形成的巨大的“心”。“不识庐山真面目，只缘身在此山中”这张照片已成为摄影家严先生的代表作而被印成海报,也印成了绿色的T恤衫穿在了众多巴黎少女的身上。

美国著名的黄石公园由于自然形成的火山气候和温泉，每年吸引了三百万游客，并被联合国定为世界遗产而闻名于世。而游客们未必能看到，严先生从天空拍摄下来的，是他们完全看不到，也想象不到一幅色彩斑斓的奇特画面。

摄影家严先生在毛里塔尼亚拍摄的沙漠驼队的照片，构图用光都不同凡响。他在图片说明中深情地写道：这种被称为“荒漠之舟”的单峰骆驼是最驯服的人类的朋友，也是最有耐力的适应干燥的沙漠环境的动物。它的驼峰可以调节温度和补给身体消耗的水份和养料，连续工作很长时间不进食不喝水。而人类在这样的情况下24小时就会脱水死亡。

近年来，北京正在为沙尘暴的侵袭所困扰。而这幅沙丘横卧在高速公路上的照片仿佛让人们看到了不可预见的将来。这是摄影家在埃及拍摄到的活生生的自然与人类较量的现实情景。由于植被的破坏，河床泥沙堆积，草原沙漠化的节奏加快，现在正在以每年10米的速度向人类的生存环境发起进攻。水泥构筑的高速公路在自然面前束手无策。巨大的电线杆和电缆被沙丘埋葬……。

法国摄影家严-阿赫迪一白赫唐先生的拍摄手法在朴实之中透出离奇，他的作品“不故弄悬虚，而悬虚无限，无娇柔造作却造作无成。”此情此景，系鬼斧神工，非人力而可擅越。我们看这个影展，眼前仿佛是一些色彩斑斓的抽象画，却确确实实的是无任何物质加工的地球呈现给太空的真实的自然景观。把本世纪末的世界奇观，实实在在地展示在世人面前。下一个世纪末此情此景依然吗？……

《飘飘欲仙的水下摄影——华德.沙茨》

生活在旧金山的著名摄影家霍华德.沙茨(Howard Shatz)1996年11月出版了一本名叫《水下舞蹈》(Water Dance)的画册。这些前所未有的舞蹈照片拍摄得非常优美。舞蹈家的体态显得特别轻盈，飘飘欲仙。沙茨说：教练们经常对专业舞蹈演员提出跳得“要像一根羽毛”那么轻盈；进入水下以后，演员们就真的变成了一根羽毛。她们的动作变得特别柔美，好像是在水里练太极拳，又好像是在看电影里的慢动作镜头。

但是，作为摄影师来说，在水下摄影却必须保持相对的稳定。为此他必须在腰间套上沉重的铁腰带。为了使双眼看清水下的景物，还要戴上一副防水眼镜。当然他采用的相机也是专为水下摄影用的防水相机(当前用得最多的尼康厂出产的Nikonos)，他所用的水下摄影相机上还有防水闪灯。

这些照片都是在他朋友家里的室内游泳池中拍摄。所摄对象都是旧金山芭蕾舞剧团的专业演员。拍摄过程大体上是这样：先让演员习惯一下在水下表演舞姿的特别要求。比如要学会屏住呼吸30秒钟，并能在水下把双眼睁开……在下水前，沙茨经常给演员提出一些要求，希望她们的表情更充分一些，身体如何转动，双臂怎样伸展……然后双方一齐深深吸一口气，沉到水下，由演员做出舞蹈动作，进行拍摄。具体的拍摄地点，经常选在泳池的深水区，因为只有在这里才能有足够的空间表演跳动。

沙茨所用的光源，除了相机上的闪光灯外，还有来自泳池上方的灯光和泳池底部的反光。由于水的漂浮力，摄影师能拍到在地面上很难得到的效果：衣裙的飘动，彩带的飞舞，看起来很像是梦境里的景象。

《把印度看个通通透透》

印度资深摄影师拉古比辛格(RaghubirSingh)把他抓拍到的骚动而多彩的印度之魂收入了一本充满戏剧性场景的影集——《多彩的河流：拉古比辛格眼中的印度》。

把一个国家，尤其是像印度这样幅员辽阔、景象万千的国土包容在一个个画面中是难以想象的。但这几幅来自印度的佳作似乎把这个愿望转化为现实。只要看一看那剪裁得体、构图精炼的肖像，以及由农夫或朝拜者组成的宏伟的风景照，甚或普普通通的街景，你就会感到：印度的精髓似乎被艺术家敏感的眼睛以及与它朝夕相伴的、生命力更长久的感光胶片捕捉下来了。具有讽刺意味的是，最乏味的印度题材作品是在拍摄热点最高的地区——塔吉迈哈拍摄的。它们缺乏其他照片所具有的那种活力——色彩、瞬间凝固的感觉以及那些印度人本身——他们的表情：那种持续的受惊的、却毫不抵抗的凝视。

多年来拉古比辛格一直把印度当作他拍摄的主体。他擅长变换拍摄方式,时而瞄准壮丽的远景，时而又转用近距离特写镜头。他已经出版了若干本反映他的故乡——印度独特风貌的精美影集，从中你既能一睹古都瓦拉纳西的华丽风采，又可感受现代都市孟买的匆匆脚步。前不久，他的另一本影集《多彩的河流：拉古比辛格眼中的印度》已经交付印刷，此书由费宗出版社(PhaidonPress)出版，全书160页。该书是在1999年1月23日在芝加哥艺术学院开幕的一次展览中同观众见面的。它还将随行前往另外两个展地——新德里和孟买。辛格在该书的前言中写道：西方人受欧洲蚀刻和雕塑的影响对黑白影像情有独钟。而在印度次大陆并非如此。他强调指出，如果用黑白的单色视角观察印度，势必会错过它的全部。

辛格眼中的印度总以一种似乎是印度独有的方式呈现出一派缤纷色彩。好像印度这块土地在任凭此位敏锐的艺术家的诱导，而为其布景，供他拍照，或展示出其杂乱无章的一面。从那幅展示印度教圣人在※※阿巴德城庆祝印度教节日——恭婆梅拉节的肖像即可略见一斑。日本或许是最具美学意味的国度——平屋顶式建筑风格、日本儿童如雕塑般深沉的双眸……而印度年轻人的眼神里却带有一丝近乎摄人心魄的慈善目光。严肃的印度题材摄影作品或许永远存在着审美与被摄主体之间的剧烈冲突。但是已有一些令人刮目相看的佳作留在了底片中。

《相逢-咫尺-天涯——菲尔-波吉斯和他的摄影》

“这世界实在太小了！”我们都曾不止一次地发出这样的感慨。美国摄影家菲尔.波吉斯(Phil Borges)似乎在有意无意间印证了“地球村”这个时下更为时髦的概念。通过菲尔.波吉斯的照片，我们看到的是人类的共性，是那些属于不同种族、不同民族、不同国家的人之间的共性。

从照片上，我们不难发现，尽管他寻访和拍摄那些古老的土著部落民族已经有20余年，但与一个部落的最初接触仍然能够带给他强烈的震撼和莫名的激动，甚至伴随着因陌生而产生的恐惧。不断的环球旅行使他有机会遇到那些与他生活方式不同的人，对摄影的热爱又使他不得不进行不断的环球旅行。这两个相辅相成的理由，使菲尔波吉斯完成了今天我们所见到的两本摄影专辑：《藏族人的肖像》和《不朽的精神》。

拍摄肖像好象使菲尔波吉斯有了一种特权，使他能够参与到发生在被摄者身边的故事中去，身临其境地体味那些原本陌生的东西。正如他自己所说的那样：我热爱这整个过程，特别是当它们有助于消除我原有的偏见和无根据的揣测时。

作为美国战后成长起来的一代，在本世纪50年代，当他还是一个孩子的时候，菲尔波吉斯生活在一片欣欣向荣之中。通过周围的成年人，通过日益发达的美国传媒，他似乎知道了世界上还有“三分之二受苦人”，并按照这些“受苦人”缺少什么来区分他们。当时的波吉斯认为这些“受苦人”食不果腹，缺医少药，没有符合标准的饮用水，更不要说电器和汽车了，而这一切都是美国中产阶级可以充分享受的。这些“受苦人”的生活必定苦不堪言。

步入成年的波吉斯观点发生了很大变化，开始想象原始土著民族的不同之处。有时将他们想象为一切浪漫的代表，在远离尘嚣的地方与自然和谐地生活在一起：神奇的※※，马德雷山脉中信奉撒满教的人们，还有新圭亚那石器时代的部落土著民，似乎就是这样。直到有一天开始旅游，开始面对引起无数遐思的土著部落，他才认识到一点——人类具有一些真正的特质：伴随着各种各样的品格和气质，其中一种特质的实质就是“满足于最基本的生存需求”。这些需求包括：食物、住所、情感归属以及奉献的本能。“乐天知命”哪一位中国人不懂？波吉斯却发现并通过照片证明这是全人类的共性。

波吉斯曾不止一次长途跋涉10余天，进入丛林中的原始部落。那些赤裸全身并用野猪的长牙作装饰的土著人，看起来是那么奇特而且有些吓人。然而，2-3个小时之后，他们已经变得不再陌生，波吉斯注意的是他们的特殊习性。充满激情的生活造就的丰富表情就呈现在这些与我们看起来如此不同的脸上，却让我们感到如此熟悉。看过波吉斯的照片，我们可以在身边就发现同样的身体语言，同样的表情也在表达着同样的个性。这些照片最终给我们留下深刻印象的不是出于好奇的猎奇，而是它们深刻地揭示出：生存在地球上不同角落里的人类是如此的相同，抛开身体外形和文化的不同，从各种意义上说，我们所有的人全都一模一样！

波吉斯的被摄者包括，第一次与外界接触的土著人，为生存而冒险、抗争多年的人，衷心希望保有自己已近乎消亡的文化的人，努力使自己的文化不被所谓主流所吞噬的人。

没有任何人有权力用“落后”和“愚昧”来形容其他的民族或种族，这是菲尔波吉斯的结论，也是每一个看过他的作品并被这些照片所感动的人应该得出的结论。波吉斯的照片让不同民族和种族的人面对面地邂逅，使我们能够开始相互承认。

对于这些作品，波吉斯说：我只是试图将一张脸安放给一个抽象的人，只想规避一般化和浪漫的想象，只希望将这个人作为我们时代的人呈献给大家。

《摄魂——早期杰出人像摄影家卡梅隆夫人》

当我们谈论摄影史上杰出的女摄影家卡梅隆(Julia Margaret Cameron 1815-1879)时，必须把思考的时空回溯到1851年，即138年前摄影术诞生仅仅12年的时候。那时，司各特-阿切尔(Scott Archer)发明的湿版照相法一般需要五分钟进行摄影曝光，而且拍摄时，要把刚刚涂布好的玻璃感光版用胶棉保持湿度，要是干了，感光版也就作废了。这就是摄影史上的所谓“湿片时代”。卡梅隆正是采取这一照相术进行摄影创作的。

传记作家格拉翰(Janet Graham)为这位早期摄影史上伟大的女摄影家卡梅隆所写的传记是这样开篇的：“1860年夏天，到英国怀特岛度假的人，常会在淡水湾散步时，遇见卡梅隆这位奇人而大吃一惊。她是个矮胖的中年妇人，脸上、手上、鲜红天鹅绒的衣服上，都沾满刺鼻的显影液黑斑点。她会突然从花丛背后伸出头来，用沙哑的声音命令：请进，来个仪容不朽吧！”

1863年，卡梅隆夫人48岁时，收到一架相机。她在《玻璃屋手记》中写道：“我的第一部相机是我的女儿及女婿送给我的，他们希望它能帮助我打发在淡水湾独居的日子。这个具有纪念性的礼物，越来越激起我内心原有对美的爱好。从第一刻起，我即小心翼翼、满有感情地调弄着镜头焦距。它在我手中，已经变成一个有生命的东西，具有声音、记忆及创造力。”这位老妇人用这件消遣品，拍摄出了史无前例的优秀人像作品，为摄影史写下了光辉的一页。她把家中放煤的屋子改成暗室；把装有玻璃窗的养鸡棚改成摄影间。由于她本人有很好的艺术修养，一旦得以通过摄影艺术进行创作，很自然地就有不同凡响的结果。

人物肖像是摄影诞生以后，从传统绘画艺术中“夺”过来的一种艺术样式。尽管有人一再指责“照相只能形似”，但人像摄影家们的创造，打破了这一偏见。卡梅隆夫人开创的具有“摄魂”魅力的人像摄影，不容置疑地证实了肖像摄影完全达到甚至超过肖像绘画。卡梅隆夫人对人物性格有敏锐的观察力，她不仅掌握人物外形的特征，同时还把其内在的性格拍出来。她这种通过人物外形表象而进入到心灵底层的探索，几乎是一种天赋。她是以“特写镜头”表现人物的开创者。

卡梅隆在其《玻璃屋手记》中写道：“当我的照相机前站着这样一位人物时，我的全副精力都落在怎样忠实地纪录被摄者的内在神韵，以及他的外在容貌……这样摄得的照片，其状当如一位祈祷者的化身”。卡梅隆夫人在为她的对象摄影时，全神贯注地投入到对被摄者的观察、认识、感受和理解，洞察人物内心深处的机微。特别是她对自己面前的对象有着一种女性或母亲般的挚爱，和对友人的敬重深情。

她写道：“我渴望捕捉住所有来到我眼前的美，而这个愿望终于得到实现。它的困难反而增加追求的价值。我从一无所知开始，不知道暗箱放在哪里，该如何对准焦距……我们这个岛上的农人都很好看。男人、女人、少女和小孩，都成了我喜爱的题材，这是所有喜爱我的照片的人所周知的。”（《玻璃屋手记》）她在自己的“手记”中还记下了每一张照片的拍摄经过及发生的趣事。有时因沉醉于喜悦之中，还写成短诗吟咏。她不宣称艺术观和摄影使命，但从其“手记”中却可以感受她对摄影的独有情愫。

卡梅隆在第二年开始把作品送到展览会上去参展。可是，有的作品画面焦点不够清晰，影像有点模糊。这种技术上的“失误”，在当时的英国摄影界是不能接受的。《摄影杂志》甚至用讥讽的口气批评道：“卡梅隆夫人要先学会了使用照相机，也许会拍得好一点”。焦点不清晰，可能有好多原因，事实上，卡梅隆夫人有时是故意选用低质镜头，把人物轮廓照得模糊。她还别出心裁，减少曝光，以便在名人脸部造成戏剧性的效果。

卡梅隆所摄《赫舍尔爵士像》，特写的构图、虽老但有神的眼睛、紧闭的双唇、飞起的一头白发和极富特色的眉毛、以及额头深深的皱纹……都表明赫舍尔(J-Herschel)是一位有思想、有性格的人。卡梅隆用强烈的光比，浓重的阴影把赫舍尔的性格特征强化和突出出来，在当时画意摄影盛行的情况下，乃至今天看来，这都是一幅栩栩如生、呼之欲出的佳作。据说当时卡梅隆的人像作品，使得画家们感到迷惘，因为她的肖像照片，比画家所画的肖像更能把那个时代人物的真实面孔刻划出来。

然而，这幅精彩的肖像摄影作品，焦点虽不十分清晰，并不影响对这个天文家、发明家也是摄影家的赫舍尔的艺术表现。说明艺术作品根本的、重要的是心灵的产物。我们再从卡梅隆夫人的《手记》中来看看她是怎样对待“焦点”这一摄影的简单技术问题：“我在对焦的时候，当影像在我眼中非常美时，我就不再调整到更清晰的焦点。”显然，她是一位注重直觉，以直觉为出发点的创作者，尤其是她注重人物面孔所浮现的心灵，这才是她唯一要拍摄出来的。

卡梅隆夫人在她的玻璃屋里拍摄了十二年人物肖像。当时英国社会的一些名人、科学家、诗人、画家、发明家、预言家应邀到怀特岛的玻璃屋里做客，并留下一张张不朽的影像。其中卡梅隆夫人为赫舍尔爵士拍摄了一本专集，送给了她心仪的前辈。1974年，美国的一位鉴赏家用五万二千英镑购得《赫舍尔影集》，可是英国※※拒绝签发出口证。因为卡梅隆夫人拍摄的这本影集被视为国宝。于是发起了募捐活动，有四千个团体和个人热烈响应，买回了这本影集，珍藏在英国国立画像馆中。

卡梅隆夫人自23岁起，就随同丈夫在印度加尔各答生活居住。她抚养自己的六个孩子，还领养了五个孩子，同时热衷于慈善事业，从事德文小说翻译和写散文。1848年她随丈夫退休回到英国，而后定居在怀特岛，直到六十岁时离开了她的“玻璃屋”——那座她拍摄了无数名人肖像的摄影工作室。享年六十四岁。

《数码手艺人——玛嘉.丽娜.佩荷》
　　
在佩荷于芬兰首都赫尔辛基附近伊斯堡的兼做办公室、工作室的家中，她还以自己的建筑师的专业背景知识，来创作广告，她即是以这个职业为生的。最初佩荷尝试用摄影蒙太奇、拼贴和插图等方式，制作专业化的图像。1998年她开设了个人设计公司，接受客户的订件。

佩荷1982年开始在赫尔辛基技术大学上学，目标是成为建筑U币。由于结婚生子，她直到九十年代才学完建筑课程从大学毕业。由于当时芬兰经济衰退， 如果你赞扬玛嘉.丽娜.佩荷(Marja Leena Pelho)是位数码艺术家的话，她却更乐意认为自己是个如同金饰和木雕匠人一般的“数码手艺人”。

佩荷自学成才，她喜欢用电脑图像处理软件Adobe photoshop和其它编辑软件，设计制作漂亮、奇异和幽默的图像。很少有建筑师被雇用。佩荷便在家一边抚育孩子，一边用一台家庭电脑开始自学数码影像技术。她自认为学习得很缓慢，因为用的是一台廉价的PC电脑，运转速度很慢。她的最早的生意是用多影像组合方式设计的广告作品，这使她赚来钱买了适合专业要求的苹果牌电脑，这对她此后发挥才能起到了极其有利的作用。

芬兰是个小国，佩荷现正从国际范围内寻找发展机会，她以国际互联网推展个人技艺。她对自己的创意技艺的认知是“过去和现在我都是喜欢做个人的艺术创作，但我也很喜爱我制作的广告作品，我以我的技巧实现了许多真实新颖的视觉表现形式。”

《德国当代艺术家  安德烈亚斯.古尔斯基》

　　美国纽约现代美术馆现正在举办德国当代艺术家安德烈亚斯.古尔斯基（Andreas Gursky）摄影作品回顾展。该展览于3月4日开幕，在持续两个多月的展期中，观众可以一饱眼福，尽情欣赏当代著名艺术大师的摄影精品，展览将于5月15日闭幕。本次展览汇集了安德烈亚斯.古尔斯基1984年以后创作的精华作品40余件，重点展出了艺术家在90年代以后创作的以表现时代精神为主题的大型彩色摄影作品。

　　安德烈亚斯古尔斯基1955年出生于德国莱比锡，在杜赛尔多夫长大，他的父亲是杜赛尔多夫的一个成功的商业摄影师。早在中学毕业前，安德烈亚斯古尔斯基就掌握了商业摄影的技巧。70年代末，他又在位于埃森附近的福克王学校（Folkwang School）学习两年,这所学校里有一个培养专业摄影师特别是摄影记者的培训班。在埃森，古尔斯基接触到了摄影的纪实传统——一种严谨的艺术和没有任何装饰的观察方法，它对事物的认真客观的观察与商业摄影中太多的人造因素有着天壤之别。

80年代初，古尔斯基进入国家美术学院继续深造。第二次世界大战之后德国最重要的几位前卫艺术家约瑟夫博伊斯（Joseph Beuys）、西格马伯尔德(Sigmar Polke)和格哈德里希特(Gerhard Richter)就来自这里。古尔斯基在这里学到了艺术世界的规则，也从当代著名的观念艺术和极少主义艺术摄影大师贝恩德(Bernd)和希拉贝歇尔(Hilla Becher)那里学到了严谨的治艺方法。

　　80年代末，当古尔斯基与贝歇尔的其他几位学生一起获得艺术界的广泛承认时，古尔斯基的作品更被认为是他老师艺术思想的继承与发展。古尔斯基勤于思考，勇于创新，并将所学到摄影知识全部融入到作品之中。经过十多年的不断探索与创新，古尔斯基逐渐形成了具有鲜明特色的个人风格，并成为当今德国摄影界中最耀眼的明星。古尔斯基的作品以画面大、醒目、色彩丰富和细节丰富而闻名。

进入90年代后，古尔斯基将创作中心集中在那些震动人心的并能反映时代特色，代表时代精神的主题性题材的创作之中。为了追寻他的目标，古尔斯基从杜塞尔多夫的大街小巷走向了更加丰富而广阔的世界，香港、开罗、纽约、巴西利亚、东京、斯德哥尔摩、芝加哥、新加坡、巴黎、洛杉矶、上海等地都留下了他的足迹。

在早期的主题性创作中，古尔斯基表现人们的假日休闲和旅游生活，工厂、居民楼、饭店、办公大楼合货栈都进入了他的镜头；德国议会大厅、国际股票交易市场的交易大厅以及诱人的名牌商品货架也成为他要捕捉的对象。进入90年代后，他的作品日益向着大场面、快节奏、高消费和全球化方向发展，而没有姓名的人则是其中最不重要的。

　　
　

<Robert Corwin>

Robert Corwin，这位毕业于Bradley大学的美术硕士，在被认为是缺乏情感的数码图像作品中，将自己强烈的心理表达渗透在自己的数码绘画作品中。

　　那些“人和电脑”、“画笔和像素”、“情感和逻辑”的对立，在他的数码图像中都成了完整的组成元素。

　　在Robert Corwin的数码图像作品中，融合了摄影、油画、素描等视觉艺术，这不仅丰富了艺术家的创作思路和题材选择，更增强了图像本身的艺术表现能力。

　　Robert Corwin希望自己的作品能冲击观众的视线，他通常利用炫目的对比和强烈的形态，在他的这些富有抽象意味的图像中表达各种敏感的主题。

　　他的这些努力旨在有助于人们更好地理解自己和自然共存亡的哲理。

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我努力使我的数码合成图像在色彩和处理过程上能接近具有丰富表现能力的油画作品。

　　人类在数码像素技术上的进步使得现在的电脑艺术更充满生气和活力，并进一步淡化了电脑的痕迹。在融合了我的自觉和灵感后，电脑就象一个德国的表现派画家一样，在视觉艺术上给人留下深刻的印象。

《阿诺德 .纽曼 》

纽曼1946年的作曲家系列被列入著名的编者的失误之一。天知道Harper's Bazaar的编辑当时是怎么想的，他们拒绝了纽曼的作品――斯特文斯基的肖像。

"我那时为Bazzar拍过很多照片，所以对此事没有抱怨什么。"纽曼回忆道，"从那以后，斯特文斯基的肖像在全世界被重印了很多遍，比我的任何作品都要畅销。几年后，Bazzar为这些图片付了我一大笔钱。

"拍摄这些图片时，纽曼在纽约艺术界的事业正如日中天。当他第一次在皮埃尔旅馆遇到他作品中的男主人公，纽曼就决定要将他的男主角置于一架钢琴旁。在拍摄过程中，他在钢琴后和琴键旁不断变换着拍摄角度。

之后，纽曼将图片剪裁得非常简洁，借此创造出一种形式感很强的作品。当时他没有钱买长焦镜头，但是纽曼说出来的效果还不错。我们不是用相机来拍摄，而是用心。相机只是一个工具。"

1954年，36岁的纽曼与他的妻子和两个孩子在欧洲进行了为期6月的旅行。纽曼的一个好友，毕加索在纽约的代理商为他写了一封介绍信。不走运的是，他弄丢了那封信，只好自己写了一封。纽曼回忆当时的情景："我开车到了毕加索的住处，将信交给他。但他并不喜欢对他感兴趣的人，他以为我只是个普通的旅游者。"于是纽曼向毕加索展示了自己的一本摄影集。毕加索知道这些作品，答应纽曼第二天早上11点见。毕加索的儿子告诉纽曼，他父亲只有一小时的会见时间。

第二天，当纽曼见到毕加索并工作了大约一个小时以后，纽曼问到："您是否只有一个小时时间？"毕加索回答说告诉他一个小时的时间限制是为了以防他是一个无聊的人。最后纽曼和他的妻子在那里待了5个小时。

纽曼说他当时的计划是在毕加索的工作室里对其进行拍摄："我越往他的眼睛深处看，越觉得与他靠得更近了。你从没觉得一个世界闻名的人是如此亲近。这张照片在全球重印了10，000次。我拍过很多名人，但那些眼睛都是尖锐的。"在拍照时，我从未想过哪些片子会闻名于世。事实上，我只是出于爱好来拍摄它们。当时我知道毕加索这几张将是我最好的作品之一，但从未想过它们会成为※※的一部分。总之，那天我和妻子过得非常开心，这就足够了.

啥都别说了，做记号，长期学习！

我是猴的LD^_^在猴无粮时上网
左：蛮猴出品。标语文字:反对无人性※※.央视强买强卖.掠夺百姓利益.官官相护
右：水立方出品《漫漫※※路》

[小瓷猪 编辑于 2006-08-21 20:20]

《阿坝各莫寺》

《斜阳》