时质兄好,MM来了

祝福伊士曼柯达有个新的开始

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毒！    德味儿！     大师！      学习了！           

这位穿大衣的大叔干啥呐？    打车？  

来看LZ

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“摄影”谋杀摄影

杨小彦





本来，摄影，我说的是纪实类和新闻事件类摄影，其出路是很明确的，那就是出版与传播。国际上一直有成熟的图片社制度，专门经营这一类图片，向各大媒体及刊物发稿，或者代表摄影师向有关媒体谈判，好为拍摄专题的委托提供良好的经济回报。著名的马格兰图片社干的就是这一类活。摄影师归属于不同的图片社，从而保证其工作回报达到利益最高点，同时又能满足图片市场的需要。而在画廊中所看到的“摄影”（这里我得打上引号，以区别前述摄影），从分类上看，一般属于“艺术作品”，体现了先锋的观念演绎与另类的技术摆弄。当然，我这样比较会有危险，以为前一类摄影没有“艺术性”。其实，在画廊里出现的“艺术作品”也只是专指而已，按照通常语境之认可而命名，并不说明前者无艺术而有摄影后者有艺术而无摄影。两者之间也有重合，有的摄影家干的活像纪实或新闻，但他们对此似乎不太安心，稍不留神就溜到了画廊那边，冷不丁让自己成为一个“艺术家”，或者叫“摄影艺术家”。阿勃丝、弗兰克、兰.戈丁可能都属于这一类，他们至少有越界嫌疑。当然，考察这几个人的摄影实践，他们的确不能算是纯粹的图片社摄影师。弗兰克拍著名的《美国人》，用的是古根海姆基金会提供的赞助资金。阿勃丝选择侏儒为拍摄对象，并不是为媒体，而是为自己。她最后用自杀方式结束生命就是明证。也就是说，她的拍摄对象在某种意义上就是其生存的一个镜像，通过这一镜像，映照出阿勃丝内心的恐慌与孤独。卡帕一生都在为媒体工作，专拍战争，这没有疑问，但与他一起创立马格兰图片社的卡蒂-布列松就不是这样了，这个法国人之所以拿起小相机，显然来自某种本能。他厌恶像新闻摄影工作者那样去干活，希望躲在人群中有所发现。有人说他是“城市猎人”，这称谓恰如其分，说明卡蒂-布列松创造了一种属于135相机的传统。这一传统介于纪实与个人影像之间，造就了20世纪一场伟大的摄影运动，既影响了纪实类摄影的风格发展，同时又为个人影像的兴起提供了最大的可能性。随着这一运动的深入发展，人们越来越发现，135相机所给予人们的，远远不止纪实与事件纪录，而是一种广泛的、具有※※色彩的日常观看。

为图片社工作的摄影和为画廊工作的“摄影”，各归其类，目的不一样，性质也大异其趣。发生在上世纪90年代中国的“纪实摄影运动”，参与者多是从事新闻摄影的记者，或者是一些手持135相机到处逛荡并随时拍照的摄影师（我一直认为这些人持有难以抑制的流浪气质，摄影只是对这一气质的视觉回应而已）。经过他们的持续努力，以“纪实摄影”命名的摄影类型终于成为摄影界的主流而广受关注。与此同时，中国兴起了“当代艺术”运动，如火如荼，蔚为大观。新世纪以后，艺术市场开始升温，在国内外炒家的共同推动下，当代艺术很快就成为了市场宠儿，创出惊人的天价。这一现实深深地刺激了摄影界。尤其是，当拍卖行涉足摄影时，因价格的差距而产生的失落终于让摄影界不安起来，“纪实摄影也是一种当代艺术”的说法甚嚣尘上，好像真有人不肯承认“纪实摄影”是艺术，尤其是“当代艺术”似的。而且，原来那些安心为传播工作的摄影家，突然发现他们更应该做“艺术”，他们的作品不应该只出现在媒体上，更要挂在画廊的墙上。可惜，绝大部分的画廊完全不理会摄影师的焦虑，依然只关心艺术家的“摄影”。

其实，就在“纪实摄影”风起云涌之时，当代艺术界就有人宣称，“观念摄影”要以傻瓜机为本。说者引经据典，证明存在着一种艺术界的“观念摄影”，他们重在表达观念，满足于粗糙的影纹与混乱的构图，以此来颠覆传统摄影由来已久的精确与质感。一句话，他们反对摄影师视为生命的拍摄技术。不少当代著名的艺术家尝试用摄影去表达，更有一些艺术家一开始就用摄影方式来工作，前者有浙江的邱志杰，后者包括一份名单，其中著名的有王庆松、洪垒、缪晓春、王宁德和杨福东等人。当年我对此颇有感慨，曾撰写短文，讨论傻瓜机对摄影的可能谋杀，试图辩明发生在摄影领域与艺术领域中的不同情状，以及彼此之间所造成的错位。客观看来，用傻瓜机从事创作只是个别人，那些选择摄影为表达方式的艺术家，他们从来就没有放松过对质感的追求。上述所说的艺术家，其作品品质显然不言而喻，大家有目共睹。

有趣的是摄影与“摄影”的碰撞（所谓“本体”的摄影与艺术的“摄影”）。“摄影人”与“艺术家”共处，争论难免发生。以我观察看，凡在这种场合，多是“摄影人”焦虑，“艺术家”比较淡定。“摄影人”的焦虑或者来自对自己是否属于“艺术”乃至“当代艺术”持有疑问，好像不太自信，所以总呈现出争强好胜的勇武，“斗争性”比较强。“艺术家”的淡定以其现实成功为基底，作品价位在市场上有好几位数，所创作的东西，究竟是摄影还是非摄影，无须关心，关心反而成了傻瓜。

每当我看到原先为传播而工作的摄影师现在整天热衷于寻找画廊机会时，我就知道他们的摄影已经被艺术家的“摄影”干掉了，他们既焦虑于“观念”，更焦虑于“当代”和“艺术”，他们梦想着一张照片也能弄出个几位数的价位，用以证明自己不是摄影师，而是“艺术家”。

在今天这个浮夸的年代，谈论艺术很不容易，那么，谈论摄影就容易了吗？我看也不容易。“摄影”谋杀了摄影，“艺术”谋杀了胶卷或影纹，结果是，我们既不能谈论带引号的“摄影”，所谓 “艺术摄影”，也不能谈论没带引号的摄影，“本体”摄影。可惜，现实中总有人在谈，谈完这又谈那，纠缠得很，最后连自己谈什么都变得分外地糊涂了。



2011-12-12

  木 心 先 生 追 思 会

http://www_douban_com/event/15558097/

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摘 要：摄影的出现，很大程度的改变了人类的生活方式，与此同时，摄影对于设计及人类生活的影响也不可估量。信息时代的生活也随着摄影的发展而发生天翻地覆的变化，摄影作为一种视觉语言在人们生活中所占有的地位也越来越高，很大程度上，摄影已经成为了现代信息传达的主要表现手段了。
　　
　　1 摄影中的构图元素
　　
　　视觉形象是作为统一的整体被认知的，而后才以部分的形式被认知，也就是说，我们先“看见”一个构图的整体，然后才“看见”组成这一构图整体的各个部分。视觉画面的形成是通过视觉元素来对构图方式及构思含义进行把握的。大自然中存在着各种各样的线条，而线条在构图元素中占据着很重要的位置。它作为结构画面的骨架，不仅具有构成具体形象的作用，还具有对具体形象进行表现的功能。线条在画面中所起的作用，还在于使画面产生视觉上的均衡感。使摄影构图符合人的视觉平衡需求，通过线条的聚合与分散作用，创造出富有音乐般动感、节奏感的画面。各种形状的线的排列组合会产生丰富多彩的心理感受。线条的组织也会造成很明确的形式。同样形式在视觉表现中也是很重要的，单纯的形式感在摄影中是没有意义的，还要具有艺术性，它的艺术性就在于它表达了人们的审美经验。各种符合形式美的画面均能产生不同的美感。色彩作为视觉语言的最有表现的要素，因为它直接反映人的情感。法国现代派画家马蒂斯曾经说过：“如果线条是诉诸于心灵的，色彩是诉诸于感觉的，那你就应该先画线条，等到心灵得到磨练之后，它才能把色彩引向一条合乎理性的道路”。所以形式必须保持对色彩的绝对优势。任何物体表面都具有表面纹理，对肌理的感知过程会引发相关的心理反应，如温暖、美好、细腻的感受。空间作为摄影的总体表现形式，通过二维平面表现三维空间，我们可以通过从不同的角度、不同的距离去再现形。
　　
　　2 摄影中形式感的获得
　　
　　20世纪初发源于德国的一个心理学流派对视觉艺术领域产生了重大影响。这个被称为格式塔的心理学派，对形式、形状进行了具有理论指导意义的论述。在格式塔的理论指导下我们可以得知：摄影构图中形式感的获得的基本条件就是画面中心要有良好的图形和基底关系。在格式塔心理学中，简化是这样被描述的：简化形成秩序，它把画面中丰富的意义和多样化的形式组织在一个统一的结构中。在这个结构中，所有细节不仅各得其所，而且各有分工。主题的选择也是形式感获得的重要主观条件。同样是一组景物，有人表现的杂乱无章，有人表现的却是有条不紊。前者没有把主体从杂乱的分散注意力的周围环境中分离开来，如果很难做到的话那就尽量贴近被摄物，把画面不必要的杂物留在取景框的外面，保留那些足以说明问题的特征来表现主题。视觉角度的选择是充分发挥主体能动性必不可少的手段，使得客体的面貌比我们想象的要丰富的多。从不同的角度看事物，一个精心选择的角度使得我们所熟悉的事物也呈现出奇特的形象，这就是视觉角度的魅力。热情和兴趣是形式感获得的重要心理条件，也是产生创造性的动力所在，即使是同一个主题也能拍的有滋有味。它能使作品面向日常生活的各种场景，能使摄影家热情澎湃，打开情感创作的闸门。没有这种热情的刺激，摄影就会陷入无动于衷的程式，结果只能是沦于平庸。摄影家只有处于高度自觉、兴趣不断增长的状态下，把感情融入进去，才有希望创作出足以征服人心的，使人难以忘怀的摄影作品。

3 摄影中的构成关系
　　
　　在现实生活中，即使是具象的形也存在抽象的构成关系。摄影师面对的是一个客观的空间，只能通过主观的作平面设计，并遵循一定的规律来控制画面。摄影中经常使用的构成规律包括：
　　（1）重复构成产生节奏感和韵律感；几个形相互适应构成产生新的有趣的形，装饰意味强。
　　（2）近似构成的形排列可以有秩序的也可以是无秩序的，给人丰富、协调优美的感受。
　　（3）变异构成可以是形的大小、方向、色彩、肌理等，变异构成的地方是视觉的焦点，趣味所在。
　　（4）渐变构成给人柔和，舒适的心理。
　　（5）对比构成通过形和形、有和无、虚和实、色和色使主题更具生气、刺激、醒目的特点。
　　（6）辐射构成给人放射，旋转的运动感，画面张力感强烈；聚集构成可以是一点、一线、一圈、一面、可以由聚集点和形产生种种变化。
　　（7）矛盾空间构成需要发挥作者丰富的想象力，构思成现实生活中难于见到的事物，吸引人们极大的注意力。
　　被摄体具有图案美、节奏感与重复出现这些特征往往能够加强照片的结构虽然是拍出好照片的前提，但规律不能盲目去寻找。仅仅是为了图案效果去拍图案照片，去追求所谓“抽象”的形式，并不能保证这样的照片必然是成功的。
　　
　　4 摄影和平面设计
　　
　　摄影的构图规律同样适用于设计，在设计中一个缺乏整体感，混乱无序的构图会破坏了人们的视觉心理，使人在瞬间难以识别对象，须删除不重要的部分，保留绝对必要的信息，从而达到视觉表达上的简化。真正有感染力的设计不是看上去模棱两可，而是通过省略某些部分，将另外一些关键部分突出来。可以看到平面设计与摄影的关系是很难分离的，它们是相互作用和依存的。在平面的诸多因素中，除文字图形之外，影像便是一个很重要的组成部分。如今以摄影艺术为表现手段的一门专业摄影-广告摄影正在充分行使它的商业功能，作为平面设计师常选择的一种表现方法，已经占据着印刷类媒介广告的80%以上。我们可以从广告、包装袋、包装盒上的产品图片、影集、报纸、杂志、目录簿、小册子、小广告宣※※甚至橱窗陈列品中领会。在世界范围类展开的强大广告攻势中摄影无疑成为了重要的媒介。
　　
　　5 摄影在平面设计中的元素运用
　　
　　通过观察和分析一些经典平面设计作品，借助图像为元素来达到直观表现作品重要信息的例子很多。不同元素与元素的结合使视觉表达自然而然地从一个视觉语义延伸到另一个视觉语义，画面往往没有太多复杂的语言，目的性极其明确，主题突出，作者总希望能够体现一图胜千言的功效。
　　南部俊安的关于和平主题的招贴就使用了手的照片，把不同姿势的手组成了“P E A C E”，手和字母的视觉形象结合在一起，言简意赅，画面的主题在瞬间显现。和摄影一样设计应该面向生活，当元素与元素置换时就不会脱离日常视界的范畴，为人们心理所接受。世界著名品牌ABSOLUTE的绝对伏特加广告堪称经典，引用了一系列的生活元素：绝对产品、绝对城市、绝对艺术、绝对节日、绝对口味、绝对文学、绝对服装、绝对新闻……尤其是“绝对城市”更是精彩绝伦，这组创意的元素全部选自世界著名城市最脸孔化的标志，然后把绝对伏特加的瓶形巧妙地置换或添加在这些著名的标志物上。绝对伏特加总是能通过瓶子的形状元素和生活中刻意的情节规划及精彩的标题创造出许多人们意想不到的内容，营造出特别的气氛和情调。
　　
　　6 摄影的意义
　　
　　摄影显示了最为客观的记录捕捉大自然独一无二的瞬间。摄影的种种社会性使用决定了摄影的社会意义。摄影是沉默的艺术，摄影沉默的在世界徘徊，在饱含感情的面孔和身体上探寻，固定住只有影像才拥有的命运。无须太多话语，我们便能在影像的静止中感受它的心跳，唤起陶醉之情。我们借助“第三只眼”观看这个世界，我们能感受到世界以它极大的宽容性不断展现着巨大的吸引力。摄影的存在对于我们来说并不是单纯的把某个事物随心所欲的变成照片影像，固定的影像使得我们延长了对美的感受力。影像不需要我们作过多的解释，我们只需把后面包围的喧哗和孤独剥离开，静静在一旁感受吧！

摄影的视觉语言及意义
作者：程雨竹

作者：程雨竹

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关于色彩学的参考书目

http://book_douban_com/subject/3235206/

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